Octavio Moctezuma ehrt das Andenken und die Lehren von Vlady

▲ Ein Werk von Octavio Moctezuma, inspiriert von José Clemente Orozcos hockenden Figuren und im Zusammenhang mit Vladys Einladung, das Chorgestühl des Alten Oratoriums von San Felipe Neri zu bemalen. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Fröhliche MacMasters

La Jornada Zeitung, Donnerstag, 7. August 2025, S. 2

Die Wandgemäldesammlung von Vladimir Kibalchich Rusakov, besser bekannt als Vlady, in der Bibliothek Miguel Lerdo de Tejada enthält ein Fragment von Octavio Moctezuma (Mexiko-Stadt, 1957), der den russisch-mexikanischen Künstler durch Patricia Volkow kennenlernte und bis 1981 sein Assistent war. Er half ihm hauptsächlich an der Eingangswand , wo er eine Reihe von Büchern und das Porträt seines Vaters, Víctor Serge, malte . Außerdem sah er ihn fast täglich nachmittags in seinem Heimatelier in der Straße Ferrocarril del Valle .

Die Beziehung endete, als Moctezuma ein Jahr lang außerhalb von Mexiko-Stadt lebte. Nach seiner Rückkehr im Jahr 1982 lud Vlady ihn ein, im Chorgestühl des Alten Oratoriums von San Felipe Neri zu malen. Es war eines der letzten dort fertiggestellten Werke, da der Künstler kurz davor stand, die gesamte Sammlung zu übergeben.

Moctezuma wählte hierfür das Thema des hockenden Mannes , ganz in Anlehnung an José Clemente Orozco. In Pintura en disidencia (Malerei in Dissidenz) , einer Anthologie-Ausstellung Moctezumas im Vlady Center, gibt es ein Gemälde, das mit diesem Fragment verwandt ist, nur dass es nun zwei hockende Männer zeigt. Die Ausstellung umfasst fünfzig Werke, darunter Gemälde, Drucke, Zeichnungen und Notizbücher.

Vlady begann 1972 mit dem Malen der Gruppe „Die Revolution und die Elemente“. Moctezuma war von den Wandgemälden fasziniert . „Er war ein Mensch, der ständig redete, natürlich über Malerei, aber auch über Politik und seine Lektüre. Er war es, der mich mit der Lektüre sowjetischer Dissidenten bekannt machte, insbesondere mit Alexander Sinowjew.“ Die Ausstellung beginnt mit einem Gemälde, das mit Vladys Trotzkistischem Triptychon im Museum of Modern Art in Verbindung steht. Es heißt „Der Dissident“ (1981) und endet mit einem weiteren, speziell für diesen Anlass geschaffenen Werk, das mit einem anderen Text Sinowjews zusammenhängt, „Strahlende Zukunft“ . „Vor Jahren habe ich den Roman Abgründige Höhe gelesen.

Ein Teil der Ausstellung besteht aus Werken, die auf die eine oder andere Weise eine gewisse Dissidenz sowohl in der Malerei als auch in der Politik zum Ausdruck bringen. Eines davon, „ Die Unersättlichen“ , basiert auf dem Buch „Unersättlichkeit“ von Stanislaw Witkiewicz, einem polnischen Autor, der dem damaligen System ebenfalls sehr kritisch gegenüberstand. Vlady interessierte mich für diese Underground-Literatur kritischer Autoren der Sowjetzeit, nicht nur aus Russland, sondern auch aus Ländern, die um diese Achse lagen.“

– Was war Vladys große Lektion?

– Er war es, der mich mit traditionellen Malmaterialien bekannt machte. Damals war Vlady besessen von der venezianischen Malerei, einer Mischtechnik aus Tempera und Öl. Obwohl ich versuche, die venezianischen Maler zu übertreffen, habe ich mich mehr dem Experimentieren mit diesen Medien gewidmet. Es sind sehr edle Materialien, die vielseitig einsetzbar sind, sehr stabil und vielseitig einsetzbar.

„Durch meine Arbeit an der UNAM – wo ich an einem transdisziplinären Programm für Kunst, Wissenschaft und Technologie mitarbeite – hatte ich Kontakt zu Leuten, die sich auf Strömungsmechanik spezialisiert haben, die mit einigen Aspekten der Malerei in Zusammenhang steht. Ich habe mit der Veränderung der Viskosität und Dichte von Farbe experimentiert und an zufälligen Motiven gearbeitet, verwende aber weiterhin die Materialien, die ich bei Vlady gelernt habe.

Es gibt eine Weisheit in der Kunstgeschichte, die größtenteils in der Materialität liegt. Für Vlady war Materialität ein relevanter Teil der Bildpoetik. Der Maler verwandelte Materie in Licht, was seiner Ansicht nach eine Form des Materialismus ist. Ich habe vor, auch andere Dinge mit Materialität zu tun, die ich für einen grundlegenden Teil der Malerei halte.

Die Ausstellung „Painting in Dissidence“ beleuchtet mehr als 40 Jahre seiner Karriere: „Es gibt Stücke, in denen Vladys Einfluss deutlich erkennbar ist. Andere aus der Serie Public Life beziehen sich auf José Clemente Orozco und vor allem auf die Zeichnungen von George Grosz und Otto Dix. Es sind auch Werke aus einer persönlicheren Serie enthalten, darunter eine abstrakte Phase, die ich um 2005 hatte. Andere Stücke stammen aus der Serie Interoception oder gehören zum Projekt Malezas, und zwei beschäftigen sich mit Strömungsmechanik.“

Moctezuma ist mehr als ein fester Stil zum Experimentieren hingezogen; ich bin nicht so sehr daran interessiert, mich auf einen bestimmten Stil oder eine bestimmte Charakteristik zu konzentrieren. Für mich ist Malerei eine sehr komplexe Angelegenheit. Alles kann eine Bedeutung haben. Die Themen haben sich im Laufe der Zeit verändert, ebenso wie die Art und Weise, wie die Materialien verarbeitet werden. Es besteht eine analoge Beziehung zwischen der Art und Weise, wie die Materialien verarbeitet werden, und dem ikonografischen, symbolischen Aspekt .

„Painting in Dissent“ bleibt bis morgen von 10 bis 18 Uhr im Vlady Center (Goya 63, Viertel Insurgentes Mixcoac).

Daniel López Aguilar

La Jornada Zeitung, Donnerstag, 7. August 2025, S. 3

Das Arts Forum des National Arts Centre eröffnet heute eine Reihe, die dem irischen Dramatiker Samuel Beckett (1906-1989) gewidmet ist. Auf dem Programm stehen Warten auf Godot und Endspiel unter der Regie von José Luis Cruz sowie Tribute to Beckett , das beide Stücke in einem Dialog mit der Leere und Plötzlichkeit des modernen Lebens verbindet.

„Zu seiner Zeit gab es brutale Katastrophen wie den Zweiten Weltkrieg und die Atombombenabwürfe, die nun 80 Jahre zurückliegen. Heute erleben wir Pandemien, und künstliche Intelligenz verdrängt uns aus unserem menschlichen Raum. Beckett lässt uns Ähnlichkeiten erleben und erinnert uns daran, dass die einzige Rettung für die heutige Menschheit das künstlerische Schaffen ist “, bemerkte Cruz in einer Pressekonferenz vor der Premiere.

„Warten auf Godot“ (7.–10. August) zeigt zwei Außenseiter, die Spiele erfinden, um der Routine zu entfliehen und sich der Qual des Wartens zu stellen. Godot symbolisiert die Absurdität des Lebens und den Mangel an Kommunikation.

Cruz wies darauf hin, dass es eine Herausforderung sei: Das Nichts als Schauplatz, das Warten als Handlung und die Intensität des Erlebnisses als Test der dramatischen Ausdauer .

Endgame (14.–17. August) taucht aus den Verwüstungen der Nachkriegszeit auf und zeigt den Niedergang der Zivilisation durch verfluchte Poesie.

Cruz wies darauf hin, dass es körperliche und emotionale Anstrengung erfordert: „Die Schauspieler leben innerhalb der Grenzen ihres Körpers und ihrer Emotionen. Jede Probe fungierte als Labor, in dem Atmung, Schweiß und Puls den Rhythmus der gebrochenen Sprache vorgaben, die Becketts Theater ausmacht .“

„Tribute to Beckett“ (21.–29. August) schlägt einen Dialog mit Virtualität und aktueller Dummheit vor.

Der Dramatiker und Kulturförderer beschrieb es auch als einen delirierenden Monolog, in dem soziale Netzwerke und digitale Leere den von Beckett geschaffenen Mikrokosmen der Einsamkeit gegenübergestellt werden.

Schauspielerin Angélica Lara unterstrich das Engagement der Staffel: „Wir werden nicht aufhören. Jedes Lachen und jedes Unbehagen spiegelt die Realität wider, der Beckett uns ins Auge blickt .“

Die szenische Hommage an Samuel Beckett endet am 29. August mit Aufführungen donnerstags und freitags um 19:30 Uhr, samstags um 19:00 Uhr und sonntags um 18:00 Uhr im Cenart Arts Forum (Río Churubusco 79, Viertel Country Club Churubusco). Der Eintritt beträgt 180 Pesos.

▲ Monumentale Holzskulpturen – zum ersten Mal seit 1996 vereint – aus Eduardo Chillidas Abesti Gogorra- Serie. Foto: Europa Press

Europa Press

La Jornada Zeitung, Donnerstag, 7. August 2025, S. 4

Madrid. Das San Diego Museum of Art (SDMA) in den USA eröffnete die Ausstellung „Eduardo Chillida: Convergence“ , eine Würdigung von Chillidas Karriere. Die Schau mit mehr als 85 Werken ist die größte Ausstellung in den USA seit fast 50 Jahren und wird bis zum 8. Februar 2026 zu sehen sein.

Die Ausstellung ermöglicht es uns, die monumentalen Holzskulpturen aus der Abesti-Gogorra -Serie, die Teil der ständigen Sammlungen des Museum of Fine Arts in Houston und des Art Institute of Chicago sind, zum ersten Mal seit 1996 wieder gemeinsam zu sehen.

Darüber hinaus wird anhand von Skulpturen und Zeichnungen sowie einem Virtual-Reality-Erlebnis tiefer in die Serie „Peine del Viento“ eingegangen. Dabei können die Besucher an die Küste von San Sebastián reisen und die Geräuschkulisse von Wellen und Wind spüren , die durch die Skulpturen von „Peine del Viento XV“ dringen.

Andererseits beleuchtet es sein Erbe, deckt die Karriere des Künstlers ab und präsentiert eine Vielzahl von Materialien wie Schmiedeeisen, Eiche, Alabaster und Ton, die der Schöpfer verwendete.

Die Kunstgalerie umfasst ikonische großformatige Skulpturen und filigrane Arbeiten auf Papier, die eng mit der Landschaft und den Traditionen des Baskenlandes verbunden sind.

„Eduardo Chillidas Werk ist ein Zeugnis der harmonischen Beziehung zwischen Mensch, Materie und Raum. Wir freuen uns, diese außergewöhnliche Ausstellung nach San Diego zu bringen und unserer Community die Möglichkeit zu bieten, die tiefe Schönheit und Philosophie zu erleben, die in Chillidas Werken steckt“ , sagte Roxana Velásquez, Geschäftsführerin und CEO der SDMA.

Die Ausstellung vereint Stücke aus den Sammlungen des San Diego Art Museum, des Houston Museum of Fine Arts, des Solomon R. Guggenheim Museums sowie des Art Institute of Chicago und anderer Institutionen. Unterstützt wird die Ausstellung außerdem von Chillida Leku, der Eduardo Chillida-Pilar Belzunce Foundation, dem Chillida Estate und Hauser & Wirth.

Die SDMA hat parallel zur Ausstellung Aktivitäten organisiert, darunter eine Eröffnungsparty und einen Eröffnungsvortrag im James S. Copley Auditorium des American Museum mit der Teilnahme von Mikel Chillida und Rachel Jans, stellvertretende Kuratorin für moderne und zeitgenössische Kunst des Museums, sowie ein Bildungsprogramm, das während der gesamten Ausstellung läuft und einen partizipativen Raum mit vom Künstler verwendeten Materialien umfasst.

Architektur, Philosophie und Musik

Darüber hinaus veröffentlichten sie einen Ausstellungskatalog mit Essays von Fachleuten aus verschiedenen Disziplinen, um die Schnittstellen zwischen Architektur, Philosophie und Musik hervorzuheben, die Chillidas Werk durchdringen.

Zu den Gastautoren gehören der Architekt Norman Foster, Mikel Chillida, Entwicklungsdirektor des Chillida Leku Museums, der Dirigent Gustavo Gimeno, die promovierte Philosophin Ana María Rabe und die Ausstellungskuratorin Rachel Jans. Der Katalog, der nur auf Englisch erscheint, wird in Kürze im kalifornischen Museumsshop und im Chillida Leku Store erhältlich sein.

Chillidas Verbindungen zu den USA sind vielfältig und reichen über Jahrzehnte zurück. Ausstellungen, Auszeichnungen und Anerkennung prägen das Land. Seit den späten 1950er Jahren hat sich der baskische Bildhauer als eine führende Persönlichkeit der amerikanischen Kunstszene etabliert.

Seinen ersten Vorstoß in das Land unternahm er 1958, als das Carnegie Institute sein Werk Aizean erwarb, er an der Ausstellung Sculptures and Drawings from Seven Sculptors im Salomon R. Guggenheim Museum in New York teilnahm und zusammen mit José Guerrero, Wifredo Lam und Norbert Kricke den Graham Foundation Award erhielt.

Gleichzeitig erlangte der Künstler Anerkennung, die ihm Aufträge für monumentale Werke für bedeutende Institutionen einbrachte, wie etwa die Granitskulptur Abesti gogorra V (1966) für das Museum of Fine Arts in Houston, die Edelstahlskulptur Around the Void V (1970) für den Innenhof der Weltbank in Washington oder De música, Dallas XV (1989) für die Esplanade vor dem Morton H. Meyerson Symphony Center in Dallas.

Die Ausstellung beleuchtet auch Chillidas Verbindungen zu San Diego und bietet eine andere Perspektive auf sein Erbe. So nahm er beispielsweise 1986 gemeinsam mit namhaften Museumsdirektoren und Kunsthistorikern an einem wichtigen Symposium teil. Gleichzeitig erschien eine umfassende Monographie über ihn und seine Werke wurden in der Tasende Gallery in La Jolla präsentiert. Deren Direktor José Tasende vertrat Chillida und organisierte seit Mitte der 1980er Jahre zahlreiche Ausstellungen seiner Werke.

Angel Vargas

La Jornada Zeitung, Donnerstag, 7. August 2025, S. 4

Das Bundesministerium für Kultur (SC) hat über das Nationale Institut für Schöne Künste und Literatur (INBAL) offiziell das rechtliche Verfahren zur Erlassung des Dekrets eingeleitet, mit dem das Museo Experimental El Eco gemäß dem Bundesgesetz über archäologische, künstlerische und historische Denkmäler und Zonen zum Kunstdenkmal erklärt wird.

Die Vereinbarung wurde gestern im Amtsblatt der Föderation ( DOF ) veröffentlicht, um diejenigen zu benachrichtigen, die ein rechtliches Interesse an dem Grundstück haben könnten – Eigentümer, Nachbarn, Institutionen –, damit sie innerhalb von 15 Werktagen nach der Veröffentlichung dem INBAL alle Beweise und Argumente vorlegen können, die sie für relevant halten.

Aus dem Text geht hervor, dass die Akte zu diesem Verfahren potenziellen Interessenten in der Generalunterdirektion für unbewegliches künstlerisches Erbe dieser Abteilung zur Verfügung gestellt wird, mit der Warnung, dass ihr Recht als ausgeschlossen (verloren oder erloschen) gilt, wenn sie dies nicht tun.

Durchdringbare Skulptur

Das El Eco Museum befindet sich in der James Sullivan Street 43 im Viertel San Rafael in Cuauhtémoc City, Mexiko-Stadt, und ist Teil der Generaldirektion für Bildende Künste (DGAV) der Nationalen Autonomen Universität von Mexiko.

Der Komplex wurde in den 1950er Jahren im Auftrag des mexikanischen Geschäftsmanns Daniel Mont vom in Deutschland geborenen Künstler und Architekten Mathias Goeritz (1915–1990) als Raum für künstlerische und architektonische Experimente konzipiert.

Der auf der offiziellen Website des Museums veröffentlichten Geschichte zufolge entwarf der Künstler das Gebäude als poetische Struktur, die zu einem emotionalen Raumerlebnis einlud und den damals vorherrschenden architektonischen Funktionalismus in Frage stellte.

Goeritz konzipierte das Gebäude als eine durchdringbare Skulptur. Auf dieser Ähnlichkeit basiert dieser Raum, die Schaffung einer beispiellosen Plattform für die Künste im Kontext der mexikanischen und internationalen Kunst der 1950er Jahre .

Das zwischen 1952 und 1953 erbaute Gebäude diente im Laufe der Jahre verschiedenen Zwecken: einem experimentellen Museum (ohne feste Sammlung), einem Restaurant, einem Nachtclub, einem Theater und einem politischen Raum, was alles seine ursprüngliche Struktur veränderte.

Im Jahr 2004 erwarb die UNAM es und nach einer Restaurierung wurde es 2005 mit der Absicht wiedereröffnet, das architektonische, künstlerische und pädagogische Erbe von Goeritz wiederzubeleben ; insbesondere, eine Struktur zum Leben zu erwecken, die die Sprachen der Kunst erweitern soll.

Die vom Architekten Víctor Jiménez geleitete Restaurierung brachte das Gebäude in seinen ursprünglichen Zustand zurück und es wurde als Kulturerbe der UNAM registriert. 2006 kaufte die Universität ein angrenzendes Grundstück und veranstaltete einen Wettbewerb zur Erweiterung des Museums um Büros, ein Auditorium und weitere Räume. Das Projekt wurde 2007 abgeschlossen.

Mehr als 50 Erklärungen

Nach Angaben des INBAL handelt es sich bei künstlerischen Denkmälern um Gebäude, die per Dekret des Präsidenten der Republik im städtischen Kontext weit verbreitet sind, in eine bestimmte Stilrichtung integriert sind, einen gewissen Grad an Innovation aufweisen und hinsichtlich der bei ihrer Errichtung verwendeten Materialien und Techniken einzigartig sind.

Einer Liste dieser Institution, die auf ihrer offiziellen Website veröffentlicht und am 31. März 2025 aktualisiert wurde, zufolge tragen bis heute 54 Gebäude im Land diese Auszeichnung, darunter der Palast der Schönen Künste, das Anahuacalli-Museum, die Unabhängigkeitssäule, das Miguel-Barragán-Haus und die Universitätsstadt.

Mit dieser Erklärung wird das Anwesen vom Staat als kulturelles und künstlerisches Erbe geschützt, wodurch sein Erhalt sichergestellt und seine Bedeutung für Mexiko anerkannt wird.

▲ Ernesto Ríos kreiert Hochtemperaturkeramiken, Gemälde und Videoinstallationen, die sich auf drei Konzepte konzentrieren: Kodierung, Transformation und Wahrnehmung. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Omar González Morales

La Jornada Zeitung, Donnerstag, 7. August 2025, S. 5

Ein Dialog zwischen Systemen, Symbolen, menschlicher Identität, Poesie und Kunst steht im Mittelpunkt der Ausstellung Codes des Künstlers Ernesto Ríos (Morelos, 1978), die in der zentralen Galerie des San Luis Potosí Arts Center zu sehen ist.

„Ich habe zunächst Bildende Kunst am National Institute of Fine Arts and Literature studiert und dann Hispanische Literatur. Dann wurde mir ein Stipendium für ein Masterstudium im Ausland frei und ich zog nach New York, wo ich mich mit der Programmierung beschäftigte. Von dort kam die Inspiration für dieses Projekt“ , kommentierte der Schöpfer.

Codes verwebt Bilder virtueller Figuren mit Bildern der Natur. Beide unterliegen systematischen Regeln, nach denen bestimmte Elemente klassifiziert werden. Die Muster, Sequenzen und Formen, die die Biologie mit der digitalen Umgebung verbinden, manifestieren sich in den Sprachen der Kunst, der Wissenschaft und der Erinnerung.

Es ist etwas Innovatives, denn obwohl wir schon seit vielen Jahren mit Computern zu tun haben, gibt es Dinge, die sich ständig verändern und in die Welt der Kunst Einzug halten. „Die Arbeit mit diesen neuen Werkzeugen hat mich zu dem Schluss gebracht, dass wir bereits ein komplexes digitales Ökosystem entwickelt haben, das eine Erweiterung unseres Lebens darstellt“ , sagte der Künstler.

Die Ausstellung umfasst 33 Werke, darunter Hochtemperaturkeramik, Gemälde und Videoinstallationen, die sich auf drei Konzepte konzentrieren: Kodierung, Transformation und Wahrnehmung. Diese Codes, die Regeln, die sein kuratorisches Universum bestimmen, verbinden Lebewesen mit digitalen und evolutionären Kontexten. Diese und weitere Werke des Künstlers sind auf seiner Website ernestorios.net zu sehen.

„Für mich war es eine große Herausforderung, da ich keine Programmierkenntnisse hatte. Ich bin ein Künstler, der traditionelle Techniken verwendet, aber der Wechsel war sehr bereichernd, weil er mich mit anderen Disziplinen und Welten in Kontakt brachte. Ich lernte eine andere Art der Produktion meiner Stücke kennen, und das erweiterte meinen Horizont.“

„Ich wollte zeigen, dass die Regeln, die uns in der materiellen wie in der digitalen Welt regieren, nicht kalt oder distanziert sein müssen; alles ist miteinander verbunden: Wir sind mit anderen Lebewesen, mit Materie und Raum verbunden. Das digitale Universum ist nicht viel anders; es ist eine Erweiterung von uns, verändert und modifiziert sich noch schneller, aber unsere Präsenz bleibt dort bestehen“ , bemerkte er.

Ernesto Ríos spielt in seinen Gemälden mit dem Raum. Schon die Anordnung seiner Werke vermittelt das Gefühl, vor mehreren Bildschirmen zu sitzen. „Ich glaube, die Erfahrungen, die wir machen, sind wie eine Erweiterung unseres Geistes. Wie ein abgenutzter Bleistift oder ein Pinsel ist der Computer ein weiterer Teil, der eine Erweiterung unseres Körpers darstellt .“

Ihre Keramikarbeiten entstanden mit der japanischen Raku-Technik, die hochreflektierende Materialien ähnlich wie Metalle erzeugt. „Ich wollte das Publikum dazu anregen, über die Veränderung nachzudenken, die auch Ton durchläuft, und wie wir ihn in eine metallische Version verwandelt haben. Ich denke, Ton ist wie ein großartiger Lehrer, der uns mit unseren Ursprüngen verbindet. Insbesondere bei der Keramik kommen wir aus der Erde, wir transformieren sie, und nun besteht unsere Umwelt aus Metall.“

„In einigen Gemälden, wie dem Wuhan Code , habe ich einen Teil der genomischen Frequenz des Coronavirus interpretiert und mit der Kodierung digitaler Viren kombiniert, die großes Chaos angerichtet haben. Auf diese Weise haben wir diese digitalen Ökosysteme geschaffen und ihnen Rhythmen, Kadenzen und Räume verliehen. Unsere Sprache als Spezies ist in der digitalen Welt sichtbar.“

„Ich möchte, dass der Betrachter auch seinen Platz in diesem Moment analysiert: Was tun wir während dieses Übergangs unserer Spezies? Diese Ausstellung hat mir geholfen, mich wieder mit meiner Menschlichkeit zu verbinden. Ich glaube, wir müssen zu dieser Vision zurückkehren, dass wir keine Länder sind, sondern eine einzige Spezies, und dass wir in diesen Zeiten des Krieges, in denen unsere Existenz bedroht ist, über unsere Rückkehr zur Erde nachdenken können und darüber, dass wir ein Teil davon sind“ , schloss der Künstler.

Eirinet Gómez

La Jornada Zeitung, Donnerstag, 7. August 2025, S. 5

„Schreiben ist eine emotional gefährliche Arbeit, besonders wenn man eine Geschichte mit verzweifelten, hilflosen Charakteren am Rande des Wahnsinns aufbaut“ , sagte Berenice Andrade Medina, Autorin von „Nobody Remembers Their Own Death“ , einem Roman, der 2024 mit dem Mauricio Achar Random House Prize ausgezeichnet wurde.

In einem Interview mit La Jornada erklärte sie, die größte Herausforderung bei diesem Werk sei der Umgang mit der symbolischen Bedeutung und den biografischen Elementen gewesen, die während des Schaffensprozesses entstanden seien. Obwohl es nicht autobiografisch ist, wie es bei vielen Erstlingsromanen der Fall ist, entspringt es einer sehr persönlichen Erfahrung, bei der man sich mit seinen eigenen Emotionen auseinandersetzen und es wagen muss, sie auszudrücken .

Er erinnerte sich an einen Workshop mit dem Schriftsteller Martín Solares – Autor von Los minutos negros –, der ihm sagte: „Du musst es wagen, deine eigene Mutter zu töten . “ Ich nahm das sehr ernst, und obwohl meine Mutter und meine Familie noch am Leben sind, ist die von Gregoria es nicht .

Mit schwarzem Humor verknüpft „Nobody Remembers Their Own Death“ die magisch-religiöse Tradition des Isthmus von Tehuantepec mit der heutigen Erfahrung psychischer Erkrankungen. Der Film erzählt die Geschichte einer Familie, die von Trauer, Krankheit und unsichtbaren Erbschaften geprägt ist.

Es ist die Geschichte von Gregoria, deren gesamte Familie offenbar durch einen Fluch gestorben ist, und sie beginnt, sich von derselben Macht heimgesucht zu fühlen. Von Zweifeln getrieben, versucht sie, dem Psychiater zu vertrauen, der ihr sagt, dass alles mit Medikamenten behandelt werden kann , erklärt Andrade Medina.

Doch ihr Glaube, ihre Angst und ihre Waise treiben sie zurück in die Stadt, in der ihre Großeltern leben, um Antworten zu suchen. „Es gibt eine kognitive Dissonanz: Sie weiß nicht, ob sie der Wissenschaft oder ihren tief verwurzelten Überzeugungen glauben soll“ , fügte sie hinzu.

Die Isthmus-Region und insbesondere Reforma de Pineda in Oaxaca – woher die Familie der Autorin mütterlicherseits stammt – spielten eine Schlüsselrolle in der Erzählung. „Ich habe dort ein Jahr lang als Kind gelebt. Es gehörte zu meinem Alltag, meine Großmutter mit Huipil und Zöpfen zu sehen, Sones (Lieder) auf Festen zu hören und lokale Traditionen zu erleben. All das hat sich tief in mein Unterbewusstsein eingeprägt.“

„Von dort aus zu schreiben, war ganz natürlich. Es fiel mir leicht, Charakterzüge, Sprachen und mündliche Überlieferungen aufzugreifen … und sie mit fantastischen Figuren zu kombinieren.“

Der Roman wechselt zwischen zwei Erzählstimmen. Ich habe die erste Person verwendet, um das Gefühl der emotionalen Enge der Protagonistin zu vermitteln; ich wollte, dass der Leser spürt, was in ihrem Körper und Geist vorgeht. Im Gegensatz dazu ermöglichte mir die dritte Person, die Familiengeschichte zu erzählen, die ihr vorausging und sie zu dem Punkt führte, an dem der Roman beginnt .

Die Autorin war der Ansicht, dass der Prozess, „Nobody Remembers Their Own Death“ zum Leben zu erwecken, auf Dialogen, Lesungen und dem Feedback ihrer Lektorin Eloísa Nava basierte.

Natürlich schreibt der Autor, aber andere tragen durch ihre Lektüre zur Konstruktion des Werks bei.

Mit der Veröffentlichung dieses Buches hat er das Gefühl, sich symbolisch einen eigenen Raum geschaffen zu haben, der, wie er hofft, zu einem Zuhause wird.