Là où même le tourisme de masse est magique – le Festival d'Opéra aux Arènes de Vérone

À certains endroits, la réalité dépasse les clichés. Vérone est l'une de ces villes qui transforme instantanément le contemporain le plus détaché en romantique. En son cœur se trouvent les Arènes de Vérone, la plus grande scène en plein air du monde, destination de rêve pour de nombreux voyageurs en Italie. Dans la ville, on ressent pleinement son charme particulier. Un bourdonnement et des murmures flottent dans les ruelles sinueuses ; la ville, réputée pour être « la plus italienne du monde », tient ses promesses même sur le chemin des arènes. On croise des balcons couverts de lierre, des façades de maisons pittoresques et délabrées, et des vendeurs de souvenirs infatigables. D'un côté, des glaces onctueuses aux couleurs vives s'empilent, de l'autre, des serveurs servent du vin et des pâtes.

Bientôt, le flot de gens dans les ruelles étroites se fait de plus en plus dense ; des dames en robes d'été extravagantes déambulent aux côtés de touristes en chemises de lin largement déboutonnées, des enfants se précipitent autour des jambes de leurs parents, et quelque part, quelqu'un chante « O sole mio ». De nouveau au coin de cette Italie de rêve, le voilà : l'amphithéâtre où l'histoire de l'opéra s'écrit depuis plus d'un siècle, et où magie et tourisme de masse se marient avec une étonnante harmonie.

Ses dimensions sont impressionnantes : avec ses 138 mètres sur 109 mètres et ses 24,1 mètres de haut, cette structure bimillénaire, à la forme elliptique caractéristique, est le troisième plus grand amphithéâtre antique subsistant après le Colisée de Rome et les Arènes de Capoue. Les 45 gradins ascendants de l’auditorium mesurent chacun environ 45 cm de haut et de profondeur, et l’ovale central est également très dense. Aujourd’hui, il peut accueillir jusqu’à 22 000 spectateurs.

C'est un bâtiment au riche passé. Initialement situées hors des remparts romains, les arènes, aujourd'hui érigées au cœur de Vérone, pouvaient accueillir plus de 30 000 spectateurs. En 30 après J.-C., des combats sanglants s'y déroulaient encore, et les gladiateurs luttaient pour leur vie. En 1117, un tremblement de terre secoua la ville ; par la suite, les arènes servirent de carrière, et plus tard, des exécutions y eurent lieu. L'arrivée de l'opéra est liée à Giuseppe Verdi, comme tant d'autres événements marquants de l'histoire de l'opéra italien au XIXe siècle.

Bien que l'arène ait été en cours de restauration depuis le XVIe siècle et que des tentatives aient déjà été faites pour l'utiliser comme théâtre à la Renaissance, cela ne devint réalité qu'à l'occasion du 100e anniversaire de Verdi, lorsque son opéra « Aida » y fut joué le 10 août 1913. Ce fut le signal de départ d'un spectacle qui se poursuit encore aujourd'hui et dont l'attrait particulier réside dans la symbiose entre musique, émotion et architecture historique.

L'immensité de la scène, située dans la courbe sud de l'arène, contribue sans aucun doute à cet effet. Elle défie toutes les conventions, mesurant 109 mètres de large et 24 mètres de profondeur. À certains endroits, le pupitre du chef d'orchestre et les chanteurs sont séparés de plus de 30 mètres. Le fait que l'interaction fonctionne, même sans amplification microphonique, et que l'arène soit même louée pour son acoustique particulièrement fine et rayonnante, est l'une des surprises de ce lieu.

Les visiteurs expérimentés de Vérone vous diront que l'expérience d'écoute est particulièrement agréable directement sous les quatre arches restantes de l'anneau extérieur, appelées « l'ala » – l'aile. Les plus malins y réservent quelques places relativement abordables et profitent du savoir-faire acoustique déjà bien développé des architectes romains. La liste des stars de l'opéra ayant chanté sous ces quatre arches est longue ; certaines carrières ont véritablement décollé dans l'arène. En juillet 1969, par exemple, le jeune Plácido Domingo y a fait ses débuts aux côtés de Birgit Nilsson dans « Turandot » de Giacomo Puccini.

Seules les guerres mondiales – et plus récemment la pandémie – ont contraint les festivals d'opéra à interrompre leurs activités. Cependant, d'autres décennies n'ont pas été exemptes de crises. La situation est devenue dramatique à partir de 2014 : une mauvaise gestion et une explosion des coûts ont conduit à une dette de 25 millions d'euros, et le festival était au bord de la faillite. À cette époque, un prêt de l'État, un administrateur provisoire du ministère italien de la Culture et un programme d'austérité restrictif ont sauvé le festival dans ce lieu historique. Cecilia Gasdia, chanteuse d'opéra renommée, est également entrée en scène peu après.

Gasdia a pris la direction artistique des Arènes en 2018, qu'elle décrit comme le « berceau et la mère de Vérone ». Immédiatement après sa prise de fonction, elle a profondément remanié l'organisation. Les processus internes ont été rationalisés, le marketing professionnalisé et elle a également lancé des campagnes de financement. Surtout, après plusieurs années de médiocrité artistique, Gasdia a élevé la barre en invitant délibérément de grands noms à revenir à Vérone. Son succès lui a donné raison : dès sa première saison sous sa direction, le festival a généré un bénéfice de 2 millions d'euros, une tendance qui ne cesse de croître depuis.

Par un chaud après-midi de juillet, la grande dame du festival d'opéra est assise dans son bureau, non loin de l'arène, agitant un éventail noir et or et se balançant avec impatience sur son fauteuil. Hors de question pour cette femme de 64 ans de prendre une retraite anticipée ; au contraire, cette passionnée de réseautage semble avoir de l'énergie à revendre. Tout en sirotant un café, elle consulte rapidement quelques messages et, les ongles impeccablement manucurés, jette quelques miettes de son sandwich du midi sur la table. Après la représentation du soir, elle fera la fête avec les solistes sur la place jusqu'au petit matin, et quelques heures de sommeil plus tard, elle sera de retour au bureau pour lever des fonds pour les sponsors, régler les problèmes urgents et planifier les saisons à venir.

La vie de Cecilia Gasdia est étroitement liée aux Arènes. Née à Vérone en 1960, elle assiste à sa première représentation de « Carmen » de Bizet à l'âge de cinq ans avec sa mère et sa tante. À l'époque, son grand-père, alors vice-préfet de la ville, organise de somptueuses fêtes pour les stars de l'été. Petite fille, Gasdia s'installe sur le canapé à côté de Maria Callas. Plus tard, elle fréquente l'école primaire juste à côté des Arènes. « Au printemps, quand on entend les machinistes marteler par les fenêtres ouvertes, on sait que le festival va bientôt reprendre », se souvient Gasdia.

Comme beaucoup de Véronais, elle a rapidement été attirée par la scène. D'abord figurante, elle a ensuite chanté dans la chorale, avant d'étudier le chant. De 1983 à 1999, Gasdia s'est produite comme soprano dans de nombreuses productions et a pu découvrir l'acoustique exceptionnelle de cette salle. Cette riche expérience lui permet aujourd'hui de rassurer les solistes qu'elle invite elle-même à Vérone. « Beaucoup hésitent à se produire ici au début, car les dimensions de la scène sont tout simplement incroyables. » Pourtant, il est relativement facile d'y chanter, surtout lorsqu'on chante vers les quatre arches susmentionnées, face à la scène ; on a l'impression que sa voix flotte.

Aussi rationnelle et froidement calculatrice que Gasdia dirige le Festival, lorsqu'elle parle de l'Arena, sa voix s'adoucit. Si l'art vocal italien est un patrimoine culturel mondial, l'Arena est le cœur rayonnant de la Terre, c'est ainsi qu'elle le perçoit. Apprendre, quelques années avant sa direction, que l'Arena était en mauvaise santé lui a presque brisé le cœur, raconte-t-elle avec la verve d'une ancienne chanteuse d'opéra. Depuis, elle a tout mis en œuvre pour éviter que de telles années de crise ne se reproduisent, notamment en privilégiant systématiquement un public international. Aujourd'hui, les visiteurs viennent de 130 pays, dont 60 % d'étrangers, dont un tiers de germanophones.

« Neuf pour cent sont des amateurs d'opéra, les autres non », explique simplement la directrice artistique. Elle n'y voit pas un problème, mais plutôt une opportunité, car l'Arena a le pouvoir de convertir même des personnes peu instruites en amateurs d'opéra. Quoi qu'il en soit, sa mission principale est claire : « Je dois remplir la salle », car c'est seulement ainsi que le concept global, avec ses plus de mille artistes, fonctionnera. C'est pourquoi, comme toujours, et également chez Gasdia, des pièces phares sont jouées presque tous les soirs, comme « Aïda », « Nabucco », « Turandot » et « Carmen ». Ces œuvres phares du public sont des incontournables de la programmation annuelle, qui se déroule de juin à septembre. Et, selon Gasdia, les productions légendaires de Franco Zeffirelli continuent de rencontrer un succès fulgurant.

Bien que consciente de ces préférences et de l'importance de la tradition, Gasdia s'efforce également de moderniser soigneusement l'offre de la salle. Les jeunes lui tiennent particulièrement à cœur. « Il s'agit de l'avenir de la musique classique et du chant », explique Gasdia. C'est pourquoi, entre autres, dès l'année prochaine, trois chœurs d'enfants seront présents et des spectacles seront proposés, avec un espace dédié aux familles avec de jeunes enfants.

Gasdia souhaite également élargir progressivement son répertoire, en intégrant des comédies musicales comme « West Side Story » et des opérettes. Ces dernières années, des productions plus ambitieuses ont été ajoutées au programme, notamment « Aïda » de Verdi, pour laquelle Gasdia a engagé le metteur en scène Stefano Poda il y a deux ans. Cette année, l'artiste, acclamé et largement commenté dans le monde entier, a également repris « Nabucco », et son « Aïda » est en cours de reprise.

C'est l'après-midi dans l'arène, et tandis que le metteur en scène de 52 ans se tient au bord de la scène, vêtu d'un costume crème, les cheveux au vent, des doigts géants suspendus à une grue flottent dans les airs ; ils finissent par former une gigantesque main en treillis au fond de la scène. Le symbole de la main, tantôt serrée en poing, tantôt pointée vers le ciel, traverse toute l'interprétation scénique d'« Aïda » par Poda. Il hésite à en expliquer la signification. « Le public devrait le découvrir par lui-même », dit Poda, tout en soulignant que les mains peuvent être utilisées pour représenter toutes les facettes de l'être humain : « le travail, la construction et la création, mais aussi la destruction, le combat et le meurtre. »

Lorsque Poda évoque son travail, la conversation aborde rapidement les grands thèmes de l'existence humaine : l'instinct et la raison, l'individu et la société, la guerre et la paix. En explorant ces dimensions existentielles, il ne laisse rien au hasard et, outre la mise en scène, conçoit également les décors, les costumes et les lumières. « Pour moi, il est important de briser les frontières entre les arts », explique Poda. Une grande unité entre scénographie, chorégraphie, lumière et costumes doit émerger pour le public – une œuvre d'art totale.

Les exigences sont énormes dans tous les domaines. Poda préfère parler de « mode » plutôt que de « création de costumes » et conçoit des robes originales pour ses productions, qui sont ensuite confectionnées dans des ateliers de couture soigneusement sélectionnés à travers le pays. L'arène est un cadre particulièrement attrayant pour ce spectacle visuel, mais la scénographie est loin d'être simple. « La situation ici est unique et ne peut être transposée sur aucune autre scène », explique Poda. Un défi particulier réside dans le fait que les pièces changent quotidiennement. La scénographie exubérante doit donc pouvoir être démontée et remontée en une seule journée. C'est un « effort colossal », dit-il, très différent des autres scènes en plein air. À Bregenz, par exemple, une seule production est présentée par an sur la scène du lac, bien que techniquement plus complexe.

La logistique dans l'arène fonctionne parfaitement grâce aux innombrables assistants, sur scène comme en coulisses, qui sillonnent les caves voûtées, transportant accessoires, costumes et maquillage d'un endroit à l'autre, et semblent connaître les couloirs tortueux des catacombes comme leur poche. De loin, l'ensemble ressemble à une colonie de fourmis parfaitement organisée.

Au total, plus de 1 200 personnes participent à une représentation d'opéra. Moins de la moitié d'entre elles sont sur scène ; les autres veillent au bon déroulement des processus techniques. « L'équipe dans l'arène est comme une grande communauté de château », explique Stefano Poda, qui a descendu les marches de la scène et se précipite pour saluer les techniciens de scène, les figurants maquillés et les costumiers qui gardent une vue d'ensemble au milieu d'une multitude de robes scintillantes et de manteaux flottants.

Dans les étroites catacombes sous les marches de pierre de l'arène, tout est compromis, et ici, tout le monde est égal, car il n'y a ni salles séparées pour les solistes, ni loges climatisées. À la place, l'odeur humide des murs de pierre millénaires flotte lourdement, des portants volumineux de vêtements et d'accessoires tapissent les murs, les machinistes se dirigent vers l'entrée de la scène en portant d'énormes poteaux métalliques, les choristes se font maquiller dans l'allée, et dans la salle attenante, de quelques mètres carrés seulement, un soliste commence à s'échauffer.

Au Moyen Âge, ces espaces étaient fréquentés par des mendiants, des criminels, des prostituées et des sans-abri ; aujourd'hui, ces voûtes en forme de tunnel constituent l'infrastructure essentielle à l'action sur scène. Face au manque d'espace, un espace réservé aux artistes a été clôturé derrière l'arène. Là, les jeunes acteurs font la queue pour se faire coiffer, le visage déjà peint en blanc et l'air concentré. Non loin de là, des décors particulièrement volumineux sont entreposés ; après tout, les accessoires de plusieurs grands opéras doivent toujours être disponibles simultanément afin de pouvoir être hissés sur scène à l'aide d'une grue au gré des changements de programme.

Lorsque l'on joue « Aïda » de Verdi ce soir-là, tous les regards se tournent anxieusement vers les nuages. Des fronts de pluie maussades apparaissent derrière les arènes, le vent se lève et des bannières et des barrières flottent dans les airs. C'est une routine pour les Véronais. Les stands de souvenirs sont rapidement redécorés ; au lieu d'éventails et de répliques miniatures des arènes, on propose désormais des ponchos de pluie. Peu après, la pluie tombe à verse et les invités en habits jaunes se pressent dans les catacombes, un Aperol Spritz à la main.

Tout ne commence que lorsqu'une goutte cesse de tomber et que la scène est sèche. Des rayons laser jaillissent alors, des créatures mythiques égyptiennes sont mises en lumière et une foule de danseurs entoure les artistes de la soirée, parmi lesquels Maria José Siri dans le rôle d'Aïda et Agnieszka Rehlis dans celui d'Amneris. C'est un spectacle futuriste qui laisse perplexe. La réaction du public est mitigée.

La « magie des arènes », dont on parle partout à Vérone, s'est manifestée de manière plus impressionnante la veille lors de la représentation de « La Traviata » dans la production d'Hugo De Ana en 2011. Miroirs géants et cadres argentés se dressaient sur scène, et les acteurs s'ébattaient dans des costumes historiques de la Belle Époque. Violetta incarnait l'Ange Joy Blue ce soir-là ; c'était ses débuts dans l'arène et, sous les applaudissements, elle a envoyé des baisers au public.

Le drame du sujet de l'opéra le plus joué de Verdi se fond harmonieusement dans l'atmosphère de l'arène, où la chaleur du jour cède peu à peu la place à une douce soirée d'été. Pendant ce temps, sur scène, Alfredo, interprété par Enea Scala, enflamme la passion pour la courtisane phtisique Violetta. Son interprétation est quelque peu statique, mais la musique pleine d'émotion de Verdi, interprétée avec brio par l'orchestre sous la direction de Speranza Scappucci, renforce son charme. L'histoire du sacrifice d'une femme, tragiquement vaincue par le double standard trompeur de son époque, est jouée sur toutes les scènes d'opéra, grandes et petites, du monde entier ; ici, cependant, l'ambiance particulière apporte une dose supplémentaire de pathos.

La scène gigantesque de l'arène vous invite à un spectacle grandiose, et le décor, tout aussi vaste, crée une tension toujours plus grande à mesure que l'obscurité tombe, avec des jeux de lumière et des reflets impressionnants. Dans le public, des couples amoureux se tiennent la main, des spectateurs aguerris côtoient des touristes émerveillés ; à un moment, la lune se lève sur l'arène, et sur scène, l'amour mène à la mort.

Cela ne laisse personne indifférent ; l'atmosphère et la monumentalité de l'arène semblent avoir un effet stimulant sur le plan émotionnel. Cecilia Gasdia le confirme : lorsque les applaudissements finaux éclatent à la mi-septembre, c'est la même chose chaque année : « À la fin des trois mois, tout le monde doit pleurer, du personnel technique aux figurants. » Grands opéras après grands opéras, cela fait partie de l'expérience italienne. Mais dès que les larmes ont séché, Gasdia retourne immédiatement au bureau pour s'attaquer à la 103e saison.