I 25 migliori film del 2025 (finora)
Siamo in piena estate e New York sta seguendo un'ondata di caldo brutale e puzzolente. E le notizie ... beh, sapete le notizie. Ma il lato positivo... risate! Sì, risate. Al cinema! Lo so, lo so. Siamo in piena estate. I film non sono divertenti in piena estate . Beh, quest'anno... un po' sì?!
Sono stato qui fuori al buio, a ridacchiare, a sghignazzare, a sghignazzare, a sghignazzare e, sì, anche a fare un po' di risate e scherzi. E devo dire che, che si tratti delle semplici risate a crepapelle per i giochi di parole meravigliosamente ridicoli di Una pallottola spuntata o delle risate più dure provocate dalla satira fin troppo realistica di Eddington , è stato fantastico. E questo mese, le risate continueranno ad arrivare grazie a quello che potrebbe essere il mio film preferito dell'anno, l'assolutamente folle Splittsville , così come l'astutamente divertente Lurker .
Ci sono stati anche alcuni ottimi film recenti che non sono poi così comici. L'eccellente nuovo documentario di Reid Davenport, Life After , è un buon promemoria di quanto sia crudele la società in cui viviamo, così come Sorry, Baby di Eva Victor (che, certo, ha un pizzico di umorismo). E 28 Years Later potrebbe avermi fatto diventare un fan dei film di zombie. Comunque, ecco tutti gli altri miei film preferiti del 2025 finora.
Lo ammetto: non mi aspettavo la migliore commedia degli ultimi anni con Liam Neeson in un reboot del franchise di " Una Pallottola Spuntata" . Ma eccola qui! E che gioia! Il co-sceneggiatore e regista Akiva Schaffer trasforma la giocosa assurdità degli sketch di Lonely Island in una parodia piuttosto implacabile di polizia, ricchi tecnici e cliché hollywoodiani. Il film colpisce tutti gli obiettivi giusti, e lo fa con un tempismo perfetto, ma è la sua ridicolaggine che mi ha fatto ridere, che si trattasse di un pezzo con hot dog al chili o di un pupazzo di neve malvagio.
L'ultimo film di Ari Aster è stato un flop commerciale colossale e ha profondamente polarizzato la critica. È facile capirne il motivo: chi ha voglia di rivivere il frastuono incessante e folle del 2020? Eddington è un film difficile da guardare, ma l'ho trovato sorprendentemente divertente: un esercizio di genere che alterna commedia, thriller cospirazionista e azione. Aster cattura l'energia tossica della pandemia, prendendo in giro gli eccessi e l'isteria sia della sinistra che della destra. Ma questo non è un esercizio di "entrambi i fronti". Aster ha un obiettivo più grande in mente, ed è Internet. Aster ama dire che Eddington è un film sulla costruzione di un data center, e non è solo un'idiozia. Questo è un film su come Internet ha distrutto – e continua a distruggere – tutti i nostri cervelli. Mi sono ritrovato a pensarci molto da quando l'ho visto, e immagino che diventerà ancora più potente con il tempo e la distanza.
Di solito non sono un grande amante degli zombie, ma è difficile negare la potenza, l'emozione e il mordente di 28 anni dopo . Riunendosi 23 anni dopo 28 giorni dopo , Alex Garland, che ha scritto la sceneggiatura, e Danny Boyle, che ha diretto, sono entrambi al top della forma. Dalla sua accurata costruzione del mondo, alle sue interpretazioni viscerali, alle sue sequenze d'azione tese e raccapriccianti, 28 anni è un film di genere dinamico. Sorprendentemente, è anche un'incisiva allegoria della Brexit.
Probabilmente potete immaginare la cosa orribile che è successa ad Agnes, interpretata con umorismo leggero, fascino impacciato e sprazzi di dolore profondo dalla regista e sceneggiatrice del film, Eva Victor. Il film fa fatica a dare un nome a questa cosa, ma è sempre lì, nella mente, ad anticiparla prima che accada e a proiettare una grande ombra in seguito. In questo modo, Sorry, Baby racconta quanto sia difficile sfuggire completamente alla nube del trauma. Ma il film di Victor, che è senza dubbio uno dei migliori esordi alla regia dell'anno, è anche delicato e compassionevole, e una testimonianza della bellezza e del potere dell'amicizia.
Se mi avessero chiesto se le persone disabili – o qualsiasi altra persona – dovessero avere il diritto di morire prima di guardare Life After , avrei risposto di sì. Il nuovo, potente documentario di Reid Davenport, tuttavia, sfida con forza questa convinzione. Davenport concentra gran parte dell'attenzione del documentario sulla persona che ha dato il via al dibattito, Elizabeth Bouvia. Nel 1983, a 26 anni, Bouvia, affetta da paralisi cerebrale, cercò "il diritto di morire". Ma Davenport indaga molto più a fondo di quanto fecero il circo legale e mediatico dell'epoca, chiedendosi se Bouvia volesse davvero morire o se volesse morire come alternativa alle cure disumane a cui stava subendo. Ora, oltre 40 anni dopo il caso di Bouvia, l'assistenza a persone come Bouvia è migliorata a malapena, e Davenport sostiene con forza che il diritto di morire viene utilizzato per incoraggiare i cittadini più cari della società a porre fine alle loro vite.
Il film d'esordio di Alexandra Simpson racconta la storia di una piccola città costiera della Florida in attesa di un uragano. Ma non si tratta del solito film catastrofico. Come altri film usciti dall'Omnes Collective (più recentemente "Eephus" e "La vigilia di Natale a Miller's Point" ), questo è un film corale lento e suggestivo. Simpson riesce a catturare in modo magico i suoni e le immagini della calma prima della tempesta, al tempo stesso venati di nostalgia e di un senso di solitudine.
Se vi stavate chiedendo se le bizzarrie di Tim Robinson potessero reggere un lungometraggio, la risposta è un sonoro, seppur profondamente scomodo, sì. Il film d'esordio del regista Andrew Deyoung sovverte brillantemente le commedie tra amici dei primi anni Duemila (scegliendo persino Paul Rudd per il ruolo del nuovo amico), mettendo in primo piano le fratture della mascolinità moderna. Oltre alla sua incisività, Friendship è semplicemente una delle commedie più divertenti degli ultimi anni.
David Cronenberg ha scritto The Shrouds dopo la morte di cancro della moglie di lunga data nel 2017, e ha ammesso che il film è stato ispirato dalla sua esperienza personale di lutto. Ma il film si sofferma meno sul dolore della perdita di una persona cara e più su come le persone canalizzano quel dolore. Karsh (un Vincent Cassel in stile Cronenberg), un ricco "produttore di video industriali", apre un cimitero che sperimenta una tecnologia chiamata GraveTech. Permette ai cari di vedere i defunti in decomposizione nelle loro tombe tramite un'app sul telefono. Karsh afferma che è confortante guardare sua moglie decomporsi. Ma quando il cimitero viene vandalizzato, Karsh viene consumato dalle cospirazioni. Se tutto questo sembra piuttosto macabro, lo è, ma è anche astutamente divertente e una delle rappresentazioni più vere di come il dolore tenda a mutare.
Esiste un piccolo genere, in lenta crescita, di film di uomini perdenti che camminano nei boschi. E con tutto il rispetto per "Old Joy" di Kelly Reichardt e "Good One" di India Donaldson, gli uomini di quei film non sono nulla in confronto a Derek (Joel Potrykus) e al suo migliore amico Marty (Joshua Burge), i protagonisti del crudo e acido "Vulcanizadora" di Potrykus. Qui, le malefatte passate ne generano di nuove, orribili. Sebbene il film possa essere cupamente divertente, Potrykus tratta questi personaggi con obiettività ed empatia.
Bisogna ammirare Ryan Coogler per averci provato fino in fondo. Il suo ultimo blockbuster segue una coppia di gemelli gangster, Smoke e Stack (entrambi interpretati da Michael B. Jordan) mentre si preparano a organizzare una festa per la comunità non bianca nel Mississippi sotto le leggi Jim Crow. Il loro giovane cugino Sammie (un fantastico Miles Catton), cantante di talento e figlio di un predicatore, si unisce a loro per suonare il blues. Ma a metà del film – e della festa – le cose prendono una piega drammatica. Coogler usa il genere come metafora razziale, dispiegandola in un modo che è allo stesso tempo molto divertente e intelligente.
Spesso, i documentari musicali emulano lo stile dell'artista che cercano di catturare. Alex Ross Perry adotta un approccio diverso con il suo ritratto creativo della band indie rock degli anni '90, i Pavement: dedica il massimo impegno a queste icone scansafatiche. L'interpretazione di Perry della band, che chiaramente ama profondamente, è che contiene moltitudini. Cattura i vari aspetti dei Pavement canalizzando una parte fondamentale dello spirito della band: l'ironia. Nel documentario, Perry mette in scena un vero musical, un finto film biografico e un'installazione museale pop-up. Intreccia i vari elementi con una struttura che dice di aver preso in prestito da Dunkirk . È un tentativo di prendere in giro i modi in cui artisti amati – dai Queen a Bob Dylan a Bruce Springsteen – sfruttano la proprietà intellettuale agiografica. Ma offre anche uno studio divertente e riflessivo della band.
Similmente a The Shrouds , il dolore apre le porte a una ricerca cospirativa nel film d'esordio a basso budget di Courtney Stephens. Il film è nato dalla collaborazione con l'attrice e scrittrice Callie Hernandez, che interpreta Carrie, figlia di un sostenitore della medicina alternativa con idee cospirative. Quando il padre di Carrie muore, lei eredita il brevetto per un dispositivo di guarigione sperimentale. Nella sua ricerca di risposte sul dispositivo – e, in realtà, su suo padre – incontra diversi conoscenti di quest'ultimo (un gotha dei registi indipendenti) nella sua piccola cittadina del nord-est. Il film, che include filmati del vero padre defunto di Hernandez, cattura il ritmo lento e banale della vita dopo la morte di una persona cara, così come il modo in cui il dolore genera pensieri magici.
Il primo lungometraggio di Sarah Friedland, Familiar Touch , ha una premessa familiare: Ruth (Kathleen Chalfant), una cuoca in pensione, soffre di demenza e lei e la sua famiglia devono conviverci mentre si adatta a un nuovo stile di vita. Il film tocca molti dei punti che ci si aspetterebbe: con Ruth che dimentica suo figlio, inscena piccole rivolte nella sua nuova residenza per anziani e stringe un legame con alcuni dei suoi assistenti. Eppure, il film di Friedland è così delicato e ben osservato, con interpretazioni superlative di Chalfant e H. Jon Benjamin (che interpreta suo figlio), che risulta comunque nuovo e fresco.
Wes Anderson è un regista coerente e coerente. Il suo ultimo film vede Benicio del Toro nei panni di un ricco industriale degli anni '50, Zsa-zsa Korda, il cui incontro ravvicinato con la morte lo porta a riallacciare i rapporti con la figlia novizia e a coinvolgerla nel suo ultimo piano. Il film offre tutto ciò che ci si aspetta da Wes: composizioni impeccabili, battute intelligenti, una trama contorta, interpretazioni superlative da parte di un cast stellare e una famiglia divisa che si ricompone. È anche, però, il film più violento e religioso dell'ampia opera di Anderson.
Molti mesi dopo aver visto April , della regista Dea Kulumbegashvili, al New York Film Festival dello scorso anno, ne sento ancora il peso. Il film è incentrato su Nina (Ia Sukhitashvili), un'ostetrica in un ospedale della Georgia rurale (la nazione, non lo stato) che pratica aborti clandestini nelle ore libere. Il film, che a tratti rasenta il surreale, cattura il peso emotivo di questo lavoro: cupo, solitario, a tratti straziante.
Questo film è un po' un disastro nelle sue prime due ore e mezza? Sì. Gli ultimi 30 minuti vedono Tom Cruise impegnato in alcune delle acrobazie più assurde e spettacolari mai girate sullo schermo? Anche in questo caso sì!
Eephus , il film d'esordio del regista Carson Lund, è ambientato in un fresco pomeriggio di ottobre in una cittadina del Massachusetts degli anni '90. Due squadre di baseball dilettantistiche si affrontano per l'ultima partita al Soldier Field. Un film più convenzionale potrebbe schierarsi dalla parte di una squadra o schierare i giocatori contro un costruttore malvagio. Ma qui il campo cede il passo a una scuola pubblica e queste due squadre sono unite contro un nemico diverso, più universale: il tempo. Con il passare delle ore, gli arbitri timbrano il cartellino e il sole tramonta. Per finire la partita, i giocatori devono trovare il modo di ingegnarsi. Anche se una squadra esce vittoriosa, non saprei dire quale. Eephus è un film sui piccoli momenti che rendono il baseball – e, in realtà, la vita – meravigliosi.
Non credo di aver mai visto un personaggio cinematografico così inesorabilmente arrabbiato come Pansy di Marianne Jean-Baptiste in Hard Truths . L'attrice, che ha lavorato per l'ultima volta con il regista Mike Leigh in Secrets and Lies del 1996, ringhia, ribolle e si imbroncia per tutto questo dramma familiare brillantemente divertente e toccante. Sebbene il film alluda al fatto che Pansy abbia avuto una relazione complicata con la madre defunta, Leigh procede con cautela sulla storia del personaggio. Non scopriamo mai completamente cosa stia succedendo a Pansy o come sia diventata la persona che è. Ma il film è così ben osservato che, ironia della sorte, nonostante Pansy sia così morta dentro, è una delle persone più elettrizzanti e vive del cinema recente.
L'attesissimo seguito di Parasite di Bong Joon-ho ha più cose in comune con il suo precedente film Okja . È una commedia assurda su persone stupide e potenti e il loro disprezzo per il mondo naturale – e, in realtà, per tutto e tutti tranne se stessi. Robert Pattinson interpreta Mickey, un uomo dalla voce nasale e sfortunato che fugge dai suoi problemi terreni diventando un Mercenari in missione per colonizzare un pianeta lontano. Come Mercenari, il suo ruolo comporta la morte e la ristampa. Le complicazioni sorgono, tuttavia, quando sopravvive a un'esperienza di pre-morte e un nuovo Mickey viene comunque stampato. I due Mickey lottano per la sopravvivenza finché non si uniscono contro un nemico più grande. Mickey 17 vincerà un Oscar? Probabilmente no, ma è comunque una commedia molto divertente e spesso esilarante.
Probabilmente il film più eccitante , più inaspettato e, sì, più francese che uscirà quest'anno. Misericordia di Alain Guiraudie flirta con vari generi – giallo, noir, commedia sexy, dramma esistenziale – ma in definitiva è troppo originale e bizzarro per essere facilmente categorizzato. È un film che richiede di abbandonare i preconcetti su come le persone dovrebbero comportarsi e su come i film dovrebbero funzionare. E se ci riesci? Beh, potresti apprezzare il viaggio selvaggio.
"On Becoming a Guinea Fowl" di Rungano Nyoni inizia con la protagonista, Shula (Susan Chardy), che guida lungo una strada tranquilla dello Zambia indossando un vistoso costume da festa, quando si imbatte in un cadavere steso sulla strada. Il corpo si rivela essere suo zio Fred, che presto scopriamo aver abusato di Shula quando era bambina. Il costume di Shula è uno dei pochi dettagli vistosi in questo film. Nyoni svela gradualmente e con poca soddisfazione nuovi aspetti della storia, mostrando come le norme culturali possano ostacolare la catarsi e i segreti di famiglia possano favorire traumi generazionali.
Questo nuovo documentario, spesso esaltante, di Kevin Macdonald e Sam Rice-Edwards segue John Lennon e Yoko Ono nei loro primi anni a New York, culminando in un concerto di beneficenza al Madison Square Garden nel 1972. Il concerto era a sostegno dei bambini della Willowbrook State School, che era stata recentemente oggetto di un servizio televisivo di condanna che denunciava le terribili condizioni a cui erano sottoposti i bambini con disabilità. Il film non offre molte nuove informazioni su Lennon e Yoko Ono, ma è ricco di momenti potenti e magnetici, sia sul palco che fuori. Macdonald e Rice-Edwards mettono in primo piano l'attivismo della coppia e il modo in cui si intrecciava con la loro arte. Lennon, in particolare, brilla di luce propria. La sua passione e la sua rettitudine sono accattivanti e contagiose. Più di 50 anni dopo, le battaglie politiche di Lennon e Yoko Ono sono ancora in corso, e l'entusiasmo di Lennon sembra ancora in grado di innescare una rivoluzione.
Dodici anni dopo aver annunciato un breve ritiro dalle scene, Stephen Soderbergh è emerso come il regista più prolifico d'America. Il suo primo dei due film di quest'anno è una storia di fantasmi basata su un concetto formale: la macchina da presa assume la prospettiva del fantasma. Lo spettro abita in una splendida casa di periferia in cui si è appena trasferita una famiglia di quattro persone. E sebbene ci sia una certa suspense intorno all'identità e agli obiettivi del fantasma, l'attrazione del film è il dramma familiare. Lucy Liu e Chris Sullivan interpretano i genitori di due adolescenti liceali spesso litigiosi, Chloe (Callina Liang) e Tyler (Eddy Maday). E le dinamiche familiari – le alleanze, le fonti di conflitto e i segreti – sono vivide e intriganti. Ogni attore è scelto in modo intelligente e offre un'interpretazione di grande impatto. Non sono ancora sicuro di aver apprezzato il finale drammatico e la rivelazione culminante, ma l'intelligente concezione del film e la ricchezza dei personaggi rendono Presence una visione degna di nota.
Una delle tante trame intrecciate di Universal Language del regista Matthew Rankin vede una guida turistica di Winnipeg (Pirouz Nemati) accompagnare un raro gruppo di visitatori in alcuni dei luoghi di interesse culturale della città. Questa Winnipeg è un'invenzione di Rankin e dei suoi co-sceneggiatori (Nemati e Ila Firouzabadi), ed è piena di edifici brutalisti marroni e beige, tacchini randagi e una popolazione di lingua persiana. È anche una città in cui i luoghi di interesse sono piacevolmente banali. Il mio preferito è stato il sito patrimonio dell'UNESCO in cui qualcuno ha lasciato una valigetta alla fermata dell'autobus e nessuno l'ha toccata. È "un monumento all'assoluta solidarietà interumana, anche nella sua forma più elementare e banale", spiega la guida turistica. Si potrebbe dire lo stesso del film. In Universal Language , Rankin e i suoi collaboratori sono fantasiosi, giocosi e piuttosto spiritosi, ma l'obiettivo principale del loro progetto è testimoniare il potenziale dell'umanità per la cura e l'esuberanza, anche in un mondo tetro e beige.
Prima di vedere Warfare , ero stato avvisato che era rumoroso. Eppure, non ero preparato a quanto sarebbe stato rumoroso – con i corpi che tremavano – questo film. Fresco del suo film di guerra americano speculativo, Civil War , Alex Garland ha collaborato con Ray Mendoza (un veterano della guerra in Iraq e consulente di Civil War ) per ricreare una brutale battaglia che il plotone di Mendoza ha vissuto a Ramadi nel 2006. Il film è tratto esclusivamente dai ricordi di Mendoza e del suo plotone e si svolge nell'arco di una giornata. In definitiva, il film esprime il trauma della guerra tanto quanto un film è capace di fare, grazie al sonoro, certo, ma anche alle interpretazioni sottilmente cariche di pathos. È una visione incredibilmente intensa e che mette in primo piano il vero orrore della guerra.
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