Linhas borradas: como o mundo da moda e da arte colidiram novamente nesta temporada

Embora frequentemente vistas como mundos distintamente distintos, moda e arte sempre estiveram intrinsecamente ligadas. Ambas servem como poderosas formas de expressão que motivaram alguns dos momentos culturais mais icônicos do século passado.

Frequentemente citada como a primeira grande fusão da moda com o mundo da arte, a parceria entre a estilista Elsa Schiaparelli e o artista Salvador Dalí na década de 1930 em Paris resultou em quase uma década de colaborações surreais — de frascos de perfume a estampas em tecido e ao agora icônico vestido de lagosta usado por Wallis Simpson. O trabalho deles estabeleceu um precedente, abrindo caminho para futuras duplas criativas: Yves Saint Laurent e Piet Mondrian, Louis Vuitton e Takashi Murakami, Alexander McQueen e Damien Hirst, para citar apenas algumas.

“A arte nunca foi apenas uma tendência na moda – é a própria base dela”, diz Belma Gaudio, fundadora da Koibird. “Estilistas como Miuccia Prada, Issey Miyake e Roksanda não buscam inspiração sazonal na arte; eles vivem naquele espaço onde moda e arte se informam constantemente. É um diálogo que sempre existiu – não um momento, mas um movimento.”

“O que estamos testemunhando é um novo legado criativo em movimento”, afirma a diretora criativa e estilista Barbara Ayozie Fu Safira. “Os designers estão usando a moda para expandir os limites da realidade, utilizando escultura, performance e narrativa para construir universos inteiros.”

As coleções Outono/Inverno 2025 mostraram exatamente isso. Casas de luxo em Nova York, Londres, Milão e Paris recorreram ao mundo da arte para ilustrar suas coleções — desde a parceria da Erdem com a artista Kaye Donachie , cujas pinturas foram impressas diretamente em tecido, até a homenagem da Loewe a Josef e Anni Albers , e as alegres colaborações da Marni com Olaolu Slawn e Soldier Boyfriend .

“A relação entre moda e arte é profundamente enraizada e simbiótica — cada disciplina informa e desafia a outra de forma consistente”, reflete Tiffany Hsu , Diretora de Compras da Mytheresa. “À medida que designers buscam criar coleções mais significativas e baseadas em narrativas, recorrer ao mundo da arte em busca de profundidade, contexto e ressonância emocional parece natural e inevitável.”

De fato, as coleções desta temporada seguiram códigos de design que convidavam a novas formas de conexão — permitindo que o público interagisse, refletisse e se sentisse empoderado. A moda não se limitou a fazer referência à arte nesta temporada — ela a abraçou completamente, com os dois mundos se unindo para criar coleções ousadas e expressivas.

“Este conceito não se trata de fazer referência à arte; trata-se de vivê-la”, acrescenta Ayozie Fu Safira. “Moda e arte nunca foram esferas verdadeiramente separadas. Agora, mais do que nunca, elas falam como uma linguagem única e em constante evolução.”

Abaixo, exploramos sete desfiles que borraram os limites entre moda e arte neste outono/inverno de 2025.

Roksanda e Phyllida Barlow

Há mais de 20 anos, Roksanda Ilinčić lidera a mistura de artesanato, design e expressão artística por meio de sua marca homônima, Roksanda . Para o desfile de Outono/Inverno 2025 da marca na London Fashion Week , Ilinčić se inspirou na falecida artista Phyllida Barlow.

Conhecida por suas instalações ousadas, lúdicas e de grande porte, Barlow influenciou Ilinčić por muito tempo — desde o uso de materiais reciclados até o pensamento conceitual por trás de cada peça. Com foco no espaço, na forma e no desafio aos métodos escultóricos tradicionais, o trabalho de Barlow convida o espectador a questionar o que vê.

Essas ideias foram traduzidas com maestria na passarela. Traços da sensibilidade arquitetônica de Barlow, combinados com a alfaiataria característica de Ilinčić, resultaram em uma coleção de 35 peças que homenageou tanto o legado do artista quanto a visão do designer.

Erdem e Kaye Donachie

Erdem Moralıoğlu, diretor criativo de sua marca homônima, há muito tempo faz a ponte entre arte e moda. Conhecido por fazer referência a artistas influentes como Tracey Emin e Nan Goldin, suas coleções frequentemente exploram temas enraizados na figura feminina.

Para a coleção Outono/Inverno 2025, Moralıoğlu colaborou diretamente com a artista Kaye Donachie — uma parceria que começou quando ele a encomendou para pintar um retrato de sua falecida mãe. Motivado pela abordagem poética de Donachie à criação de imagens, ele se sentiu atraído pela forma como o trabalho dela captura a presença persistente de uma vida vivida no passado.

O resultado: as figuras femininas etéreas de Donachie agora aparecem em toda a coleção — suas silhuetas estampadas em peças prontas para vestir feitas de fibras naturais, entrelaçadas com motivos exclusivos da Erdem, como bordados de veludo e florais românticos.

Courrèges e Dan Colen

O desfile Outono/Inverno 2025 da Courrèges foi uma aula magistral de minimalismo ousado. Mantendo-se fiel aos códigos de design elegante da marca, o diretor criativo Nicolas Di Felice inspirou-se em Moments Like This — um livro que apresenta obras do artista Dan Colen inspiradas em confete e grafites.

Um favorito de longa data de Di Felice, o livro serviu como um trampolim criativo para injetar alegria e espontaneidade à coleção. Na passarela, choveu confete enquanto as modelos usavam peças básicas do dia a dia, realçadas por texturas e acabamentos inesperados. O look de abertura imitou o movimento do confete girando ao redor do corpo, enquanto o tweed salpicado de confete tornou-se um tecido-chave, combinando a estética lúdica de Colen com o minimalismo futurista de Courrèges.

Issey Miyake e Erwin Wurm

Incomum, espirituoso e bem-humorado são apenas algumas das palavras frequentemente usadas para descrever o trabalho do artista Erwin Wurm. Conhecido por explorar o corpo e formas não convencionais de artesanato, sua influência sobre o diretor criativo de Issey Miyake, Satoshi Kondo, parece particularmente adequada.

A prática escultórica de Wurm frequentemente envolve materiais cotidianos — de parafusos e cadeiras a malas — reinventados de maneiras surpreendentes. Seu objetivo: desafiar a percepção e oferecer um novo ponto de vista. É uma filosofia que Kondo compartilha: usar a moda para transformar o familiar em algo totalmente inesperado.

De fato, por meio de seu trabalho na Issey Miyake, o diretor criativo Satoshi Kondo tem desafiado consistentemente as noções tradicionais de design de vestuário, baseando-se em referências esculturais. Para a coleção Outono/Inverno 2025 da marca, Kondo encontrou grande inspiração no trabalho de Erwin Wurm, particularmente em uma apresentação na Semana de Moda de Paris que explorou a ideia da "Escultura de Um Minuto".

Aqui, os participantes assistiram aos artistas realizando poses espontâneas e esculturais — uma instalação viva que deu vida à filosofia lúdica de Wurm por meio da moda.

Alaïa e Mark Mander

Nesta temporada, o diretor criativo da Alaïa, Pieter Mulier, explorou temas de escultura, geografia e o que sempre foi central para a marca: as mulheres.

Inspirando-se na obra do escultor Mark Manders, Mulier ficou intrigado com as reflexões do artista sobre cultura, transformação e impermanência. Manders é conhecido por combinar objetos do cotidiano — como mesas, cadeiras e jornais — com argila úmida para criar obras que parecem inacabadas ou fragmentadas. Com rostos em ruínas e partes faltando, suas esculturas examinam a beleza e a geografia sem limites definidos.

Para Mulier, essas ideias estavam intimamente alinhadas ao legado de Alaïa — particularmente à visão de Azzedine Alaïa de celebrar a individualidade e a força. O resultado foi uma coleção Outono/Inverno 2025 confiante, construída em torno de silhuetas estruturais, acessórios de cabeça e recortes em uma paleta neutra, pontuada por toques de amarelo canário e azul cobalto.

Loewe e Josef & Anni Albers

Para a coleção final de Jonathan Anderson na Loewe, a marca adotou uma abordagem não convencional, apresentando-a como um álbum de recortes. No Hôtel de Maisons, em Paris, Anderson selecionou uma mistura de memórias — antigas e novas — que preencheram as páginas com recordações. Esse método permitiu que ele combinasse os temas clássicos da Loewe com a arte e o artesanato inovadores.

No centro da coleção estava a colaboração com a Fundação Josef & Anni Albers, que celebrava os pioneiros da arte de meados do século. Inspirados na série Homage to the Square , de Josef Albers, os acessórios da Loewe — como o Puzzle, a bolsa Amazona e a clutch Flamenco — foram reinventados através das formas geométricas do artista.

O uso distinto de cores e técnicas por Albers também influenciou as peças prêt-à-porter. O couro foi cortado e esculpido, enquanto as peças do dia a dia foram realçadas com drapeados, uma homenagem às técnicas têxteis inovadoras de Anni Albers. A coleção incorporou o mesmo espírito inovador da arte e do design que definiu o legado de Albers.

Marni e Olaolu Slawn e o namorado soldado

Uma parceria improvável se formou no ano passado entre o então diretor criativo da Marni, Francesco Risso, e os artistas Olaolu Slawn e Soldier Boyfriend durante uma residência artística de um mês. Trabalhando juntos em um estúdio compartilhado, o trio combinou suas abordagens de arte e design, inspirando-se na história e na cultura.

Fundindo a herança nigeriana dos artistas com as raízes italianas de Risso, eles criaram a coleção The Pink Sun. Usando a passarela como tela, o desfile Outono/Inverno 2025 da Marni tornou-se uma ponte entre meios, culturas e expressões — uma prova da dedicação da marca e dos artistas ao artesanato. Seu vibrante trabalho de grafite se fundiu perfeitamente com a estética inovadora e experimental da Marni.

A coleção serve como um modelo para a indústria, mostrando o poder transformador da conexão entre arte e moda. Seus vibrantes looks de passarela exibiram color blocking ousado em vestidos de seda (usados ​​pela estrela da capa da Marie Claire UK, Tracee Ellis Ross), casacos esvoaçantes e apliques florais que se estendiam de ternos sob medida.