Federico León e un'opera che ruota attorno alle persone che lavorano su se stesse

Il drammaturgo, regista e attore Federico León torna con un'installazione che porta la sua firma: sperimentare con la natura microscopica del palcoscenico. Questo venerdì 6 giugno, debutta El trabajo , la sesta installazione dell'anno per Paraíso Club, la comunità di soci che funziona come una casa di produzione.

L'opera, infatti, parla di un gruppo di partecipanti a un laboratorio teatrale , tre persone di nome Matías, Marian e Dina, che seguono una serie di rigide regole, accordi, comandamenti e protocolli. " Pratiche, autodisciplina e incidenti . Attaccamento e distacco, penitenze e licenze. Sottoporsi a prove sconsiderate senza considerare le conseguenze, esperimenti dall'esito sconosciuto", si legge in un testo di accompagnamento scritto da León.

Al confine tra teoria e pratica, in una continua prova generale , i risultati sembrano tanto imprevedibili quanto brutali. Con le performance di Santiago Gobernori, Beatriz Rajland e dello stesso Federico León, il lavoro si ispira ai laboratori che il regista teatrale conduce da oltre quindici anni, come se si mettesse in prima persona a sperimentare la propria pratica didattica. Il talentuoso autore di spettacoli come Cachetazo de campo (Schiaffo di campo), Mil quincientos metros sobre el nivel de Jack (Millecinquecento metri sopra il livello di Jack), El adolescente (L'adolescente) e Yo en el futuro (Incontra il futuro ), ha parlato in questa intervista delle sfide dell'idea di un laboratorio creativo in stretto dialogo con il pubblico.

–Perché hai scelto di tornare con questo lavoro?

– Ho scritto "The Work" nel 2020, durante la pandemia. Da tempo desideravo realizzare un'opera teatrale sul lavoro che svolgo nei laboratori che insegno e in quelli a cui ho partecipato quando ero studente. Per mettere in scena quel processo che avviene in classe. Recito nell'opera e, in un certo senso, sperimento in prima persona ciò che di solito propongo nei laboratori.

–Cosa significa la produzione con Paraíso Club?

– Che un folto gruppo di artisti possa realizzare un progetto come questo mi sembra incredibile e molto stimolante, soprattutto in questo periodo dell'anno. Paraíso crea una comunità che segue e condivide da vicino i processi creativi delle opere. D'altra parte, incoraggia gli artisti a condividere i loro processi di lavoro, qualcosa che di solito è confinato alla privacy delle prove e condiviso solo con il team di produzione. Sono felice di far parte di questa comunità.

– C'è il rischio che uno spettatore che non ha familiarità con le dinamiche del teatro possa sentirsi un po' estraneo a questa questione del teatro che guarda se stesso?

– Lo spettacolo trae ispirazione dal lavoro che svolgiamo nei laboratori, ma non è un laboratorio teatrale. Va oltre. Riguarda le persone che lavorano su se stesse, cercando di cambiare modelli di comportamento e tendenze. Uno dei temi centrali dello spettacolo è lavorare contro le proprie tendenze, fare cose che vanno oltre il mio gusto, la mia idea di bellezza. È qualcosa su cui lavoriamo molto nei laboratori: fare cose che non mi fanno bene. Lo spettacolo mette in pratica criteri di autovalutazione e di valutazione degli altri. Il feedback è costante. Tutto è sotto osservazione e fa parte di uno sforzo condiviso. Ognuno dei personaggi sembra essere allo stesso tempo studente e insegnante.

– "L'opera cerca di evocare quell'energia incontrollabile del corpo che non misura, che non calcola, che sperimenta e sperimenta senza limiti", affermi in un testo. Cosa significa questo in un mondo in cui tutto deve essere ultra-pianificato, produttivo e commercializzato, affinché le cose funzionino e funzionino?

– Riunirsi in un gruppo e affrontare un processo, con tutto ciò che un processo porta con sé (buono, cattivo, misterioso), mi sembra qualcosa che deve essere sostenuto, che deve essere onorato, soprattutto in questo periodo. Il lavoro è stato provato per un anno e mezzo. Nella vita, generalmente vogliamo risolvere tutto in fretta. Nel workshop e nello spazio delle prove, la cosa importante è l'esperienza e vedere ciò che emerge in ognuno di noi durante la sperimentazione. E per questo servono tempo, pazienza, fiducia. L'idea è di seguire la traccia, non ignorare nulla; ciò che sento, penso, fantastico, sogno, le idee che ho, come reagisco, come prendo le cose: paure, proiezioni, ansia: tutto questo parla di me ed è materiale prezioso che mi costituisce e che devo condividere con gli altri. Al di fuori dello spazio del workshop (nella vita), la logica, i bisogni, le urgenze sono diversi. È più difficile condividere la mia vulnerabilità, le mie paure, i miei dubbi. Penso che ciò che quest'epoca propone sia quasi l'opposto di ciò che si sperimenta in un processo creativo o di apprendimento.

–Perché suggerisci, parallelamente allo spettacolo, la lettura di Frammenti di un insegnamento sconosciuto di P.D. Ouspensky?

–Nei workshop, la premessa è l'auto-osservazione permanente. Al di là dei materiali che emergono, l'importante è osservare se stessi senza intervenire. E qui sorge un'altra questione: chi osserva? Chi registra? Chi impugna la telecamera dentro di me? Chi filma è qualcuno che lo fa con pregiudizi, con idee su come dovrebbero essere fatte le cose, con fantasie, desideri, gusti personali, paure. Sono piuttosto condizionati. Quindi il passo successivo è osservare l'osservatore. Il lavoro consiste nell'ampliare certi atteggiamenti e prospettive che ho sulle cose. Fare piccoli test per vedere se riesco (anche solo per un momento) a staccarmi dal mio solito modo di vedere – sentire – registrare. Sperimentare altri modi di vedere, pensare, risolvere. E questi diversi modi sono portati dagli altri. Quindi ognuno si nutre del modo di risolvere dell'altro. Ciò che mi interessa in questo testo è l'idea che dentro di me ci siano migliaia di sé assolutamente contraddittori tra loro e che cercano di raggiungere un accordo.

– Nei tuoi workshop, promuovi le cose "rischiose e audaci". Perché dici che questa è la tua sfida oggi? Perché dovrebbe essere il tuo compito?

– In classe e in The Work, cerchiamo costantemente di andare oltre le opposizioni (coppie di opposti) e trovare alternative che possano comprendere tutte le possibilità. A un certo punto dello spettacolo, si discute se mangiare un brownie o una torta al limone, così uno dei personaggi decide di unire le due torte e mangiarle come se fossero una sola. Viene ribattezzata "brownie-pie". Mi piace l'idea di una sommatoria di cose apparentemente contraddittorie. Penso che sia così che funziona la nostra parte più profonda. Quindi, se la mia tendenza durante le prove è fare cose che mi feriscono, penso sia bene cercare modi per prendermi cura di me stessa. E che queste due forme o energie (apparentemente contraddittorie e opposte) possano coesistere: ferirsi a vicenda con cura.

– Infine, la pièce si svolge in un luogo che un tempo era la tua casa. Come l'hai scelto e che tipo di allestimento è stato creato in base a quello spazio?

– In El trabajo , in un certo senso, lo spazio agisce da sé stesso. È lo stesso luogo in cui tengo i laboratori, e lo spettacolo si relaziona ai laboratori che tengo. Lo spettacolo mette in scena le dinamiche e le particolarità della sala. Ecco perché mi è sembrato essenziale rappresentarlo in Zelaya. Mi interessa la vicinanza con il pubblico. Si crea una vera interazione e intimità tra attori e pubblico. Il pubblico assiste a un presente messo in scena che apparentemente non si ripeterà mai più. Durante lo spettacolo, gli attori siedono sulle stesse sedie del pubblico. Entrano ed escono dallo spazio che collega il pubblico al palcoscenico. Questo crea una dinamica in cui, a volte, sono partecipanti che si fanno avanti, e altre volte, spettatori e osservatori di ciò che vivono. Attori e pubblico partecipano e sono parte della stessa esperienza.

L'Opera , di Federico León. 7, 8, 14, 15, 20, 21, 22, 27, 28 e 29 giugno, alle 20:00 presso Zelaya 3134.