Carla Rippey, una cacciatrice di significato in un mondo bombardato dalle immagini

▲ L'artista Carla Rippey presenta la sua mostra , *The Intercepted Image *, al Museo Universitario del Chopo. Foto di Marco Peláez.

Buoni MacMasters

Quotidiano La Jornada, sabato 2 agosto 2025, p. 3

Cacciatrice di immagini, l'artista Carla Rippey riconosce nel suo modo di lavorare l'influenza di un libro in particolare, The Family of Man , che continuava a guardare da bambina e in cui le immagini sono giustapposte e accompagnate da un testo letterario per conferirgli un altro volto di significato .

A un certo punto, Rippey recuperò quella copia del libro dalla casa di famiglia a Kansas City. Ora è inclusa in "The Intercepted Image", una mostra dei suoi lavori più recenti, che inaugura oggi al Museo Universitario del Chopo.

Tra i 120 pezzi esposti figurano disegni a grafite e a colori, stampe, fotografie modificate, collage , libri d'artista, trasparenze, sculture e ceramiche.

L'artista non esponeva a Città del Messico dal 2016, quando il Museo d'arte Carrillo Gil organizzò la retrospettiva Resguardo y resistencia , con opere di quattro decenni a partire dal 1976.

Figlia di un fotoreporter e di una madre dedita alla letteratura, Rippey è cresciuta immersa nelle immagini. Collega il suo interesse a ciò che vedeva nel mondo esterno, così come a libri e riviste: "L'immagine stampata è molto legata alla tradizione del collage e degli album. Ci sono artisti che discendono non tanto dal mondo accademico, quanto dalla tradizione di interagire con il mondo stampato. Oggi sarebbe anche il mondo virtuale. E, da lì, inventano le loro immagini".

Riciclo delle opere

Rippey arrivò in Messico nel 1973 dopo aver studiato a Parigi e New York e aver imparato l'incisione su metallo in un paio di laboratori universitari in Cile: "Ho iniziato a disegnare e realizzare stampe basate su fotografie tra la fine degli anni '70 e gli anni '80. Era l'epoca del neofigurativismo. La gente mi diceva che copiavo le foto. Poi arrivò l'arte dell'appropriazione (l'uso di oggetti o immagini preesistenti), coltivata da artisti come il pittore americano David Salle ."

Le opere di riciclo "hanno iniziato a essere realizzate molto nei paesi in via di sviluppo negli anni '80. Improvvisamente, mi sono reso conto che ciò che facevo intuitivamente, quando non era ben visto, era postmodernismo. Spesso consisteva nel commentare le foto. Ad esempio, ho lavorato molto con la fotografia erotica negli anni '80, anche se il più delle volte si trattava di una sorta di critica dell'immagine, o di ciò che cambiava e identificava la donna. Il critico d'arte Oliver Debroise ha detto che le pervertivo. In pratica, ho messo la foto in una posizione diversa rispetto alla sua intenzione originale. In questo modo, le ho dato altri livelli di significato e intenzione".

Il graphic design le si addiceva perché era più procedurale ; inoltre, "dato che ho frequentato la scuola d'arte solo per pochi mesi per imparare l'incisione, non avevo alcuna formazione come pittrice. Potevo continuare a fare collage o disegnare come avevo fatto per tutta la vita". Si è occupata di incisione nel laboratorio collettivo Molino de Santo Domingo. All'inizio , ho avuto un lungo periodo in cui non lavoravo con figure, ma piuttosto con fiori e piante perché non sapevo dove volevo arrivare . Dopo aver scoperto il suo percorso, ho iniziato a ricreare donne provenienti da culture complesse, come le donne indigene che lavorano come domestiche a Città del Messico .

Riprende: All'inizio, prendevo le piante, le mettevo sulla lastra da incisione e ci ricavavo un disegno o inventavo qualcosa di mio, senza un'immagine fotografica. Poi, ho capito che trovavo più soddisfacente basarmi su un'immagine che avevo trovato. È così che ho iniziato a creare archivi. Molti erano come vecchi album fotografici o libri di immagini erotiche vittoriane. Prendevo tutto ciò che mi risuonava dentro, da ogni dove .

Incorporare il digitale

Poi, con l'invenzione della fotocopia laser, ho potuto espandere ulteriormente le mie immagini nei libri d'artista, supportate da trasferimenti. Intorno al 2000, ho iniziato a lavorare al computer; anche tutto ciò che faccio ora passa attraverso Photoshop per inquadrare, gestire il colore o ottenere le immagini giuste per la fotocopiatrice o per ciò che andrò a disegnare. Sempre in quell'anno, ho iniziato a scaricare immagini da internet. È così che ho trovato l'opera che espongo, delle radiografie di mani distrutte dai razzi .

L'appropriazione non è una novità nell'arte; tuttavia, per Rippey, ciò che è cambiato è la facilità di riproduzione. Infatti, molti giovani artisti non si preoccupano di disegnare perché è più facile gestire le immagini. Esistono leggi sul fair use, che consentono di utilizzare immagini altrui se ne cambia il significato. È possibile integrarle in un proprio concept o come parte di un'altra immagine. In generale, non è più un reato .

L'espositore cerca sempre di indicare dove ha scattato le sue immagini. Ad esempio, nel suo articolo sulle case distrutte dalla guerra, ha cercato di includere il nome del fotografo. A volte sono riuscito a comunicare con loro. Nelson Morales mi ha permesso di usare una delle sue immagini. Nutro un enorme rispetto per i fotografi e il loro lavoro .

In un mondo saturo di immagini, ciò che Rippey fa in un certo senso è il mio modo di rendere coerente quel bombardamento per me .

Secondo Tania Ragasol, curatrice della mostra, Carla è stata associata al mondo della grafica e del disegno; tuttavia, si occupa anche di scultura, ceramica e installazioni. Il suo lavoro è sempre permeato da una profonda ricerca e riflessione, sia a livello personale che globale .

Carla Rippey : The Intercepted Image inaugura oggi alle 12:00 e si terrà un dibattito alle 13:00 presso il Museo Universitario del Chopo, situato in Calle Dr. Enrique González Martínez 10, nel quartiere di Santa María la Ribera. L'ingresso è gratuito.

▲ Da sinistra a destra: Stefanie Weiss, Julieta Egurrola, Luis e Marina de Tavira e Gabriel Pascual, durante la presentazione. Foto di Roberto García Ortiz

Daniel López Aguilar

Quotidiano La Jornada, sabato 2 agosto 2025, p. 4

A Luis de Tavira è bastata una sola frase per condensare lo spirito del suo libro e di una vita dedicata alle arti performative: Amo, ma voglio amare di più .

Tra elogi, ricordi e una sala colma di affetto, ieri sera al Teatro El Milagro ha presentato la nuova edizione di Lo spettacolo invisibile : paradossi sull'arte della recitazione, un volume di aforismi pubblicato dalle Ediciones El Milagro.

Il regista, saggista e docente, la cui carriera abbraccia generazioni di teatro messicano, ha parlato con tono calmo e intimo. Ha affermato che il suo più grande privilegio è stato quello di essere uno spettatore.

“Ho trascorso la mia vita stupito dal modo in cui gli attori creano una realtà artistica… nell’arte, ci sono solo due cose reali: l’artista e l’opera”. Nella recitazione, ha aggiunto, le due cose si fondono: l’attrice è l’opera, e il personaggio la rende l’attrice .

Davanti a un pubblico gremito di giovani e adulti, nonostante la pioggia che non cessava dal pomeriggio, l'autore ha spiegato che questa pubblicazione non è una semplice ristampa. "Questa copia appartiene anche a coloro che l'hanno resa realtà: Julieta Egurrola, Marina de Tavira e Stefanie Weiss, presenti stasera. L'abbiamo scritta insieme. È stata creata dagli attori con cui ho lavorato."

In fondo, questo è il teatro: incontro. Ritrovarsi qui e ora, in questa comunità che continua a sognare insieme.

Weiss, editor e attrice, ha ricordato che la prima edizione è apparsa nel 1999 e la seconda nel 2003. “Questa terza edizione conserva l'eredità precedente e aggiunge i prologhi di Juan Antonio Hormigón e Luis Mario Moncada.

“Ci sono 365 aforismi, uno per ogni giorno, che invitano a perdersi nei pensieri, ad aprire porte invisibili.”

Gabriel Pascal, moderatore dell'evento, ha sottolineato il merito di questa edizione, nata senza il supporto delle istituzioni, ma realizzata con l'essenziale: complicità, tenacia e un profondo amore per il teatro .

Marina de Tavira ha espresso la sua vicinanza al testo: "È sulla mia scrivania da 25 anni. Nell'anticamera di ogni personaggio, nella sala prove, nei corridoi, nei miei quaderni. Sempre mutevole, sempre uguale ". Ha sottolineato che "Lo spettacolo invisibile... trascende il regno della recitazione; è una guida al mistero dell'esistenza ".

Ha anche sottolineato la pedagogia del creatore scenico come pensiero dinamico: "Ogni aforisma è una scintilla, una bussola. Mi sussurra: 'Tu hai le mie orecchie, io sono il tuo labirinto'". Ha anche riflettuto sul presente: "Oggi, quando i media ci spingono a diventare uno spettacolo di noi stessi, questo lavoro riacquista urgenza ".

Julieta Egurrola è stata breve ed emozionante. Ha ricordato di aver incontrato De Tavira quando era ancora al liceo. Tuttavia, quelle parole che non riusciva a esprimere dopo ogni esibizione sono ancora lì. Sono nostre .

Invitò quindi il pubblico a leggere ad alta voce i propri aforismi preferiti. La risposta fu immediata: attori, ex studenti e studenti – molti dei quali formati dallo scenografo – celebrarono con brani eloquenti e toccanti l'arte che li unisce.

Weiss ha collegato le idee del libro ai contesti attuali: Luis sostiene che una nazione concepisce se stessa attraverso il suo teatro. Penso ai territori zapatisti, dove il teatro è una forma di memoria e di proiezione di un orizzonte desiderato .

Luis de Tavira ha confessato che questo volume è stato ispirato da un'opera letteraria medievale che lo ha accompagnato per tutta la vita: Il libro dell'amata e dell'amore , di Raimundo Lullio.

“Ci sono 365 brevi dialoghi tra l'amante e l'amata. La sequenza iniziale mostra l'amante che chiede cosa dovrebbe fare quel giorno. L'amore risponde: 'Amore'. L'amante replica: 'Amo già'. E l'amore conclude: 'Ama di più'. Questo frammento racchiude il cuore del mio lavoro e il significato di questa serata condivisa.

Il teatro ci unisce e crea comunità. Ci chiama a ritrovarci qui e ora, a scoprire ciò che condividiamo e a costruire quel legame. Queste riflessioni nascono da un amore appassionato per l'arte e per coloro che la rendono possibile, perché ciò che chiamiamo spettacolo invisibile è, in fondo, la materializzazione di un amore che desidera sempre crescere.

Quotidiano La Jornada, sabato 2 agosto 2025, p. 4

La nuova edizione di The Invisible Spectacle: Paradoxes of the Art of Acting (Ediciones El Milagro), di Luis de Tavira, esplora la paura, la finzione, l'identità, la giovinezza, il talento e la fragilità di chi si espone agli altri, ma anche il tempo, la visione, la memoria e il pensiero come atti teatrali.

Alcuni aforismi inclusi nella copia sono:

Questo libro è scritto per essere letto lentamente, perché arriva tardi a un tempo frettoloso in cui il pensiero è stato bandito da quell'azione che ha voluto essere l'arte dell'azione .

Il teatro impiega molti anni per ringiovanire. Quell'arte della maschera giovanile che smaschera l'impostura della vita adulta, quell'altra maschera, ora inespressiva, ora impenetrabile, uguale solo a se stessa: l'amara esperienza di tutto ciò che è vissuto .

Aprire le cose per fare spazio al mondo è il potere della finzione .

▲ Effigy Vase II , olio. 2023. Foto per gentile concessione dell'artista .

Buoni MacMasters

Quotidiano La Jornada, sabato 2 agosto 2025, p. 5

La Galleria Culturale Espacio di Oaxaca espone le opere del pittore Demián Flores, in concomitanza con l'apertura del Museo d'Arte Preispanica del Messico Rufino Tamayo a Oaxaca, 49 anni fa. Queste opere presentano 12 litografie di antichi idoli messicani, che alludono agli oltre 1.000 reperti archeologici donati da Tamayo.

Queste litografie si basano su semplici disegni di alcune delle ceramiche della collezione, sui quali Tamayo ha poi applicato una macchia colorata , osserva Demián. Molti dei vasi conservati nel museo hanno un carattere unico . Nella misura in cui la museografia originale, ancora conservata, emula i dipinti di Tamayo, le nicchie colorate del museo assorbono i colori che le circondano e, nel processo, cambiano il nostro modo di guardare .

Attratto dall'opera grafica di Tamayo, Flores si è ispirato a loro per realizzare un disegno un po' accademico, quasi archeologico, degli stessi vasi effigie zapotechi, provenienti sia dal sito di Oaxaca che dal Museo Nazionale di Antropologia. Tra queste urne funerarie, una delle divinità più rappresentate e rilevanti nel pantheon zapoteco è Cocijo, il dio dei fulmini, della pioggia, delle tempeste, della grandine, delle nuvole, della nebbia e della rugiada . Flores ha disegnato di persona in entrambi i siti.

Cocijo è il titolo della serie iniziata da Flores più di tre anni fa; una parte di essa è esposta all'Espacio Cultural de Oaxaca. Comprende 14 dipinti a olio in vari formati, otto stampe e un'opera in ceramica. Alla fine del 2023, l'artista ha esposto alcune di queste opere nella sua mostra personale , A flor de piel (Un fiore di pelle) , l'ultima esposizione organizzata dalla Galería Casa Lamm.

Flores aveva precedentemente lavorato sulla figura di Chaac, una versione Maya di Cocijo , un'opera che dialogava con un'opera sullo stesso tema dell'artista francese Orlán, esposta nel 2024 al Museo de Arte Popular. Da lì ha avuto origine la serie Cocijo, che ha richiesto un lavoro quasi archeologico con il disegno di queste opere , molti dei cui attributi iconografici hanno a che fare con il pipistrello, la terra, il cielo, il giaguaro e il serpente. Nel riunire queste immagini e creare una sorta di palinsesto – non tutte sono effigi di Cocijo – Flores si è reso conto che la combinazione di queste iconografie creava nuovi significati.

Creare nuovi significanti

A quel punto, decise di spostare la serie di disegni verso la pittura. Questo lo portò a riflettere su ciò che mi interessava fare nella pittura come pratica artistica contemporanea . Decise che si sarebbe trattato di rivisitare la pittura a partire dai suoi elementi propri, come forma significativa . Così, sostituì questi piccoli disegni lineari con una forma di struttura pittorica, e queste linee divennero un motivo per riflettere sulla pittura: come la linea potesse determinare lo spazio pittorico .

Secondo Flores, Cocijo è la sua serie più pittorica, anche se, osservando i dipinti, si nota che in realtà sono linee a costruire il campo visivo . Era anche interessato a creare "una sorta di antipalinsesto, come se si stessero smantellando gli elementi della pittura – linea, colore, spazio – per arrivare a forme quasi essenziali".

Una parte della serie è esposta anche a Città del Messico, poiché le opere grafiche sono state create presso il laboratorio La Imagen del Rinoceronte nel centro di Tlalpan.

Guidato dall'incisore Humberto Valdez, il laboratorio è aperto gratuitamente ai giovani che vi lavorano e apprendono la grafica. Ogni giorno partecipano tra i 50 e i 60 giovani, racconta Flores, che ha creato un portfolio di sei stampe, la cui edizione ha donato affinché i fondi raccolti potessero sostenere l'acquisto di materiali.

La mostra Cocijo rimarrà aperta fino al 15 agosto presso l'Espacio Cultural de Oaxaca, Crespo 114, città di Oaxaca.

Dalla redazione

Quotidiano La Jornada, sabato 2 agosto 2025, p. 5

La Bassa California è l'ospite d'onore del Los Pinos Cultural Center in occasione di una celebrazione che si terrà oggi e domani, durante la quale lo stato di confine presenterà musica, danza, narrazione, letteratura, gastronomia e una mostra di artigianato: espressioni del mare, delle montagne e del deserto della parte settentrionale del paese.

Gli Yuman, composti da cinque comunità indigene sul lato messicano, saranno rappresentati nei sapori delle cucine affumicate e in una mostra di artigianato, attività che inizieranno alle 10:00. Contemporaneamente, verrà aperta al pubblico la mostra fotografica Jaspuypaim: The Never Baptized, che immortala la vita e la morte degli indiani di montagna.

Questi gruppi indigeni sono presenti da circa 4.500 anni, il che li rende l'unico gruppo di origine preistorica ad aver stabilito contatti con i colonizzatori europei e ad essere sopravvissuto fino ad oggi. Vivono in insediamenti nei comuni di Ensenada, Tecate, Rosarito e Mexicali.

Oggi e domani, Lizeth Marcela offrirà racconti orali rappresentativi della Bassa California, oltre a condurre laboratori per bambini.

Il ballerino Alejandro Chávez si esibirà in spettacoli di danza contemporanea con la coreografia Manuel , mentre Jesús Bautista eseguirà il concerto rock-pop Me verás subir.

Tra le 13:00 e le 15:00 arriverà la stazione Nortestación , dove verranno distribuiti libri di scrittori della Bassa California. Minerva Velasco eseguirà anche una lettura drammatizzata di Frida Kahlo: Viva la Vida .

Domenica, alle 15:20, la Compagnia Nazionale di Danza Folkloristica eseguirà la danza calabaceado, che affonda le sue radici nelle attività di allevamento del bestiame nel nord. Nel 2022, la danza calabaceado è stata dichiarata Patrimonio Culturale della Bassa California.

L'inaugurazione del festival culturale della Bassa California a Los Pinos, nella Plaza de las Jacarandas, avrà luogo alle ore 11:00 e vedrà la partecipazione, tra gli altri ospiti, di Elisa Lemus, direttrice del Complesso Culturale Los Pinos, e Alma Delia Ábrego, Segretaria della Cultura della Bassa California.

Le attività, con la partecipazione di 30 artisti, chef, artigiani e promotori culturali, nell'ambito dell'iniziativa Mexico in Los Pinos, si svolgeranno entrambe le giornate dalle 10:00 alle 17:00, presso lo spazio situato in Molino del Rey 252, nella prima sezione del Parco Chapultepec.

Stampa latina

Quotidiano La Jornada, sabato 2 agosto 2025, p. 5

New York. Il Metropolitan Museum of Art (Met) ha annunciato che saranno esposti presso l'istituzione oltre 200 pezzi originali, tra cui sculture e manufatti, raffiguranti immagini delle divinità dell'antico Egitto.

A partire dal 12 ottobre, la mostra Divine Egypt esplorerà la spiritualità e l'arte religiosa di questa civiltà lontana, ma affascinante ed enigmatica.

Saranno esposte rappresentazioni spirituali di queste divinità in templi, santuari e tombe, nonché gli strumenti che davano loro vita nel culto quotidiano, stabilendo una connessione tra il mondo reale e quello divino. Le opere esposte spaziano da statue monumentali a piccole ed eleganti statuette che simboleggiano 25 dei principali idoli dell'epoca, tra cui il dio Horus dalla testa di falco; Sakhmet dalla testa di leone; e il grande creatore degli Egizi, Ra, tra gli altri.

Il direttore esecutivo del museo, Max Hollein, ha osservato che la mostra riunisce le opere più pregiate in prestito da alcune delle principali istituzioni del mondo, tra cui il Fine Arts Museum di Boston, il Louvre di Parigi e la Ny Carlsberg Glyptotek di Copenaghen, anche se più di 140 di questi oggetti appartengono al Met stesso, ha sottolineato.

La galleria ha evidenziato che uno dei suoi pezzi più significativi è una statua in oro massiccio del dio Amon, che adornerà la ricostruzione di una barca divina , un tipo di imbarcazione che trasportava la divinità principale di un tempio.

Con l'obiettivo di esaminare i modi in cui i re e il popolo dell'Antico Egitto riconoscevano e interagivano con i loro dei, ogni sezione della mostra offrirà un'opportunità immersiva per aprire una finestra sul pensiero e sulla spiritualità di una delle civiltà più durature e sofisticate della storia.

La mostra mette in luce il profondo senso di continuità e rinnovamento con cui gli Egizi affrontavano i grandi misteri della vita e della morte, ancorando le loro risposte alla ricchezza visiva e simbolica della loro arte religiosa, ha concluso il Met.