Een hedendaagse Griekse tragedie

Al eeuwenlang herhalen veel auteurs, voornamelijk toneelschrijvers, Grieks-Latijnse mythen en lenen ze personages en legenden uit het klassieke Griekenland. Ze vertellen niet zozeer wat wij denken dat er met hen is gebeurd, maar ze gebruiken hun daden als metafoor voor de mannen en vrouwen van vandaag.

Oedipus, Antigone, Prometheus, Medea en Icarus zijn de meest gekozen. Maar andere hebben eeuwenlang de secundaire rol vervuld die de auteurs destijds aan hen wilden toekennen. Een paar jaar geleden besloten de schrijver Manuel Tirado en de ervaren toneelregisseur en romanschrijver Francisco Suárez om Clytemnestra, de moeder van Iphigenia, Electra en Orestes, neer te zetten als een tragische vrouw die in staat is het gewicht van een grote mythe op haar schouders te dragen.

In 2016 regisseerden ze The Last Battle, met Tirado als maker van een tekst die Suárez bewerkte en regisseerde. Deze maand, voordat het stuk op tournee gaat in Spanje, is het opnieuw uitgebracht in het nieuwe theater Dau al Sec in Barcelona (inspelend op de naam van de avant-gardebeweging en de locatie van de ruimte) met een nieuwe acteur, Damià Plensa. Zij speelt in op de traditie van het Japanse theater om vrouwen in pijn te spelen en verandert in een Clytemnestra in haar ondergoed, gekleed in een soort badjas, gekleed in de Japanse stijl, diepbedroefd, dronken, lief, flirterig, verward en verbijsterd, wraakzuchtig en woedend, arrogant in beide betekenissen van het woord, jaloers, verachtelijk en moorddadig (het bekende verhaal wordt niet verklapt).

In zijn gedaanteverwisseling hypnotiseert Plensa, zoon van de bekende beeldhouwer, met een verhaal vol tegenstrijdigheden, zoals die alleen getoond kunnen worden door iemand die tegelijkertijd hartstochtelijk liefheeft en haat en verteerd wordt door jaloezie.

In die zin is het belangrijk om een ​​man te zien die een pijn interpreteert die zo diep kan worden ervaren vanuit elke identiteit, hoewel de regisseur van het stuk ziet dat het feit dat het een man is, een vaste toewijding is om seksistisch misbruik aan de kaak te stellen vanuit de autoriteit van een mannelijke stem, en voegt toe: "Dat is het spel, het is krachtig dat hij aan de kaak stelt wat vrouwen is aangedaan als man, hij is geen travestiet of een verwijfde man, hij is een acteur die een vrouw belichaamt die zegt 'alle gelukkige vrouwen lijken op elkaar, maar ongelukkige vrouwen zijn op verschillende manieren ongelukkig. Door met pijn te leven, ben ik een vrouw met een mannenhart geworden. Aangenomen wordt dat het ook op deze manier bekeken kan worden, wat deze voorstelling vol knipogen naar onze cultuur, met zinnen die in de collectieve verbeelding blijven hangen, ongetwijfeld nog verder verrijkt, van namen als Almodóvar, Goya, Lope de Vega, of zelfs het opvallende vers van Caballero Bonald , ingebracht door de regisseur: "We zijn slechts de tijd die we nog hebben."

En zoals in elke goede Griekse tragedie is er ook hier geen gebrek aan een vrouwenkoor dat de handeling beïnvloedt. In dit geval wordt dit koor vertegenwoordigd door liederen van Chavela Vargas, Olga Guillot, Omara Portuondo en Mayte Martín. Ze worden allemaal overschaduwd door afwezige liefde, verlatenheid en onmogelijke vergetelheid. Hoewel de soundtrack aan het begin het openingsthema van Bernardo Bonezzi voor Women on the Verge of a Nervous Breakdown bevat en aan het einde het thema dat componist Bernard Herrmann achter Hitchcocks rug om voor Psycho schreef, is de titel heel toepasselijk voor de film uit 1960 en voor dit kleine theaterpareltje: The Murder. In dit geval gaat het om Agamemnon, koning van Mycene en leider van de Trojaanse Oorlog, destijds echtgenoot van Clytaimnestra. Zij moet hem doden omdat ze de dood van haar dochter Iphigenia moet wreken (hoewel het werk hier niet veel nadruk op legt) en omdat ze nog veel andere ernstige rekeningen moet vereffenen.

Het stuk doet soms denken aan Jean Cocteau's De menselijke stem , omdat beide stukken over de pijn van verlating gaan en omdat in dit geval de stem van een man wordt gehoord, wat wenselijk zou zijn geweest in een enscenering van De menselijke stem , aangezien het tegenwoordig bekend is dat Cocteau schreef over het verlies van zijn geliefde.

Het laatste gevecht (dat van Agamemnon , natuurlijk) is zonder twijfel ook een gevecht tussen acteur en regisseur, waar beiden ongeschonden uit tevoorschijn komen, ongetwijfeld dankzij de zelfbeheersing en het goede werk van beiden, die zich niet lieten meeslepen door voor de hand liggende zaken waar de een of de ander gemakkelijk in zou kunnen vervallen. Zeker als je bedenkt dat het personage (hopelijk niet de acteur) een hele fles van 700 ml goede whisky met een volume van 40% (geverifieerd) leegdrinkt.