Les 25 meilleurs films de 2025 (jusqu'à présent)
C'est le milieu de l'été, et New York enchaîne les vagues de chaleur intenses et nauséabondes. Et les nouvelles … eh bien, vous connaissez les nouvelles. Mais le bon côté des choses… des rires ! Oui, des rires. Au cinéma ! Je sais, je sais. C'est le milieu de l'été. Les films ne sont pas drôles en plein été . Enfin, cette année… ils le sont un peu ?!
J'ai passé la nuit dehors à ricaner, à ricaner, à ricaner, à rire aux éclats, et même, oui, à ricaner et à faire des « hi-hi ». Et je dois vous dire que, que ce soit les éclats de rire devant les jeux de mots merveilleusement ridicules de « The Naked Gun » ou les rires plus durs provoqués par la satire trop réaliste d' Eddington , c'est génial. Et ce mois-ci, les rires continueront grâce à ce qui est peut-être mon film préféré de l'année, le complètement déjanté Splittsville , ainsi que le sournoisement drôle « Lurker » .
Il y a aussi eu d'excellents films récents, moins comiques. L'excellent nouveau documentaire de Reid Davenport, Life After , nous rappelle à quel point notre société est cruelle, tout comme Sorry, Baby d'Eva Victor (qui, il faut l'avouer, a une pointe d'humour). Et 28 ans plus tard m'a peut-être transformé en fan de films de zombies. Bref, voici mes autres films préférés de 2025 jusqu'à présent.
Je l'avoue : je ne m'attendais pas à ce que la meilleure comédie de studio depuis des années mette en vedette Liam Neeson dans un reboot de la franchise Naked Gun . Et pourtant ! Et quel bonheur ! Le coscénariste et réalisateur Akiva Schaffer transpose l'absurdité ludique des sketches de Lonely Island à une parodie implacable de la police, des riches tech et des clichés hollywoodiens. Le film touche toutes les cibles, et le fait avec un timing parfait, mais c'est son côté absurde qui m'a fait rire, qu'il s'agisse d'un passage avec des hot-dogs au chili ou d'un bonhomme de neige diabolique.
Le dernier film d'Ari Aster a été un échec commercial massif et a profondément divisé la critique. On comprend aisément pourquoi : qui a envie de revivre le vacarme incessant et déjanté de 2020 ? Eddington est un film difficile à regarder, mais je l'ai trouvé étonnamment agréable à regarder – un exercice de genre oscillant entre comédie, thriller conspirationniste et action. Aster capture l'énergie toxique de la pandémie, se moquant des excès et de l'hystérie de la gauche comme de la droite. Mais il ne s'agit pas d'un exercice de dualité. Aster vise une cible plus vaste : Internet. Aster aime à dire qu'Eddington est un film sur la construction d'un centre de données, et il ne se contente pas de plaisanter. C'est un film sur la façon dont Internet a détruit – et continue de détruire – tous nos cerveaux. J'y ai beaucoup réfléchi depuis que je l'ai vu, et j'imagine qu'il ne fera que gagner en puissance avec le temps et le recul.
Je ne suis généralement pas fan des zombies, mais difficile de nier la puissance, le suspense et le mordant de 28 ans plus tard . En refaisant équipe 23 ans après 28 jours plus tard , Alex Garland, scénariste, et Danny Boyle, réalisateur, sont tous deux au sommet de leur forme. De sa construction minutieuse de l'univers à ses performances viscérales, en passant par ses séquences d'action tendues et macabres, 28 ans est un film de genre dynamique. C'est aussi, et c'est remarquable, une allégorie incisive du Brexit.
On devine sans doute l'horreur qui est arrivée à Agnès, interprétée avec un humour facile, un charme maladroit et des éclairs de douleur vive par la scénariste-réalisatrice Eva Victor. Le film peine à nommer l'événement, mais il est toujours présent dans un coin de la tête : on l'anticipe avant qu'il n'arrive et on le ressent par la suite. Sorry, Baby montre ainsi combien il est difficile d'échapper complètement au traumatisme. Mais le film de Victor, qui est sans conteste l'un des meilleurs premiers films de l'année, est aussi doux et compatissant, et témoigne de la beauté et de la force de l'amitié.
Si vous m'aviez demandé si les personnes handicapées – ou n'importe qui – devraient avoir le droit de mourir avant d'avoir vu Life After , j'aurais répondu oui. Le nouveau documentaire percutant de Reid Davenport, cependant, remet vigoureusement en question cette croyance. Davenport concentre une grande partie de son attention sur la personne qui a lancé le débat, Elizabeth Bouvia. En 1983, à 26 ans, Bouvia, atteinte de paralysie cérébrale, a réclamé « le droit de mourir ». Mais Davenport va bien plus loin que le cirque juridique et médiatique de l'époque, se demandant si Bouvia voulait réellement mourir ou si elle voulait mourir comme alternative aux soins inhumains auxquels elle était soumise. Aujourd'hui, plus de 40 ans après le cas de Bouvia, la prise en charge des personnes comme Bouvia ne s'est guère améliorée, et Davenport démontre avec force que le droit de mourir est utilisé pour encourager les citoyens les plus chers de la société à mettre fin à leurs jours.
Le premier long-métrage d'Alexandra Simpson raconte l'histoire d'une petite ville côtière de Floride qui attend un ouragan. Mais ce n'est pas un film catastrophe ordinaire. À l'instar d'autres films du collectif Omnes (notamment Eephus et Christmas Eve at Miller's Point ), il s'agit d'un film choral lent et atmosphérique. Simpson capte avec brio les sons et les images du calme avant la tempête, teintés à la fois de nostalgie et d'un sentiment de solitude.
Si vous vous demandiez si les facéties de Tim Robinson pourraient être adaptées au cinéma, la réponse est un oui retentissant – quoique profondément inconfortable. Le premier long-métrage du réalisateur Andrew Deyoung subvertit avec brio les comédies de potes du début des années 2000 (allant même jusqu'à confier à Paul Rudd le rôle du nouvel ami), mettant en avant les fractures de la masculinité moderne. Au-delà de son côté incisif, Friendship est tout simplement l'une des comédies les plus drôles depuis des années.
David Cronenberg a écrit The Shrouds après le décès de sa femme de longue date, emportée par un cancer en 2017, et il a reconnu que le film s'inspirait de sa propre expérience du deuil. Mais le film s'attarde moins sur la douleur de la perte d'un être cher que sur la façon dont les gens canalisent cette douleur. Karsh (un Vincent Cassel à la Cronenberg), un riche « producteur de vidéos industrielles », ouvre un cimetière pionnier d'une technologie appelée GraveTech. Celle-ci permet aux proches de voir les défunts se décomposer dans leurs tombes grâce à une application sur leur téléphone. Karsh affirme qu'il est réconfortant de voir sa femme se décomposer. Mais lorsque le cimetière est vandalisé, Karsh se laisse envahir par les conspirations. Si tout cela semble plutôt macabre, c'est qu'il l'est, mais c'est aussi un humour sournois et l'une des représentations les plus vraies de la façon dont le deuil tend à muter.
Il existe un genre restreint, en pleine expansion, de films de type « Loser Men Hiking in the Woods ». Et avec tout le respect que je dois à Old Joy de Kelly Reichardt et Good One d'India Donaldson, les hommes de ces films ne font pas le poids face à Derek (Joel Potrykus) et son meilleur ami Marty (Joshua Burge), les protagonistes principaux de Vulcanizadora , le film brut et acide de Potrykus. Ici, les méfaits du passé en engendrent de nouveaux, horribles. Bien que le film puisse être d'un humour noir, Potrykus traite ces personnages avec objectivité et empathie.
On ne peut qu'admirer Ryan Coogler pour son engagement sans faille. Son dernier blockbuster suit deux jumeaux gangsters, Smoke et Stack (tous deux interprétés par Michael B. Jordan), qui s'apprêtent à organiser une fête pour la communauté non blanche du Mississippi, une région soumise aux lois Jim Crow. Leur jeune cousin Sammie (un formidable Miles Catton), chanteur talentueux et fils de pasteur, se joint à eux pour jouer du blues. Mais au milieu du film – et de la fête – les choses prennent une tournure dramatique. Coogler utilise le genre comme une métaphore raciale, le déployant d'une manière à la fois très divertissante et intelligente.
Souvent, les documentaires musicaux imitent le style de l'artiste qu'ils cherchent à capturer. Alex Ross Perry adopte une approche différente avec son portrait inventif du groupe de rock indépendant des années 90, Pavement : il s'attache à ces icônes plus décontractées. Perry apprécie la multitude de facettes de ce groupe, qu'il affectionne particulièrement. Il capture les différentes facettes de Pavement en canalisant un élément essentiel de son esprit : l'ironie. Dans ce documentaire, Perry met en scène une véritable comédie musicale, un faux biopic et une installation muséale éphémère. Il entrelace ces différentes pièces selon une structure qu'il dit avoir empruntée à Dunkirk . Il tente de tourner en dérision la manière dont des artistes reconnus – de Queen à Bob Dylan en passant par Bruce Springsteen – monnayent leur propriété intellectuelle hagiographique. Mais le documentaire offre également une étude drôle et réfléchie du groupe.
À l'instar de The Shrouds , le deuil ouvre la voie à la recherche de conspirations dans ce premier film narratif à petit budget de Courtney Stephens. Le film est né d'une collaboration avec l'actrice et scénariste Callie Hernandez, qui incarne Carrie, la fille d'un partisan de la médecine alternative et partisan des théories du complot. À la mort de son père, Carrie hérite d'un brevet pour un appareil de guérison expérimental. En quête de réponses sur l'appareil – et, en réalité, sur son père –, elle rencontre plusieurs de ses connaissances (un véritable gotha du cinéma indépendant) dans sa petite ville du nord-est du pays. Le film, qui comprend des images du défunt père d'Hernandez, capture le rythme lent et monotone de la vie après la mort d'un être cher, ainsi que la façon dont le deuil engendre la pensée magique.
Le premier long métrage de Sarah Friedland, Familiar Touch , repose sur un postulat familier : Ruth (Kathleen Chalfant), cuisinière à la retraite, est atteinte de démence. Elle et sa famille doivent s'adapter à un nouveau mode de vie. Le film reprend les thèmes habituels : Ruth oublie son fils, organise des révoltes mineures dans sa nouvelle résidence pour personnes âgées et tisse des liens avec certains de ses soignants. Pourtant, le film de Friedland est si doux et si bien observé, avec les performances exceptionnelles de Chalfant et de H. Jon Benjamin (qui joue son fils), qu'il paraît néanmoins nouveau et frais.
Wes Anderson est d'une constance absolue. Son dernier film met en vedette Benicio del Toro dans le rôle de Zsa-zsa Korda, un riche industriel des années 1950 dont la mort imminente le pousse à renouer avec sa fille novice et à l'enrôler dans son dernier projet. Le film offre tout ce qu'on attend de Wes : des compositions impeccables, des blagues astucieuses, une intrigue alambiquée, des performances exceptionnelles d'un casting de stars et une famille brisée qui se réconcilie. C'est aussi le film le plus violent et le plus religieux de l'œuvre d'Anderson.
Plusieurs mois après avoir vu April , de la réalisatrice Dea Kulumbegashvili, au Festival du film de New York l'année dernière, j'en ressens encore le poids. Le film est centré sur Nina (Ia Sukhitashvili), obstétricienne dans un hôpital rural de Géorgie (le pays, pas l'État) qui pratique des avortements clandestins en dehors de ses heures de travail. Le film, qui frise parfois le surréalisme, capture l'impact émotionnel d'un tel travail : sombre, solitaire, parfois poignant.
Ce film est-il un peu raté pendant ses deux premières heures et demie ? Oui. Les 30 dernières minutes mettent-elles en scène Tom Cruise réalisant des cascades parmi les plus incroyables jamais filmées ? Oui aussi !
Eephus , le premier long métrage du réalisateur Carson Lund, se déroule par un après-midi frais d'octobre dans une petite ville du Massachusetts des années 1990. Deux équipes de baseball amateur s'affrontent pour la finale au Soldier Field. Un film plus conventionnel aurait pu prendre le parti d'une équipe ou opposer les joueurs à un promoteur immobilier malfaisant. Mais ici, le terrain cède la place à une école publique, et ces deux équipes s'unissent contre un ennemi différent, plus universel : le temps. Alors que les heures passent lentement, les arbitres pointent et le soleil se couche. Pour terminer le match, les joueurs doivent faire preuve d'ingéniosité. Bien qu'une équipe remporte la victoire, je ne saurais vous dire laquelle. Eephus est un film sur les petits moments qui rendent le baseball – et, en fait, la vie – si beaux.
Je ne crois pas avoir jamais vu un personnage de film aussi implacablement en colère que Pansy, interprétée par Marianne Jean-Baptiste, dans Hard Truths . L'actrice, dont la dernière collaboration avec le réalisateur Mike Leigh remonte à Secrets et Mensonges en 1996, grogne, bouillonne et boude tout au long de ce drame familial à la fois brillant et touchant. Bien que le film fasse allusion à la relation compliquée de Pansy avec sa mère décédée, Leigh aborde avec légèreté l'histoire du personnage. On ne découvre jamais vraiment ce qui se passe avec Pansy ni comment elle est devenue la personne qu'elle est. Mais le film est si bien observé que, ironiquement, malgré son côté mort, Pansy est l'une des personnes les plus palpitantes et vivantes du cinéma récent.
La suite tant attendue de Parasite , réalisée par Bong Joon-ho, a davantage en commun avec son précédent film, Okja . C'est une comédie absurde sur des individus stupides et puissants et leur mépris pour la nature – et, en réalité, pour tout et tous, sauf eux-mêmes. Robert Pattinson incarne Mickey, un homme malchanceux et au nez nasillard qui fuit ses problèmes terrestres en devenant un Expendable en mission pour coloniser une planète lointaine. En tant que Expendable, son rôle implique de mourir et d'être réimprimé. Des complications surviennent cependant lorsqu'il survit à une expérience de mort imminente et qu'un nouveau Mickey est toujours imprimé. Les deux Mickey luttent pour leur survie jusqu'à ce qu'ils s'unissent contre un ennemi plus grand. Mickey 17 remportera-t-il un Oscar ? Probablement pas, mais c'est néanmoins une aventure très agréable et souvent drôle.
Probablement le film le plus torride , le plus inattendu et, oui, le plus français de l'année. Misericordia d'Alain Guiraudie flirte avec différents genres – polar, film noir, comédie érotique, drame existentiel – mais est finalement trop original et étrange pour être facilement catégorisé. C'est un film qui exige d'abandonner les idées reçues sur la façon dont les gens devraient agir et dont les films devraient fonctionner. Et si vous y parvenez ? Eh bien, vous pourriez bien adorer cette aventure déjantée.
On Becoming a Guinea Fowl de Rungano Nyoni commence avec l'héroïne, Shula (Susan Chardy), roulant sur une route tranquille de Zambie, vêtue d'un costume de fête flamboyant. Elle tombe alors sur un cadavre étendu sur la chaussée. Il s'agit de son oncle Fred, qui, comme on l'apprend bientôt, a abusé de Shula lorsqu'elle était enfant. Le costume de Shula est l'un des rares éléments ostentatoires du film. Nyoni dévoile progressivement et sans grande satisfaction les nouveaux aspects de l'histoire, montrant comment les normes culturelles peuvent faire obstacle à la catharsis et comment les secrets de famille favorisent les traumatismes générationnels.
Ce nouveau documentaire, souvent exaltant, de Kevin Macdonald et Sam Rice-Edwards suit John Lennon et Yoko Ono à leurs débuts à New York, jusqu'à un concert caritatif donné au Madison Square Garden en 1972. Ce concert visait à soutenir les enfants de l'école publique de Willowbrook, récemment victime d'un reportage télévisé accablant dénonçant les conditions de vie difficiles des enfants handicapés. Le film est peu instructif sur Lennon et Ono, mais regorge de moments forts et captivants, sur scène comme en dehors. Macdonald et Rice-Edwards mettent en avant l'activisme du couple et ses liens avec leur art. Lennon, en particulier, est un artiste ardent. Sa passion et sa droiture sont captivantes et contagieuses. Plus de 50 ans plus tard, les combats politiques de Lennon et Ono sont toujours d'actualité, et l'enthousiasme de Lennon semble toujours capable de déclencher une révolution.
Douze ans après avoir annoncé une retraite de courte durée, Stephen Soderbergh s'impose comme le cinéaste américain le plus prolifique. Son premier film, sorti cette année, est une histoire de fantômes basée sur un concept formel : la caméra adopte le point de vue du fantôme. Ce dernier habite une belle maison de banlieue où une famille de quatre personnes vient d'emménager. Si l'identité et les objectifs du fantôme suscitent un certain suspense, l'attrait du film réside dans le drame familial. Lucy Liu et Chris Sullivan incarnent les parents de deux lycéens souvent en conflit, Chloe (Callina Liang) et Tyler (Eddy Maday). La dynamique familiale – les alliances, les sources de conflit et les secrets – est saisissante et intrigante. Chaque acteur est intelligemment choisi et livre une performance remarquable. Je ne suis toujours pas certain d'avoir apprécié la fin dramatique et le dénouement fulgurant, mais l'ingéniosité du film et la richesse des personnages font de Présence un film qui vaut le détour.
L'une des nombreuses intrigues entrelacées du film Universal Language du réalisateur Matthew Rankin met en scène un guide touristique de Winnipeg (Pirouz Nemati) qui emmène un groupe rare de visiteurs découvrir certains des sites culturels de la ville. Ce Winnipeg, une invention de Rankin et de ses coscénaristes (Nemati et Ila Firouzabadi), regorge de bâtiments brutalistes bruns et beiges, de dindes errantes et d'une population persanophone. C'est aussi un endroit où les monuments de la ville sont d'une banalité amusante. Mon préféré est le site classé au patrimoine mondial de l'UNESCO où quelqu'un a laissé une mallette à un arrêt de bus et personne n'y a touché. C'est « un monument à la solidarité interhumaine absolue, même dans ses aspects les plus élémentaires et les plus banals », explique le guide. On pourrait en dire autant du film. Tout au long de Universal Language , Rankin et ses collaborateurs sont imaginatifs, ludiques et assez spirituels, mais l'objectif principal de leur projet est de témoigner du potentiel de l'humanité en matière de soin et d'exubérance, même dans un monde sombre et beige.
Avant de voir Warfare , on m'avait prévenu que le film serait bruyant. Pourtant, je ne m'attendais pas à ce que ce soit aussi bruyant – à faire trembler mon corps. Fraîchement sorti de son film de guerre américain spéculatif, Civil War , Alex Garland s'est associé à Ray Mendoza (vétéran de la guerre en Irak et conseiller sur Civil War ) pour recréer une bataille brutale vécue par son peloton à Ramadi en 2006. Le film est exclusivement inspiré des souvenirs de Mendoza et de son peloton, et se déroule sur une journée. En fin de compte, le film exprime le traumatisme de la guerre autant qu'un film le peut – grâce au son, certes, mais aussi à des interprétations subtilement pathétiques. C'est un visionnage incroyablement intense, qui met en avant la véritable horreur de la guerre.
esquire
