41 najlepszych filmów na Netflixie (lipiec 2025)

Netflix ma mnóstwo filmów do obejrzenia. Może nawet za dużo. Czasami znalezienie odpowiedniego filmu w odpowiednim momencie może wydawać się niemożliwe. Pozwól nam Ci pomóc. Poniżej znajduje się lista naszych ulubionych tytułów dostępnych obecnie w serwisie streamingowym — od dramatów, przez komedie, po thrillery.

Jeśli wolisz telewizję, zajrzyj do naszej kolekcji najlepszych seriali na Netflixie. Chcesz więcej? Sprawdź nasze listy najlepszych filmów science fiction , najlepszych filmów na Amazon Prime i najlepszych produkcji na Disney+ .

Jeśli kupisz coś za pośrednictwem linków w naszych relacjach, możemy otrzymać prowizję. To pomaga nam wspierać dziennikarstwo. Dowiedz się więcej .

Trzyczęściowa grupa harmonijna Huntr/x jest na szczycie swojej gry. Są nie tylko najbardziej ukochaną na świecie dziewczęcą grupą, ale w swojej sekretnej roli obrońców Ziemi przed demonicznymi siłami, są gotowe na stałe zapieczętować starożytne zło. Niestety, wokalistka Rumi (Arden Cho) ukrywa coś przed koleżankami z zespołu Mirą (May Hong) i Zoey (Ji-young Yoo), a jej mroczny sekret może je rozdzielić, gdy staną twarzą w twarz ze swoimi najsilniejszymi wrogami — złym boysbandem, którego liderem jest diabelnie przystojny Jinu (Ahn Hyo-seop). Łącząc pastel-pop Jem and the Holograms , akcję zabijania potworów Buffy i wystarczająco dużo K-popowych robaków, aby Blackpink mrugnęła, Kpop Demon Hunters to idealny film na lato dla dzieci i rodzin, genialnie animowana przygoda, która jest tak świeża i niezapomniana, jak jej energetyczne numery muzyczne.

„Always Be My Maybe”, napisany przez Ali Wong i Randalla Parka, z udziałem również w rolach głównych, opowiada historię dwójki nierozłącznych przyjaciół z dzieciństwa, których losy dramatycznie się rozchodzą po naznaczonym żałobą spotkaniu w wieku nastoletnim. Wong gra Sashę Tran, supergwiazdę kuchni, której stratosferyczna kariera ledwo przykrywa pęknięcia w jej chwiejnym związku. Park z kolei gra Marcusa Kima, którego ambicje nie zaprowadziły go dalej niż do lokalnego baru i firmy klimatyzacyjnej jego ojca. Los – i dziwaczny epizod Keanu Reevesa – sprzysięgają się, by ponownie połączyć dwójkę głównych bohaterów w filmie, który wreszcie wynosi Azjatów-Amerykanów poza schematyczne, hollywoodzkie schematy obsadowe, w przemyślaną i przezabawną komedię romantyczną.

W 1966 roku małżeństwo fizyków, Nora (Lucero) i Héctor (Benny Ibarra), są równorzędnymi partnerami na Uniwersytecie Meksykańskim, mimo że ich koledzy postrzegają Norę jako asystentkę laboratoryjną Héctora. Odkrywają sekret podróży w czasie, przenosząc się do roku 2025 – i zostają tu uwięzieni. Podczas gdy oboje podziwiają postępy, jakie ludzkość poczyniła w ciągu półwiecza, Nora z radością wita swoją byłą protegowaną Julię (Ofelia Medina), obecnie dziekan uniwersytetu. Jednak gdy Héctor desperacko pragnie powrotu do dawnego komfortu i prestiżu, związek pary zaczyna się rozpadać. Bardziej komedia romantyczna niż science fiction – to podróż w czasie z nutą goryczy.

Kiedy Tess (Georgina Campbell) znajduje swój Airbnb w podejrzanej dzielnicy, w której Keith (Bill Skarsgård) rezerwuje pokój, prawdopodobnie pomyślisz, że wiesz, dokąd zmierza Barbarian . Nie wiesz – i powinieneś przygotować się na wszystko, co nastąpi. Scenariusz i reżyseria: Zach Cregger (w radykalnym odejściu od jego komediowego dorobku), Barbarian nieustannie się zmienia, bawiąc się – i regularnie podważając – oczekiwania widzów wobec klisz horrorów na każdym kroku. Inteligentnie napisany, znakomicie sfilmowany i psychologicznie niepokojący na wielu poziomach, Barbarian to autentycznie przerażający wpis w kanon współczesnego horroru.

Dr Nan-young Joo desperacko pragnie pójść w ślady swojej zmarłej matki astronautki i dotrzeć na Marsa. Jay to leniwy, dorywczy mężczyzna, który luźno marzy o karierze muzyka. W tym koreańskim filmie animowanym w reżyserii Han Ji-won, stają się parą kochanków, których łączy miłość do muzyki. Choć elementy science fiction tworzą spektakularne efekty wizualne, od futurystycznej, ale prawdopodobnej wizji Seulu w 2051 roku, po prawdziwie kosmiczne, niemal psychodeliczne sceny, gdy Nan-young wyrusza w kosmos, serce historii tkwi w spokojniejszych, znaczących momentach między głównymi bohaterami. Absolutnie wyborne.

Dla przyjaciół Gil Bok-soon (Jeon Do-yeon) jest odnoszącą sukcesy kierowniczką wydarzeń i oddaną samotną matką córki Jae-yeong (Kim Si-a). W rzeczywistości jest gwiazdą w MK Ent — biurze zabójców, gdzie jej niemal nadludzka zdolność przewidywania każdego kroku w krytycznej sytuacji zapewniła jej 100-procentową skuteczność i legendarną reputację. Jedyny problem: rozważa przejście na emeryturę po zakończeniu kontraktu, decyzja, która naraża ją na zagrożenia zarówno ze strony niezadowolonych wrogów, jak i ambitnych współpracowników. Podczas gdy tytuł i przesłanie filmu niezbyt subtelnie przywodzą na myśl Kill Bill Quentina Tarantino, reżyser Byun Sung-hyun wynosi tę koreańską epicką akcję na zawrotne wyżyny dzięki niektórym z najbardziej imponujących walk, jakie pojawiły się na ekranie od czasu, cóż, Kill Bill .

Kiedy Mary Smith przeprowadza się do posiadłości swojej praciotki na angielskiej prowincji, nudzi się niewypowiedzianie — dopóki nie znajduje rzadkiego kwiatu, który kwitnie tylko raz na siedem lat, pożądanego przez czarownice ze względu na jego magiczne właściwości. Wkrótce zostaje przeniesiona do Endor College, akademii dla czarownic ukrytej w chmurach — ale ciepłe powitanie, jakie otrzymuje od fantazyjnej kadry, skrywa złowrogie sekrety i mroczne ambicje ze strony dyrektorki Madam Mumblechook, które narażają jedynego przyjaciela Mary, Petera, na niebezpieczeństwo. Adaptacja powieści Mary Stewart The Little Broomstick i reżyseria Hiromasa Yonebayashi ( Arrietty, Kiedy Marnie tam była ), Mary and the Witch's Flower to wspaniały przykład rodzinnego oglądania, ekscytujący dla dzieci, z wystarczającą złożonością dla starszych widzów i wspaniale animowany od początku do końca.

Kazuya Takaichi (Tsuyoshi Kusanagi) jest konduktorem pociągu Hayabusa 60 shinkansen , pędzącego z Shin-Aomori do Tokio. Zupełnie zwyczajna praca – dopóki terrorysta nie ujawni bomby na pokładzie, która wybuchnie, jeśli pociąg zwolni poniżej 100 km/h. Podczas gdy władze ścigają się, by powstrzymać napastnika i uratować pasażerów, Kazuya jest zmuszony zadbać o bezpieczeństwo wszystkich w pociągu. Co to takiego? To po prostu Speed w japońskim pociągu? Nie, Speed to po prostu oryginał z 1975 roku, The Bullet Train, w amerykańskim autobusie – a ta współczesna wersja jest w równym stopniu remakiem i sequelem klasyka z Sonnym Chibą w roli głównej. To jednak coś więcej niż tylko rozrywkowy thriller akcji – reżyser Shinji Higuchi z przyjemnością żartuje z polityków, którzy próbują zdobyć punkty, sparaliżowanych biurokratycznym procesem reagowania na kryzys (nie dziwi to nikogo, kto widział film „Shin Godzilla” z 2016 roku, który współreżyserował z Hideakim Anno). „Bullet Train Explosion” to dynamiczna, dosłownie wybuchowa akcja z satyrycznym zacięciem. (Przepraszam).

Jeśli w Twoim życiu jest pustka w kształcie Stranger Things , spowodowana około 4738-letnim oczekiwaniem między sezonami, ten dokument zza kulis, skupiający się na produkcji West Endowego spektaklu teatralnego The First Shadow, może w pewnym stopniu ją wypełnić. Choć film nie zdradza całej fabuły – sam w sobie jest prequelem, którego akcja rozgrywa się w 1959 roku i który zgłębia historię sennego miasteczka Hawkins, które stało się epicentrum wszystkiego, co straszne – to fascynujące spojrzenie na techniczne sztuczki, które włożono w stworzenie spektaklu, oraz na to, jak reżyser Stephen Daldry ( Billy Elliott , serial Netflixa The Crown ) i legendarna producentka teatralna Sonia Friedman współpracowali z braćmi Duffer, aby wszystko osadzić w legendzie i historii serialu.

Ta przepięknie animowana interpretacja koncepcji wyimaginowanych przyjaciół to kapryśna baśń pełna oszałamiających efektów wizualnych i śmiałych pomysłów. Adaptacja książki A.F. Harrolda, „The Imaginary” , opowiada historię młodej Amandy i jej najlepszego przyjaciela Rudgera – stworzonego przez jej własny umysł – którzy przeżywają niezliczone przygody. Jednak wraz z wiekiem Amandy, Rudger staje w obliczu losu wszystkich wyimaginowanych: znika, gdy ludzie o nim zapominają. Najnowszy film reżysera Yoshiyukiego Momose ( „Mary and the Witch's Flower ”) i studia Ponoc – duchowego następcy potężnego studia Ghibli – to zachwycająca pieśń na cześć potęgi wyobraźni i przyjaźni.

Gdy gospodarka życia pozagrobowego straszy żywych, śmierć staje się dosłownie kapitalistycznym piekłem. W filmie „Stowarzyszenie Umarłych Talentów” walczą ze sobą „duchmistrzynie” Catherine (Sandrine Pinna) i jej była protegowana Jessica (Eleven Yao) o sławę i prestiż w zaświatach, wymyślając nowe sposoby straszenia śmiertelników. Debiutantka znana jedynie jako Rookie (Gingle Wang) walczy o to, by zaistnieć w świecie straszenia – i ryzykuje całkowite zniknięcie, jeśli nie uda jej się zdobyć tronu nieumarłych. Ta tajwańska komedia grozy, wyśmiewająca wszystko, od reality show po kulturę hulanki, bije „Sok z żuka” na głowę.

Weekendowy wypad do luksusowego domu wakacyjnego dla Amandy i Claya oraz ich dzieci, Archiego i Rose, przybiera złowieszczy obrót w następstwie niewytłumaczalnej awarii prądu. Kiedy właściciel domu, George, i jego córka Ruth wracają wcześniej, podejrzenia narastają – ale rosnące stado jeleni czyhające przed domem, psujące się pojazdy i rozproszone doniesienia o atakach w całych Stanach Zjednoczonych zmuszają dwie rodziny do polegania na sobie w obliczu tego, co może oznaczać koniec świata. Adaptacja powieści o tym samym tytule autorstwa Rumaana Alama, z gwiazdorską obsadą, w której znaleźli się Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la i Kevin Bacon, zachwyca utrzymywaniem widzów w niepewności równie silnej jak bohaterowie, niewiele wyjaśniając i pozostawiając pytania, nad którymi będziesz rozmyślać przez wiele dni.

Rozwój Milesa Moralesa (Shameik Moore) jako Spider-Mana trwa w tej fenomenalnej kontynuacji nagrodzonego Oscarem filmu Into the Spider-Verse — ale tym razem sąsiedztwo pajęczego łowcy jest o wiele większe i o wiele mniej przyjazne. Przedstawiony multiwersum „Spider Society” pod przewodnictwem imponującego Spider-Mana 2099 (Oscar Isaac), Miles odkrywa, że jest jedynym Spider-Manem, który nie został zaproszony — i że nieunikniona tragedia czeka jego przyszłość. Jeszcze bardziej ambitny wizualnie niż poprzednik, z każdą alternatywną rzeczywistością — i bohaterami, którzy nazywają je domem, w tym Gwen Stacey Spider-Woman (Hailee Steinfeld), Spider-Man India (Karan Soni) i Spider-Punk (Daniel Kaluuya) — ożywionymi dzięki charakterystycznemu projektowi i stylom animacji, Across the Spider-Verse to niemal niewypowiedzianie ambitna wyprawa. To film, który łączy w sobie czystą widowiskowość z mroczniejszymi, bardziej emocjonalnymi konfliktami Milesa, nie oferując ani jemu, ani widzom łatwych odpowiedzi. Film tak genialny, że oczekiwanie na trzecią część, „Beyond the Spider-Verse” , staje się coraz bardziej bolesne z każdym dniem.

Ten radosnie rozrywkowy film o gigantycznych potworach porzuca rozwalanie Tokio lub Nowego Jorku na rzecz ojczystej Norwegii reżysera Roara Uthauga ( Tomb Raider z 2018 roku), z tytanicznym trollem zmierzającym w kierunku Oslo po tym, jak został obudzony przez operację wiertniczą. Chociaż fabuła i postacie będą znajome każdemu fanowi kina kaiju, uderzające nordyckie efekty wizualne i zdolność tytułowego zagrożenia do wtapiania się w krajobraz pozwalają na kilka imponująco oryginalnych zwrotów akcji. Chociaż Troll mógłby łatwo popaść w niemal parodię, Uthaug unika samozadowolenia i zamiast tego dostarcza, a wraz z kontynuacją, która pojawi się pod koniec 2025 roku, teraz jest idealny moment, aby ponownie przyjrzeć się jednemu z najświeższych ujęć gatunku od lat.

Nieczęsto można znaleźć wiele klasycznych filmów na Netflixie — algorytm musi być karmiony przez natłok nowości — więc dostępność genialnego filmu o dorastaniu Alfonso Cuaróna z 2001 roku to prawdziwa rozkosz. Akcja filmu rozgrywa się w Meksyku w 1999 roku. I Twoja matka też („I twoja matka też”) opowiada historię bogatego chłopaka Tenocha (Diego Luna) i jego przyjaciela z klasy robotniczej Julio (Gael García Bernal) podczas podróży samochodem z Luisą (Maribel Verdú), żoną kuzyna Tenocha. To podróż, w której młodzi mężczyźni — tak naprawdę wciąż chłopcy — rywalizują o uwagę pięknej starszej kobiety, wikłając się w kłamstwa i próbując przetrwać dzięki niezasłużonej pewności siebie, jednocześnie twierdząc, że zmierzają na idealną plażę, którą sami wymyślili. A dlaczego o wiele dojrzalsza i doświadczona Luisa w ogóle miałaby się z nimi zgodzić? Spakujcie chusteczki. Chociaż film wzbudził kontrowersje ze względu na szczere przedstawienie tematu seksu i narkotyków (nie jest to film na rodzinne seanse), pozostaje arcydziełem; hałaśliwą, a zarazem autentyczną analizą młodych przyjaźni i kruchej męskości.

Przejmujący thriller Bonga Joon-ho z 2019 roku to pierwszy film nieanglojęzyczny, który zdobył Oscara dla najlepszego filmu, i nie ma wątpliwości, dlaczego. Jego ponura eksploracja nierówności ekonomicznych i potępienie kapitalistycznego nadmiaru skupia się na południowokoreańskiej akcji, ale znajduje oddźwięk wśród widzów na całym świecie. „Parasite” śledzi losy rodziny Kimów, którzy wplątują się w życie zamożnych Parków, udając służbę domową, by wieść życie w luksusie, zanim ich oszustwo wymknie się spod kontroli. Film jest też w pewnym sensie mrocznym komediowym żartem, kpiącym z nieświadomości bogaczy, zarówno wobec własnych przywilejów, jak i desperacji biednych. Film jest znakomicie nakręcony i ma mistrzowskie tempo, a Bong zręcznie zwiększa napięcie w każdej scenie, aż wszystko zbliża się do pozornie nieuniknionego finału – a mimo to udaje mu się przekręcić i podważyć oczekiwania publiczności. To spektakularne dzieło filmowe, które zasługuje na rozgłos, a ta analiza klas i nierówności wydaje się bardziej aktualna niż kiedykolwiek.

Czy film, którego akcja rozgrywa się w Boże Narodzenie, sam w sobie jest filmem świątecznym? Ta debata toczy się wokół „Szklanej pułapki” od dekad. Teraz „Carry-On” zadaje to samo pytanie. Ten zwinny thriller w reżyserii Jaume Collet-Serry, reżysera „ Dom woskowych figur” i „Czarnego Adama” , przedstawia agenta TSA Ethana Kopeka (Taron Egerton), który w wigilijny wieczór zostaje szantażowany przez najemnika znanego jedynie jako Podróżnik (Jason Bateman), by przepuścić przez kontrolę bezpieczeństwa śmiercionośną paczkę. Rozpoczyna się śmiertelna gra w kotka i myszkę, gdy Ethan próbuje powstrzymać Podróżnika – a na szali leży życie dziewczyny Ethana, Nory (Sofia Carson). Film jest miejscami tandetny i kiczowaty, ale ta retrospekcja nie może nie bawić.

Zapłodnienie in vitro może wydawać się dziś stosunkowo prozaicznym zabiegiem medycznym, który przyniósł nadzieję i rodzinę niezliczonym osobom walczącym o poczęcie, ale kiedy procedura została opracowana przez trójkę brytyjskich naukowców i lekarzy w latach 60. i 70., była niezwykle kontrowersyjna. To daje mocny materiał na tę dramatyzację, śledzącą pracę pielęgniarki i embriologa Jean Purdy (Thomasin McKenzie), naukowca Roberta Edwardsa (James Norton) i chirurga Patricka Steptoe (Bill Nighy), nawet gdy są demonizowani przez opinię publiczną, brytyjski rząd, a nawet – być może zwłaszcza – Kościół. McKenzie w szczególności jest genialna jako Purdy, rozdarta własnym konfliktem wiary związanym z zaangażowaniem w zmieniającą życie pracę, która obejmowała również zapewnianie bezpiecznej aborcji kobietom, które jej potrzebowały, i zmagającą się z ostracyzmem, z jakim spotyka się ze strony rodziny i społeczności. Mocny i prowokujący dramat, nawet teraz.

Seryjny morderca zostaje obsadzony w roli kawalera w teleturnieju randkowym, co pozwala mu oceniać swoją kolejną potencjalną ofiarę na oczach widzów oglądających go w domu. Byłoby to pokręcone ustawienie dla filmu slasher — ale to, co przeraża w Woman of the Hour, to to, że jest oparta na prawdziwej sprawie Rodneya Alcali, który był uczestnikiem The Dating Game w 1978 roku, będąc w trakcie serii morderstw. Ta dramatyzacja nie koncentruje się jednak na zabójcy. W swoim reżyserskim debiucie Anna Kendrick skupia się zamiast tego na Sheryl (grana przez Kendrick, oparta na prawdziwej Cheryl Bradshaw), tej, która miała pecha, aby zostać sparowaną z Alcalą (Daniel Zovatto), i kobietach, które zgłosiły lub podejrzewały zabójcę, tylko po to, by zostać rutynowo zignorowanymi przez władze. Napięty thriller, który jasno pokazuje, że prawdziwy horror leży w tym, jak łatwo Acala tak długo unikał uwagi.

Will Ferrell prawdopodobnie nie potrzebuje przedstawienia, ale jako były główny scenarzysta Saturday Night Live , Harper Steele jest bardziej przyzwyczajona do życia za kamerą. Dołączając do popularnego programu w tym samym tygodniu w 1995 roku, para nawiązała wieloletnią przyjaźń — więc kiedy Harper napisała do Ferrell, aby powiedzieć jej, że przechodzi tranzycję i żyje jako kobieta, była to duża zmiana dla nich obojga. Stanowiło to również podstawę tego pięknego, rozgrzewającego serce i często zabawnego dokumentu o podróży samochodem, śledzącego duet podczas ich podróży przez USA starym Jeepem Grand Wagoneer, odnawiania kontaktu i uczenia się, jak wygląda teraz ich przyjaźń. Czasami oglądanie jest niezręczne — niektóre pytania Ferrella zacierają granicę między sprośnością a po prostu niegrzecznością — ale jest to surowa i autentyczna podróż dla nich obojga. Poza osobistymi akcentami, Will & Harper to aktualny pogląd na to, jak Ameryka wygląda obecnie dla osoby transpłciowej, co czyni go prawdopodobnie jednym z najważniejszych dokumentów wyprodukowanych przez Netflix.

Gdy ich ojciec zbliża się do końca życia, siostry Rachel (Natasha Lyonne), Katie (Carrie Coon) i Christina (Elizabeth Olsen) są zmuszone do ponownego połączenia się w oczekiwaniu na nieuniknione. Ponure rzeczy, ale także podstawa mistrzowskich występów głównego tria, gdzie Rachel przez miesiące brała na siebie większość opieki, Katie rzucała władcze żądania, mimo że unikała sytuacji, a Christina w stylu new age próbowała zachować pokój — mimo że sama była u kresu sił. To prawie jak zamknięty pokój, mieszkanie więziło kobiety, zmuszając je do pogodzenia się nie tylko ze śmiercią ojca, ale także z ich własnymi relacjami, podczas gdy Vincent (Jay O. Sanders) prześladował je jeszcze przed swoim odejściem. Śmierć może wisieć nad dramatem reżysera Azazela Jacobsa, ale jego trzy córki ostatecznie okazują się dziwnie afirmujące życie.

Kiedy Seita i jego młodsza siostra Setsuko zostają sierotami w wyniku bombardowania Kobe w ostatnich dniach II wojny światowej, rodzeństwo zostaje zmuszone do straszliwych warunków, aby przetrwać. Utknięci między przemocą ze strony dalszej rodziny a czystą desperacją przeszukiwania ruin zniszczonego rodzinnego miasta, prowadzą ponure życie — a także podstawę jednego z najlepszych dzieł Studia Ghibli. Wyreżyserowany przez Isao Takahatę i oparty na opowiadaniu Akiyuki Nosaki, Grób Świetlików jest bezkompromisowo wstrząsający w swojej eksploracji tego, jak wojna i nacjonalizm niszczą najsłabszych, a jednocześnie przeplatany momentami niezachwianej miłości, gdy Seita próbuje chronić niewinność Setsuko. Ten palący dramat wojenny jest otrzeźwiający, ale obowiązkowy do obejrzenia, film, który w pełni zasłużył na miejsce w czołówce najlepszych filmów Studia Ghibli .

Kiedy skorumpowani policjanci zepchnęli z drogi byłego żołnierza piechoty morskiej Terry'ego Richmonda (Aaron Pierre) za jazdę na rowerze, mimo że był czarny, zajęli również pieniądze, które planował przeznaczyć na kaucję za kuzyna. Pomimo niesprawiedliwości, Terry próbuje postępować zgodnie z zasadami, ale odkrywa, że prawie każdy aspekt systemu prawnego działa przeciwko niemu. Zniecierpliwiony i napędzany niezwykle uzasadnionym gniewem, zabiera się za wyrywanie zgnilizny z małego miasteczka, wspomagany jedynie przez urzędniczkę sądową Summer (AnnaSophia Robb). Scenarzysta i reżyser Jeremy Saulnier mógł zrobić z Rebel Ridge po prostu współczesną Pierwszą Krew , ale chociaż jest wiele brutalnych, łamiących kości scen walki, to film jest sprawiedliwie gniewny i ukazuje utrwalone wady amerykańskiego systemu prawnego, co nadaje mu pazura — a jednocześnie umacnia pozycję Pierre'a jako gwiazdy akcji, którą warto oglądać.

Ten tak poważny, że aż absurdalny francuski film o stworzeniach przedstawia Bérénice Bejo w roli specjalistki od spraw morskich, Sophii Assalas, która poluje na rekina mako, który nie tylko spontanicznie zmutował, by przetrwać w słodkowodnej Sekwanie, ale także ma urodzić stado małych rekinów ludojadów. A co gorsza? W Paryżu wkrótce odbędzie się triatlon, a część pływacka ma zamienić się w bufet „jesz, ile chcesz”! Słuchajcie, nie wszystko na tej liście musi być sztuką – czasami wystarczy zobaczyć zmutowanego rekina pożerającego ludzi, podczas gdy coraz bardziej zdesperowani ludzie zaczynają wysadzać rzeczy w powietrze. Wciśnijcie Play, wyłączcie mózg i cieszcie się.

Gary Johnson (Glen Powell) to łagodny profesor filozofii – i płatny zabójca. No, może nie do końca. Po prostu udaje go, współpracując z nowoorleańską policją, by łapać ludzi, którzy chcą wynająć płatnego zabójcę. To rola, w której jest zaskakująco dobry, ale kiedy Madison (Adria Arjona) próbuje „poradzić sobie” ze swoim agresywnym mężem, Gary zaczyna się w niej zakochiwać – a konsekwencje mogą być naprawdę fatalne. W rękach innego twórcy „ Hit Man” mógłby być albo przesadnie ponury, albo po prostu nieistotny (jest luźno oparty na prawdziwej historii), ale reżyser Richard Linklater wykorzystuje swoje charakterystyczne błyskotliwe dialogi i znakomicie zarysowane postaci, by stworzyć inteligentną komedię akcji, która zgłębia role odgrywane przez ludzi w społeczeństwie, a także serwuje igraszki z pomyłkami tożsamości.

Pomimo obecności tytułowego kaiju, „Godzilla Minus One” to film zakorzeniony w człowieczeństwie bohaterów, dezertera-pilota kamikaze Koichiego Shikishimy (Ryunosuke Kamiki) i Noriko Ōishi (Minami Hamabe), ocalałej z bombardowań Tokio. Zostają parą wychowującą osieroconego niemowlęcia, a ich próby zbudowania nowego życia stają się chaotyczne, gdy napromieniowany gad atakuje miasto, które właśnie zaczyna się odradzać. Reżyser Takashi Yamazaki, który wcielił się w postać najpotężniejszego japońskiego kaiju, przyniósł „Królowi Potworów” pierwszego w historii Oscara, zdobywając statuetkę za najlepsze efekty wizualne na gali rozdania Oscarów w 2024 roku. Film ten wykracza jednak poza zwykłe widowisko – to przejmująca analiza życia po wojnie i tego, jak naród zmaga się z byciem po przegranej stronie.

Suzume Iwato (głosu użyczyła Nanoka Hara po japońsku, a Nichole Sakura po angielsku) mieszka z ciotką na południowej wyspie Japonii, po stracie matki w trzęsieniu ziemi w Tōhoku w 2011 roku. Kiedy przystojny młody nieznajomy o imieniu Souta (Hokuto Matsumura, Josh Keaton) pyta ją o drogę do okolicznych ruin, podąża za nim z ciekawości, ale narusza żywy zwornik, przypadkowo uwalniając starożytną moc, która grozi zniszczeniem całego kraju. Wciągnięci w świat Souty, para ściga zwornik, tym razem w postaci kota, po całej Japonii, desperacko próbując ponownie zapieczętować niszczycielską istotę – zadanie, które byłoby łatwiejsze, gdyby Souta nie zamienił się w drewniane krzesełko dla dzieci. Najnowszy film Makoto Shinkai ( Twoje imię, pogoda z Tobą ), Suzume , to zapierający dech w piersiach, animowany przykład realizmu magicznego z nutą surrealizmu. Oprócz widowiskowości jest to także wzruszająca opowieść o wspólnocie i człowieczeństwie. Każdy przystanek na drodze tej niezwykłej pary to migawka przedstawiająca ludzi i rodziny jednoczące się w obliczu tragedii.

W reżyserii George'a C. Wolfe'a ( Ma Rainey's Black Bottom ) ten film biograficzny zgłębia życie działacza na rzecz praw obywatelskich Bayarda Rustina. Choć Rustin był prawdopodobnie najbardziej znany jako jeden z głównych organizatorów Marszu na Waszyngton z 1963 roku, był również otwarcie i bezkompromisowo homoseksualny w czasach, gdy było to niezwykle rzadkie – a film nie unika tematu, jak to zrażało wielu ludzi, z którymi współpracował, a jego orientacja seksualna była często postrzegana jako zagrożenie dla ruchu. Bardzo potrzebne spojrzenie na niedocenianą, ale kluczową postać Ruchu Praw Obywatelskich, podkreślone przez kluczową rolę spektakularnie dopracowanego Colmana Domingo w roli samego Rustina.

Uciekając z ogarniętego wojną Sudanu Południowego, Bol (Ṣọpẹ́ Dìrísù) i Rial (Wunmi Mosaku) mieszkają teraz w zrujnowanym domu na obrzeżach Londynu, nękani przez sąsiadów, mimo że próbują się wpasować. Parę prześladują również wspomnienia życia, które porzucili – zarówno w przenośni, jak i (być może) dosłownie, z wizjami ich zmarłej córki Nyagak, która nie przeżyła podróży, pojawiającymi się i znikającymi w ścianach ich ponurego nowego domu. Prawdziwym horrorem His House nie są jednak dziwne wizje, nawiedzony dom ani potencjalne duchy – to ponurość życia, do którego Bol i Rial są zmuszeni, wrogość i dehumanizacja brytyjskiego procesu azylowego, rasizm zarówno jawny, jak i przypadkowy, a wszystko to w połączeniu z ogromnym poczuciem straty, które ze sobą niosą. Łącząc makabrę z codziennością, reżyser Remi Weekes stworzył pełen napięcia, wymagający film, który będzie prześladował widzów równie mocno, jak jego bohaterów.

Paul Edima (Richard Mofe-Damijo) wiedzie spokojne życie jako diakon kościelny, próbując odpokutować – a przynajmniej zapomnieć – swoje dawne czyny jako wyszkolony agent specjalny. Plany pozostawienia za sobą brutalnej i krwawej przeszłości rozpadają się, gdy jego syn zostaje wrobiony w morderstwo, a następnie zabity przez skorumpowaną policję. Zmusza go to do sięgnięcia po stare umiejętności w poszukiwaniu zemsty. „Shades of Taken ” – owszem, ale to surowa energia reżyserki Editi Effiong i jej świeże spojrzenie na znane formuły filmów akcji – wspierane jednym z najwyższych budżetów w historii „Nollywood” – sprawiły, że ta brutalna produkcja znalazła się na szczycie list najchętniej oglądanych filmów nawet w Korei Południowej . Poszerz swoje horyzonty filmowe i przekonaj się, o co tyle szumu.

Skupiony na tytułowym berlińskim klubie nocnym , ten dokument zgłębia życie osób LGBTQ+ w latach międzywojennych, od hucznych lat 20., przez powstanie nazistów, aż po koszmar II wojny światowej. Z mieszanką archiwalnych materiałów filmowych, rekonstrukcji i relacji z pierwszej ręki, reżyser Benjamin Cantu maluje obraz radosnej dekadencji, Eldorado jako niemal uświęconej ziemi, gdzie artyści i bywalcy eksperymentowali z ekspresją płciową i mogli otwarcie manifestować swoją seksualność. To oda do tego, co zostało utracone, ale z uwzględnieniem dziwacznych sprzeczności epoki, w której otwarcie homoseksualni bywalcy klubów nosili własne nazistowskie mundury z biegiem lat. Wszystko, czego nienawidzą naziści, miejscami wywołuje emocje, ale serwuje ważny fragment historii queer, o którym wielu może nie mieć pojęcia.

Wu Ming-han (Greg Hsu) nie jest zbyt sympatycznym człowiekiem. Homofobiczny policjant, którego życie – i uprzedzenia – ulegają zmianie, gdy podczas śledztwa w pewnej sprawie podnosi niepozorną czerwoną kopertę. Związany z Mao Mao (Austin Lin), gejem, który zmarł w tajemniczych okolicznościach, obrzędem „małżeństwa duchów”, Wu musi rozwiązać zagadkę śmierci swojego „męża”, zanim będzie mógł wrócić do normalnego życia. W filmie „Marry My Dead Body ” w reżyserii Chenga Wei-hao, znanego z thrillerów i horrorów, tajwański reżyser wykorzystuje swoje nadprzyrodzone wpływy w tej upiornej, absurdalnej komedii, tworząc film, który przekracza granice.

Handlarz narkotyków Fontaine (John Boyega) został zastrzelony wczoraj w nocy. Dlaczego więc obudził się w łóżku, jakby nic się nie stało? To egzystencjalne pytanie prowadzi Fontaine'a i dwóch nieoczekiwanych sojuszników – prostytutkę Yo-Yo (Teyonah Parris) i alfonsa Slick Charlesa (Jamie Foxx) – do odkrycia ogromnego spisku skupionego wokół miasteczka The Glen, zamieszkanego głównie przez czarnoskórych, gdzie mieszkańcy są udobruchani hipnotycznym rapem, ogłupiani smażonym kurczakiem z narkotykami i sokiem winogronowym, a w kościele nakłaniani do posłuszeństwa. Ale kto używa tego miasteczka jak szalki Petriego i dlaczego pod ziemią znajduje się laboratorium klonowania? Ta zabójczo ostra satyra autorstwa scenarzysty i debiutującego reżysera Juela Taylora mistrzowsko łączy gatunki, od wykorzystania motywów wizualnych i przestarzałych klisz kina blaxploitation z lat 70., po częste wkraczanie na terytorium science fiction i komedii, która rozbawi do łez. Jednak to znakomite występy głównych aktorów sprawiają, że jest to film godny obejrzenia.

Zmiennokształtna Nimona może stać się kimkolwiek zechce – dar, który sprawia, że ludzie się jej boją i odrzucają. Jeśli społeczeństwo będzie traktować ją jak złoczyńcę, będzie nim, więc postanawia zostać pomocnicą znienawidzonego Czarnego Rycerza, Ballistera Czarnego Serca. Niestety dla aspirującego zmory, Czarne Serce nie jest do końca potworem, za jakiego się podaje, i zamiast tego stara się powstrzymać mordercze zapędy Nimony, starając się oczyścić swoje imię z winy, której nie popełnił – i przy okazji stawić czoła staremu przyjacielowi Ambrosiusowi Goldenloinowi. Adaptacja przełomowej powieści graficznej N.D. Stevensona, „Nimona” to coś więcej niż kolejna fantastyczna opowieść – to opowieść o outsiderach i wygnańcach, ludziach próbujących postępować właściwie, nawet gdy odrzuca ich społeczność, oraz o radości z odnalezienia po drodze własnej małej bandy. Po prawie dekadzie drogi na ekrany, ten olśniewająco animowany film natychmiast stał się klasyką.

W świecie spustoszonym przez plagę przypominającą zombie, Andy Rose (Martin Freeman) pragnie jedynie zapewnić bezpieczeństwo swojej rodzinie, trzymając się wiejskich, bocznych dróg Australii, aby uniknąć infekcji. Po tragicznym ugryzieniu żony, która z kolei zaraża jego, Andy desperacko pragnie znaleźć bezpieczne schronienie dla swojej małej córeczki, Rosie. Mając zaledwie 48 godzin do swojej śmierci, Andy znajduje sojusznika w Thoomi (Simone Landers), aborygeńskiej dziewczynce, która pragnie chronić swojego wściekłego ojca. Jednak w obliczu gróźb ze strony paranoicznych survivalistów i aborygeńskich społeczności polujących na zarażonych, może być już za późno. Cargo, unikatowa wersja apokalipsy zombie, porzuca znane miejskie krajobrazy gatunku na rzecz zapierających dech w piersiach dzikich terenów Australii i oferuje wolniejsze, skupione na postaciach podejście do końca świata.

„ Call Me Chihiro”, idylliczny film z życia wzięty, z zaskakującym twistem, opowiada historię byłej prostytutki – tytułowej Chihiro, granej przez Kasumi Arimurę – która przeprowadza się do nadmorskiego miasteczka, aby pracować w restauracji bento. To nie jest opowieść o kobiecie uciekającej przed przeszłością – Chihiro jest orzeźwiająco szczera i bezkompromisowa, a jej ciepło i otwartość wkrótce zaczynają zmieniać życie sąsiadów. Reżyserowany przez Rikiyę Imaizumiego, to kameralny, poruszający dramat, w którym momenty bolesnej samotności przeplatają się z czystą radością, pełen emocjonalnych momentów, które przypominają widzom o znaczeniu nawet najdrobniejszych więzi.

Daniel Craig powtarza swoją rolę detektywa Benoita Blanc w tej genialnej kontynuacji fenomenalnego Whodunnit 2019, noże . Rian Johnson, reżyser scenarzysta, potwierdza, że potępiście nowy przypadek „The Last of the Gentlemen Sleuths”, zabierając Blanc na grecką wyspę na samotny miliarder technologii i jego kolekcję przyjaciół i wieszaków, gdzie planowany weekend morderstwa przychodzi śmiertelnie obrócić. Choć całkowicie dostępni dla nowo przybyłych, fani pierwszego filmu zostaną również nagrodzeni głębszym rozwojem postaci dla Blanc, rolę, która jest tak kultowa dla Craiga jak 007. Tak sprytnie napisane i skrupulatnie skonstruowane jak jego poprzednik, i zawiera rodzaj obsady All-Star-Edward Norton! Janelle Monáe! Kathryn Hahn! Leslie Odom Jr.! Jessica Henwick! Madelyn Cline! Kate Hudson! Dave Bautista! - Że kinem są marzenia, szklana cebula może być najlepszą rzeczą, jaką Netflix spadł przez cały rok.

Florence Pugh olśniewa w tym niezbyt horrorowym filmie reżysera zwycięskiego Oscara Sebastián Lelio. Akcja w 1862 r. Angielska pielęgniarka Lib Wright (Pugh) jest wysyłana do Irlandii, aby obserwować Annę O'Donnell, dziewczynę, która twierdzi, że nie jadła od czterech miesięcy, zamiast tego trwa „manna z nieba”. Nadal rozpaczając utratę własnego dziecka, Lib jest rozdarta między badaniem niemożności medycznej a rosnącą troską samej Anny. Wśród przeszkód w postaci głęboko religijnej rodziny Anny i lokalnej społeczności, która jej nie ufają, zegarek Lib wchodzi w napięte, przerażające doświadczenie. Oparty na książce o tej samej nazwie Emmy Donoghue, The Wonder to piękny, ale ponury utwór z okresu, który eksploruje zbyt transmiste horrory, które mogą napić się niekwestionowania zapału religijnego i tajemnic rodzinnych.

Jeden z największych w Indiach filmów wszechczasów, RRR (lub Rise, Roar, Revolt ) redefiniuje pojęcie kinowego spektaklu. Zaskoczony w 1920 r. Epopic historyczny następuje po prawdziwym indyjskim rewolucjoniści Alluri Sitrama Raju (Ram Charan) i Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.), ale fikcje ich życie i działania. Chociaż pochodzą z bardzo różnych środowisk, ich podobieństwa łączą je razem, gdy stają stawiając czoła sadystycznemu gubernatorowi Scottowi Buxtonowi (Ray Stevenson) i jego okrutnej żonie Catherine (Alison Doody). Brak zwykłego puchu z okresu, RRR jest odważnym, ekscytującym i często wybuchowym fragmentem filmowania, który podnosi bohaterów do stanu niemal mitologicznego. Reżyser SS Rajamouli wdraża doskonale nakręcone sceny akcji - i znakomicie choreograficzny numer taneczny - które przyciągają uwagę widzów i odmawiają odpuszczenia. Niezależnie od tego, czy jesteś wieloletnim fanem kina indyjskiego, czy po prostu szukasz filmu akcji poza normą Hollywood, RRR nie można przegapić.

Zwycięzca nagrody w Cannes w 2019 roku, ta opowieść o rozwijającej się młodej miłości, obsesji i autonomicznych częściach ciała jest tak dziwna, jak można się spodziewać w przypadku francuskiego filmu animowanego dla dorosłych. Reżyser Jérémy Clapin przedstawia życie Naoufel, marokańskiego imigranta we współczesnej Francji, który zakochuje się w odległej Gabrielle i odciętej ręce Naoufela, która przechodzi przez miasto, aby spróbować się ponownie połączyć. Dzięki przecinaniu harmonogramów i złożonych dyskusjach na temat losu straciłem ciało często, ale zawsze urzekające, a Clapin wykorzystuje doskonale szczegółowe animacje i fenomenalne wybory kolorów. Warto obejrzeć zarówno oryginalne francuskie, jak i solidne angielskie macierzy z udziałem Dev Patel i Alia Shawkat, ten odważy się zrozumieć to wszystko.

Sfrustrowany zbiorową bezczynność świata na zagrożeniach egzystencjalnych, takich jak zmiany klimatu? Może nie oglądaj, nie patrz , satyryczna czarna komedia reżysera Adama McKaya. Kiedy dwóch astronomów niskiego poziomu odkrywa kometę zabójczą planetą na kursie kolizyjnym z Ziemią, starają się ostrzec władze-tylko do spotkania z zbiorowym „Meh”. Sprawy się pogarszają się tylko wtedy, gdy same próbują wyciekać wiadomości i muszą poruszać się w Vapid TV gospodarzy, celebrytów szukających charakterystycznej przyczyny i obojętnej publiczności. Ponury zabawne oskarżenie o naszych czasach, wzmocnione gwiazdorską obsadą, która odbywa się Leonardo DiCaprio i Jennifer Lawrence, nie patrz w górę , jest nieco przygnębiająco jednym z najlepszych portretów ludzkości od idiokracji .