In Uzbekistan, la prima Biennale di Bukhara è una felice sorpresa per il 2025.

Un caravanserraglio è una locanda con punti vendita al dettaglio per i viaggiatori delle carovane mercantili, ed era solitamente dotato di una stalla per cammelli. Fin dai primi secoli dell'era cristiana, è stato l'indubbio precursore del centro commerciale e dell'hotel. Pertanto, la nostra attenzione dovrebbe essere rivolta contemporaneamente alle opere d'arte e agli spazi che le contengono , molti dei quali sono stati recentemente ristrutturati. Fu nel XIV secolo che Bukhara si affermò come uno dei principali punti di sosta sulla Via della Seta, la rotta che collegava la Cina al Nord Africa attraverso l'Asia centrale; il suo emporio di merci attraversava il Mediterraneo fino a Istanbul e Venezia.

In questa città storica, con i suoi tappeti così spesso citati nella poesia inglese classica, si è tenuta dal 1° settembre la prima Biennale dell'Uzbekistan, una sorpresa che ha superato ogni aspettativa. Secondo la rivista Frieze , per citare solo uno degli elogi, si è trattato di una risposta virtuosa alla sindrome della "stanchezza da biennale", "non solo perché è eccellente, ma anche perché offre un modello per confutare qualsiasi scetticismo sulle mostre su larga scala".

Tra i suoi valori, non solo un dettaglio, ma piuttosto una delle sfide dell'esperimento, c'è il fatto che per la maggior parte del pubblico locale si tratta del primo contatto con l'arte contemporanea. Alcune decisioni hanno indubbiamente contribuito: qui non ci sono white cube o padiglioni vuoti, ma piuttosto la regola del contesto. Tutti i progetti rimangono all'aperto, il che riduce la durata della mostra. Un anno fa, queste moschee, madrase e caravanserragli erano ancora chiusi al pubblico, alcuni dalla fine degli anni Novanta. Questo favoloso patrimonio, sotto la protezione dell'UNESCO, include una Biennale con circa 70 artisti provenienti da tutto il mondo, e forse il successo più grande è stato il fatto che ogni artista sia associato ad artigiani locali per la sua realizzazione.

Curata da Diana Campbell Betancourt , un'americana con spiccate influenze latinoamericane e una base e competenze in Asia, la Biennale ha adottato un motto semplice: "Ricetta per cuori infranti". Attenzione, lasciate i vostri pregiudizi alle spalle tra le mura della cittadella: qui non c'è kitsch o melodramma, ma piuttosto un vigoroso appello al pubblico locale e internazionale . La frase allude tanto alla delusione in amore quanto al dolore e alla sofferenza dell'emigrazione, a un pianeta danneggiato in violenta trasformazione, dove l'amicizia è un rifugio.

Il lavoro di Campbell è stato inscindibile dal progetto di riqualificazione urbana, diretto dall'architetto uzbeko Wael Al Awar, Direttore Creativo dell'Architettura per questa prima edizione. Insieme a Campbell, hanno affrontato la duplice sfida di garantire che le opere, tutte commissionate e site-specific , si distinguessero per la loro autonomia e si integrassero con gli spazi imponenti e austeri. La Biennale è stata commissionata da Gayane Umerova, direttrice della Fondazione statale per lo Sviluppo dell'Arte e della Cultura, una sorta di ministero senza portafoglio che ha prodotto la prima dell'opera Tamerlano di Händel nel 2024. a Tashkent, con la direzione dell'italiano Stefano Poda e del soprano di Mendoza Verónica Cangemi.

Questa vasta mostra è una delle numerose iniziative, tra cui il nuovissimo Centro per l'Arte Contemporanea e un nuovo Museo Nazionale, progettato dall'architetto giapponese Tadao Ando, ​​la cui apertura è prevista per il 2028, entrambi nella capitale. Il pomeriggio in cui abbiamo parlato con Umerova , ad attenderla c'era il designer francese Philippe Starck , arrivato quella stessa mattina e con cui sta lavorando a un altro progetto. Chiaramente, il modello di modernizzazione attraverso le istituzioni culturali è lo stesso adottato dai paesi del Golfo Persico, anche se a un ritmo diverso, senza petrodollari.

La curatrice Campbell ha tratto il suo motto da un aneddoto biografico, forse apocrifo, sul dottor Avicenna. Questo saggio – nato nella Bukhara persiana nel IX secolo come Ibn Siná e autore del Canone della Medicina ( Qanûn ), il trattato che detronizzò Galeno in Europa – è considerato il padre della medicina moderna e fu un pioniere nel descrivere, così tardi, l'anatomia dell'occhio . Di fronte a un giovane principe depresso, il saggio medico gli prescrisse di abbandonarsi alla sua passione per una ragazza comune e di non dimenticare una razione giornaliera di plov, il riso pilaf tipico della regione. Alla Biennale, ogni artista ha proposto possibili ricette per la guarigione dell'anima e del corpo. I 70 partecipanti – tra cui il bengalese Kamruzzaman Shadhin, che ha impiegato mesi per ottenere il visto – hanno visitato Bukhara prima di presentare i loro progetti: le opere appartengono ai singoli artisti e, se vendute , devono rimborsare i costi di produzione allo Stato . Importanti collezionisti della regione sono passati di qui e ora sono in dialogo.

Se oggi la rivendicazione dell'artigianato e del suo status di arte è uno dei paradigmi mondiali, alla Biennale di Bukhara la materialità è così magistrale da prevalere in molti casi addirittura sull'idea artistica. Tutti gli artigiani coinvolti sono inclusi nei titoli di coda delle opere, un aspetto che nella maggior parte dei casi non può essere affrontato in questa sede.

La suddetta "stanchezza biennale" si riferisce anche a un certo esaurimento di fronte alle agende e ai temi politici che hanno caratterizzato gli eventi artistici occidentali globali, e da cui l'ultima Biennale di Venezia non è sfuggita. A rigor di termini, Bukhara ha cercato una propria strada; sembra aver interiorizzato le insidie ​​del collettivismo artistico che ha caratterizzato la fallita Documenta 15 del 2022; ha sostituito la retorica woke con il meno pretenzioso "lavoro di squadra" e le utopie irraggiungibili con l'idea di "guarire il pianeta". E mentre è evidente che un paese islamico come l'Uzbekistan mantenga la modestia come conditio sine qua non , il che implica limiti alla rappresentazione – il corpo femminile, la diversità sessuale, la sessualità stessa, se parliamo di cuori spezzati – propone di fatto di ricalibrare il nostro sguardo, lontano dalla nudità, verso il corpo umano dall'interno e di fronte alla morte, uno dei temi nascosti ma comuni in molte delle sue opere. Da parte degli organizzatori e di più della metà degli artisti partecipanti, le donne propongono qui un diverso tipo di riflessione basata sulle pratiche.

Bukhara ha messo in mostra la potenza delle sue arti applicate, che sono in una categoria a sé stante. L'attenzione si è concentrata su ceramiche, mosaici, tessuti e opere in bronzo, con alcuni esempi di videoarte. Il risultato è una rivalutazione del materiale, che eclissa l'attuale primato degli schermi e la digitalizzazione dei sensi in tutti i linguaggi artistici. Nel nostro dibattito, la direttrice Umerova ha osservato: "I nostri artigiani e il nostro pubblico devono poter accedere ad altre visioni del mondo; è un enorme spreco limitare la loro arte a prodotti di massa e souvenir per il turismo . La Biennale dovrebbe offrire loro l'opportunità di valorizzare i loro linguaggi".

Non ci sono qui dichiarazioni esplicite contro la guerra o a favore della decolonizzazione, ma piuttosto un'affermazione di antichi saperi e un'enfasi sull'ospitalità e la convivenza multiculturale , quell'utopia più grande demolita insieme alle Torri Gemelle nel 2001. Infatti, l'inaugurazione della mostra è un piccolo padiglione dell'artista indiano Subodh Gupta, intitolato Sale trasportato dal vento, come le antiche carovane che precedettero Colombo nella globalizzazione. È un rettangolo rivestito all'esterno da centinaia di pentole smaltate per uso domestico, tipiche dell'era sovietica e ancora in uso – le nostre inestimabili pentole Ferrum!, con le stesse stampe di frutta – e all'interno da piatti di ceramica prodotti in serie per i bazar turistici. Il ceramista Baxtiyor Nazirov conduce conferenze e serve piatti di plov al pubblico.

Le opere sono distribuite in tutta la città, ma occupano tre vasti spazi: i caravanserragli di Ayozjon e Ulugbek Tamokifurush, il complesso religioso di Khoja-Gavkushon e la Madrasa Rashid; ciascuno di essi è costituito da cortili interni e piccoli recinti unitari. Quasi la metà degli artisti è uzbeka e proveniente dalle nazioni vicine, molti dei quali residenti all'estero, ma vi sono anche partecipanti provenienti da altri paesi, come l'inglese Antony Gormley, la francese Eva Jospin e la palestinese Dana Awartani , insieme a tre artisti latinoamericani, tra quelli affermati. Numerose opere presentano riferimenti culturali dell'Asia centrale – la Persia classica, in contrappunto con l'arabo – mentre altre dispiegano complesse cosmogonie ibride: un'antica divinità egizia si affianca al Saturno che divora i suoi figli narrato da Ulisse.

Nel primo grande caravanserraglio, veniamo accolti da una delle due ospiti brasiliane, la pittrice Marina Páez Simão, qui proiettata su un grande pavimento a mosaico. E subito dopo, uno degli ensemble più perfetti, che riunisce il grande arazzo "Guaritrice dei cuori spezzati" dell'australiano-afghano Khadim Ali, in un ricamo Sozani a tema religioso o fantastico (l'uccello magico Simurg, della religione persiana zoroastriana); accanto, le urne in ceramica "Ossari di Bukhara" dell'artista pakistana Veraa Rustomji. In una distorsione temporale, a pochi metri di distanza si ergono due grandi torri per telefoni cellulari in ceramica ("L'età oscura è migliore, il deserto è il futuro") dell'artista coreana Yun Choi. Le sue sculture citano la storica torre televisiva di Nam June Paik , pioniera della videoarte; un numero di cellulare al neon invita all'interazione. In questo spazioso cortile, le opere sottolineano l'aspirazione alla trascendenza e le mutevoli risposte umane, tutte provvisorie e radicate nella magia, compreso il telefono cellulare.

Più avanti, nella Moschea e Madrasa di Gavkushon, la preferita da tutti è la Sala Blu , degli artisti Abdulvahid Bukhoriy e Jurabek Siddikov. Originariamente una sala di preghiera, è rivestita di mosaici in diverse tonalità di blu: un'immersione nell'oceano e anche un mausoleo, nello stile di quelli che brillano nella vicina città di Samarcanda. I visitatori si sdraiano lì per osservare la fauna marina, realizzata in rame smaltato e con forme simili a pesci che vibrano nell'aria. L'Uzbekistan è un paese senza sbocco sul mare.

Ma forse l'insieme più sorprendente dell'intera Biennale è quello situato nel cortile centrale di questa moschea, che riunisce le opere – ciascuna sorprendente a modo suo – di Delcy Morelos, dell'artista inglese Anthony Gormley e di un'oasi artificiale . Queste opere sono a loro volta incorniciate dai cancelli del cortile che si aprono e si chiudono dell'artista giapponese Kei Imazu ( Arc of Arrival ), che rendono omaggio alla tradizione locale del pane.

La colombiana Delcy Morelos , la cui installazione "El lugar del alma" (Il luogo dell'anima) abbiamo visto al Museo Moderno, realizzata in adobe compattato con chiodi di garofano e cannella, ha eretto uno dei pezzi forti indiscussi, "La sombra terrestre", una piramide di curcuma intrecciata con corde utilizzando il sistema "occhio di Dio", che concentra la luce solare in un unico punto e ne preserva la freschezza. Un recinto dorato dal penetrante profumo di casa – Morelos crea spazi meditativi che stimolano l'olfatto – è al tempo stesso un rifugio familiare e un monumento. Coesiste con la sintassi umana di Gormley, realizzata in adobe con terra della polverosa steppa uzbeka : è un alfabeto di posture anatomiche – uomo seduto, uomo sdraiato, gambe flesse. O è, meglio, una necropoli, o un campo di mattoncini Lego...? Queste due opere convivono con l'oasi dell'artista uzbeko Ruben Saakyan ("L'illusione dell'osservatore" ) , creata in collaborazione con un biologo. È una riflessione sulla prospettiva, che nasconde e rivela allo stesso tempo la benedizione della vegetazione tra le dune. Il minareto della moschea, nella nostra foto di apertura, incombe sul cortile.

Ci sono anche opere singole ricche di ispirazione. Alcune cercano di isolare arcani universali, facendo a meno del linguaggio. Ad esempio, le cinghie e i ganci che stringono il grande tandoor di Shakuntala Kulkarin, un manufatto domestico trasformato in uno strumento di tortura quotidiana. All'interno, la proiezione silenziosa di una donna che colpisce una palla tra due uomini. Questa è una delle numerose opere di questa affermata artista indiana, che includono video di danza. L'Uzbekistan, come l'India, ha un alto tasso di violenza domestica ; lei e altri artisti hanno lavorato con le vittime nei rifugi locali.

Come è inevitabile di questi tempi, un'opera evoca il lutto per la tragedia palestinese. "Standing by the Ruins IV" , dell'artista palestinese Dana Awartani, in collaborazione con il ceramista Behzod Turdiyev, ricostruisce i pavimenti dello storico Hamam al-Sammara di Gaza, bruciato nel 2023. La terra utilizzata per cuocere questo mosaico proveniva da lì; la sua evocazione materiale è tutto ciò che sopravvive di quello spazio pubblico.

L'Uzbekistan era un tempo una delle sei repubbliche islamiche sovietiche, religione ufficiale dal XIV secolo, e impero di Tamerlano, oggi privo di mandati repressivi. Infatti, sebbene niqab e burqa non siano proibiti dalla legge, vengono attivamente scoraggiati per le strade con argomentazioni di sicurezza urbana. Sono stati invitati artisti ebrei, come Anna Lublina, con la sua "Bukhara Peace Agency", una tenda di storie che rivendica la significativa immigrazione ebraica in città, a partire dall'esilio forzato a Babilonia, secoli prima che l'Asia centrale fosse arabizzata.