Vienna, Berlino o Amsterdam: qual è la migliore orchestra del mondo?

Nella cultura, come nello sport, c'è un diffuso desiderio di superlativi: chi è il pianista più virtuoso, chi è il cantante più convincente, quali ensemble sono in prima linea nei principali concerti delle migliori orchestre internazionali? Domande del genere hanno un che di giocoso, perché tutti sanno che tali classifiche possono essere solo istantanee e che anche preferenze, influenze precoci, mode e tradizioni giocano un ruolo nelle risposte.

Inoltre, i paragoni sono generalmente difficili, poiché i candidati al titolo onorifico di Miglior Artista o di Ensemble Principale raramente si esibiscono nello stesso luogo a distanza ravvicinata. Al Lucerne Festival, tuttavia, questo è esattamente ciò che accade ogni estate: la competizione tra i migliori tra i migliori è una caratteristica ricorrente da anni. E così, nella Sala Concerti del KKL, potrete davvero decidere da soli, con le orecchie tese, chi merita la corona.

La scorsa settimana, tre delle più importanti orchestre europee si sono alternate al KKL, per così dire. E tutte e tre vengono regolarmente citate come candidate al trono nei sondaggi pubblicati sulle riviste specializzate, così come nei dibattiti tra gli spettatori.

A Lucerna, il programma ha avuto inizio con la Concertgebouw Orchestra di Amsterdam, che ha eseguito due concerti con il suo futuro direttore musicale, Klaus Mäkelä – il finlandese non ancora trentenne è considerato una stella nascente del settore. A seguire, i Berliner Philharmoniker con due serate sotto la direzione dell'attuale direttore, Kirill Petrenko, che da tempo è uscito dall'ombra dei suoi grandi predecessori, Simon Rattle e Claudio Abbado. Infine, i Wiener Philharmoniker, anch'essi con due programmi in cui l'orchestra, che tradizionalmente opera senza un direttore principale stabile, ha collaborato con Franz Welser-Möst, ex direttore musicale dell'Opera di Zurigo.

L'ambientazione di tutti e sei i concerti è rigorosamente classica; non ci sono formati innovativi, né esperimenti di sorta. Si potrebbe criticare questo aspetto, ma in questo caso, nell'atmosfera d'alta quota di questi concerti, sembra irrilevante; nell'ambito di quanto già sperimentato, si tratta di perfezionamenti finali. Ed è proprio la comparabilità della costellazione che conferisce all'incontro al vertice delle migliori orchestre del Lucerne Festival il suo fascino particolare.

Qual è attualmente la migliore orchestra del mondo?

Se la tradizione e la cultura del suono fossero l'unica considerazione, la scelta sarebbe rapidamente tra Amsterdam e Vienna. Il Concertgebouw incanta con il suo suono scuro, terroso e caldo; si può ancora percepire molto del cosiddetto suono misto del periodo romantico, in cui tutti gli strumenti si fondono armoniosamente tra loro pur rimanendo riconoscibili come singoli accenti di colore. Dopo fasi più deboli negli ultimi anni, durante le quali l'orchestra di punta olandese ha rischiato di perdere proprio questa caratteristica estetica sonora, è ora tornata alla sua tradizione esecutiva originale. Sotto la guida di Mäkelä, l'orchestra suona anche con una precisione tecnica notevolmente maggiore.

A Lucerna, tuttavia, l'ensemble di Amsterdam incontrerà un ensemble che vanta tutte queste qualità – e una in più, fondamentale: il suono degli archi, luminoso e armonioso, della Filarmonica di Vienna, che rimane il punto di riferimento tra le orchestre sinfoniche classiche – e non è un caso, poiché i suoi membri hanno accesso a un pool di strumenti particolarmente preziosi. Al KKL, questa qualità sonora è esemplificata nell'esecuzione della Nona Sinfonia di Anton Bruckner. Anche nei passaggi più rumorosi, Franz Welser-Möst mantiene un equilibrio tra gli ottoni, molto richiesti, e i violini, evitando così il temuto monocromatico ronzio a cui sono inclini le orchestre minori, soprattutto con Bruckner.

Al contrario, il suono complessivo dell'orchestra berlinese appare più neutro, meno saturo di tradizione esecutiva storica. Si può percepire come l'orchestra d'élite tedesca sia stata messa a punto con precisione da Simon Rattle e ora da Petrenko. Il prezzo da pagare è una certa freddezza e compattezza del suono, che a volte rende aspro il "tutti" concentrato. Tuttavia, l'esecuzione della Nona Sinfonia di Gustav Mahler rivela anche l'eccezionale calibro dei musicisti, molti dei quali, come il flautista ginevrino Emmanuel Pahud, intraprendono anche la carriera solistica. Tutti i problemi tecnici passano in secondo piano; sembrano quasi inesistenti, persino nell'esecuzione d'insieme eccezionalmente sottile, e questo significa molto, soprattutto considerando le partiture terribilmente impegnative di Mahler.

Nella Nona, come nella Prima di Brahms della sera precedente, ciò porta a un fenomeno affascinante: invece di lottare con le sfide del materiale, come si sente occasionalmente al Concertgebouw nella meticolosa lettura di Mäkelä della Quinta di Mahler, i berlinesi riescono a concentrarsi in ogni momento sulle più sottili sfumature espressive. Nulla qui sembra solo superficialmente carico di passione romantica; piuttosto, l'emozione è sapientemente dosata e quindi sublimata. Questo porta a una maggiore coerenza, a un sentimento di questo e di nessun altro, che tuttavia non rischia mai di cristallizzarsi nella bellezza; perché un vibrante flusso di energia è sempre palpabile, ravvivando ogni battuta.

Il violinista svizzero Christoph Streuli, membro dei secondi violini, ha spiegato il significato di questa speciale energia durante un'interessante conferenza post-concerto al KKL: la Filarmonica di Berlino, con la sua acustica moderna, richiede uno sforzo maggiore per esaltare i dettagli in modo vivido rispetto alle altrettanto famose sedi storiche dei suoi concorrenti, il Concertgebouw e la Sala d'Oro del Musikverein di Vienna. Queste due sale sono considerate esempi eccellenti di acustica plasmata dal suddetto ideale sonoro romantico. Secondo Streuli, questo garantisce che la musica risulti molto vivida e ricca di sostanza; pertanto, a differenza della Filarmonica di Berlino, qui è persino richiesta una certa moderazione.

Questo consiglio pratico spiega forse l'effetto un po' contraddittorio delle due apparizioni come ospiti della Filarmonica di Vienna. Mentre la Nona di Bruckner e la Suite "Lulu" di Alban Berg beneficiavano della serenità e della naturale trasparenza del variopinto suono orchestrale la prima sera, la sobrietà era esagerata il giorno seguente.

La "Praga" di Mozart qui si cristallizza in tutta la sua bellezza, come un oggetto da museo in una teca. Si parla troppo poco della vicinanza di Mozart al palcoscenico, al canto e del suo talento compositivo incessantemente creativo. Ciò potrebbe anche essere dovuto al fatto che a Vienna si è ancora restii ad accogliere intuizioni rivoluzionarie provenienti dalla prassi esecutiva storica, come l'affinamento dell'articolazione o la formulazione retorica delle frasi. Questa è una prassi consolidata da decenni, non solo negli ensemble che riproducono i suoni dell'epoca; ensemble come la Tonhalle Orchester di Zurigo hanno da tempo abbracciato questi e altri sviluppi stilistici. Lo stile mozartiano viennese, un tempo celebrato, appare solo nobilitato al confronto; è ormai superato.

L'interpretazione viennese della "Sinfonia patologica" di Čajkovskij, d'altra parte, merita di essere discussa: Welser-Möst alleggerisce l'impatto di un'opera fortemente autobiografica, in cui, secondo un'interpretazione comune, Čajkovskij avrebbe anticipato la sua misteriosa morte pochi giorni dopo la prima. Questo retroscena a volte pesa molto sul brano. Welser-Möst punta quindi a un tono più pratico, presentando il brano con chiarezza formale e una serenità quasi classica. Momenti chiave, come il battito cardiaco che si spegne alla fine, risultano tuttavia molto eloquenti.

Tuttavia, è qui che diventa tangibile la differenza cruciale rispetto alla competizione berlinese: mentre lì, soprattutto in Mahler, ogni dettaglio risplende di passione interiore, i viennesi sembrano indifferenti alla propria musica. A tratti, sembra quasi che si guardino suonare – poche orchestre possiedono la padronanza tecnica per questo. Ma questo approccio non permette di penetrare il nucleo emotivo della musica. Pertanto, nel complesso, nella competizione di Lucerna tra ensemble di alto livello, Berlino esce vittoriosa.