Les 41 meilleurs films sur Netflix en ce moment (juillet 2025)

Netflix propose une multitude de films à regarder. Peut-être même trop . Trouver le bon film au bon moment peut parfois sembler impossible. Laissez-nous vous aider. Vous trouverez ci-dessous une liste de nos films préférés actuellement disponibles sur la plateforme de streaming : des drames aux comédies en passant par les thrillers.

Si vous préférez la télévision, découvrez notre sélection des meilleures séries sur Netflix. Envie d'en savoir plus ? Découvrez nos listes des meilleurs films de science-fiction , des meilleurs films sur Amazon Prime et des meilleurs films sur Disney+ .

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Le trio Huntr/x est au sommet de son art. Non seulement c'est le groupe féminin le plus apprécié au monde, mais grâce à leur rôle secret de défenseurs de la Terre contre les forces démoniaques, ils sont sur le point de sceller définitivement un mal ancestral. Malheureusement, la chanteuse Rumi (Arden Cho) cache quelque chose à ses camarades Mira (May Hong) et Zoey (Ji-young Yoo), et son sombre secret pourrait bien les séparer au moment même où elles affrontent leurs plus redoutables adversaires : un boys band maléfique mené par le diaboliquement beau Jinu (Ahn Hyo-seop). Mêlant la pop pastel de Jem and the Holograms , l'action monstreuse de Buffy et suffisamment de mélodies K-pop pour faire frémir Blackpink, Kpop Demon Hunters est un film d'été parfait pour les enfants et les familles, une aventure animée brillamment animée, aussi rafraîchissante et mémorable que ses numéros musicaux énergiques.

Écrit et interprété par Ali Wong et Randall Park, Always Be My Maybe raconte l'histoire de deux amis d'enfance inséparables dont les vies basculent radicalement après un rendez-vous douloureux à l'adolescence. Wong incarne Sasha Tran, une cheffe superstar dont la carrière fulgurante masque à peine les failles de sa relation chancelante. Park, quant à lui, incarne Marcus Kim, dont les ambitions ne l'ont mené qu'au bar du coin et à l'entreprise de climatisation de son père. Le destin – et une apparition étrange de Keanu Reeves – conspirent pour réunir les deux protagonistes dans un film qui, enfin, sort les Américains d'origine asiatique du casting cliché d'Hollywood et les plonge dans une comédie romantique réfléchie et hilarante.

En 1966, Nora (Lucero) et Héctor (Benny Ibarra), deux physiciens, sont partenaires à part entière à l'Université du Mexique, même si leurs collègues ne voient en Nora qu'une simple assistante de laboratoire d'Héctor. Ils percent alors le secret du voyage dans le temps et se catapultent en 2025, où ils échouent. Alors qu'ils s'émerveillent tous deux des progrès accomplis par l'humanité en un demi-siècle, Nora est ravie de retrouver son ancienne protégée Julia (Ofelia Medina), aujourd'hui doyenne de l'université. Mais alors qu'Héctor cherche désespérément à retrouver le confort et le prestige dont il jouissait autrefois, leur relation commence à se dégrader. Plus comédie romantique que science-fiction, ce voyage dans le temps est teinté d'une touche douce-amère.

Lorsque Tess (Georgina Campbell) découvre son Airbnb dans un quartier mal famé, occupé en même temps que Keith (Bill Skarsgård), vous pensez probablement savoir où Barbarian vous mène. Mais non, et préparez-vous à tout ce qui va suivre. Écrit et réalisé par Zach Cregger (qui s'éloigne radicalement de son passé comique), Barbarian évolue constamment, jouant avec les clichés du cinéma d'horreur et les subvertissant régulièrement. Intelligemment écrit, brillamment filmé et psychologiquement perturbant à plusieurs niveaux, Barbarian est un film véritablement terrifiant dans le canon de l'horreur moderne.

Le Dr Nan-young Joo est désespérée de suivre les traces de sa défunte mère astronaute et d'atteindre Mars. Jay est un travailleur à temps partiel un peu paresseux, qui aspire vaguement à devenir musicien. Dans ce film d'animation coréen du réalisateur Han Ji-won, ils deviennent un couple d'amoureux maudits, liés par leur amour de la musique. Si l'aspect science-fiction du film donne lieu à des visuels spectaculaires, de la vue futuriste mais plausible de Séoul en 2051 aux séquences véritablement cosmiques, presque psychédéliques, où Nan-young s'aventure dans l'espace, le cœur de l'histoire réside dans les moments plus calmes et significatifs entre les personnages principaux. Absolument exquis.

Pour ses amis, Gil Bok-soon (Jeon Do-yeon) est une dirigeante d'événements à succès et une mère célibataire dévouée à sa fille Jae-yeong (Kim Si-a). En réalité, elle est la star de MK Ent, une agence d'assassinats, où sa capacité quasi surhumaine à prédire chaque étape d'une situation critique lui a valu un taux de réussite de 100 % et une réputation légendaire. Seul problème : elle envisage de prendre sa retraite à la fin de son contrat, une décision qui l'expose aux menaces de ses ennemis mécontents comme de ses collègues ambitieux. Si le titre et le scénario évoquent vaguement Kill Bill de Quentin Tarantino, le réalisateur Byun Sung-hyun propulse cette épopée d'action coréenne vers des sommets vertigineux avec certains des combats les plus impressionnants portés à l'écran depuis… Kill Bill .

Lorsque Mary Smith s'installe dans la propriété de sa grand-tante dans la campagne anglaise, elle s'ennuie terriblement, jusqu'à ce qu'elle découvre une fleur rare qui ne fleurit qu'une fois tous les sept ans et qui est convoitée par les sorcières pour ses propriétés magiques. Bientôt, elle est transportée au Collège d'Endor, une académie de sorcières cachée dans les nuages. Mais l'accueil chaleureux qu'elle reçoit de la part de cette faculté fantaisiste cache de sinistres secrets et une sombre ambition de la directrice, Madame Mumblechook, qui met en danger le seul ami de Mary, Peter. Adapté du roman de Mary Stewart , Le Petit Balai, et réalisé par Hiromasa Yonebayashi ( Arrietty, Quand Marnie était là ), Mary et la Fleur de la Sorcière est un merveilleux film à voir en famille, palpitant pour les enfants, suffisamment complexe pour les plus grands, et magnifiquement animé du début à la fin.

Kazuya Takaichi (Tsuyoshi Kusanagi) est le conducteur du Shinkansen Hayabusa 60, qui relie Shin-Aomori à Tokyo. Un travail tout à fait normal, jusqu'à ce qu'un terroriste découvre une bombe à bord, qui explosera si le train ralentit en dessous de 100 km/h. Alors que les autorités se précipitent pour arrêter l'agresseur et secourir les passagers, Kazuya est contraint d'assurer la sécurité de tous les passagers. Qu'est-ce que c'est ? C'est juste Speed dans un train japonais ? Non, Speed n'était que le train à grande vitesse original de 1975 dans un bus américain, et cette version moderne est à la fois un remake et une suite de ce classique avec Sonny Chiba. Mais c'est plus qu'un thriller d'action divertissant : le réalisateur Shinji Higuchi savoure l'occasion de se moquer des politiciens acharnés, paralysés par les procédures bureaucratiques pour répondre à la crise (ce qui n'est pas surprenant pour ceux qui ont vu Shin Godzilla en 2016, qu'il a coréalisé avec Hideaki Anno). Action à grande vitesse, littéralement explosive, avec une touche satirique, Bullet Train Explosion est une explosion (désolé).

Si l'attente d'environ 4 738 ans entre les saisons de Stranger Things vous laisse un vide, ce documentaire sur les coulisses de la production du spectacle The First Shadow, dans le West End, pourrait bien y contribuer. Bien que le film ne dévoile pas toute la production – il s'agit d'un préquel se déroulant en 1959 et explorant comment la paisible ville de Hawkins est devenue le berceau de l'horreur –, il offre un aperçu fascinant de la prouesse technique qui a permis de donner vie à la série et de la collaboration entre le réalisateur Stephen Daldry ( Billy Elliott , The Crown sur Netflix) et la légendaire productrice de théâtre Sonia Friedman, avec les frères Duffer, pour ancrer le tout dans l'histoire et la tradition de la série.

Cette magnifique interprétation animée du concept d'amis imaginaires est une fable fantaisiste, riche en images époustouflantes et en idées brillantes. Adapté du livre d'AF Harrold, L'Imaginaire suit la jeune Amanda et son meilleur ami Rudger, né de son propre esprit, alors qu'ils partagent d'innombrables aventures. Mais à mesure qu'Amanda vieillit, Rudger fait face au destin de tous les Imaginaires : disparaître à mesure que leurs humains l'oublient. Dernier film du réalisateur Yoshiyuki Momose ( Mary et la Fleur de la Sorcière ) et du Studio Ponoc, successeur spirituel du puissant Studio Ghibli, c'est une ode saisissante au pouvoir de l'imagination et de l'amitié.

Quand l'économie de l'au-delà consiste à terroriser les vivants, la mort devient un véritable enfer capitaliste. Dans Dead Talents Society , les « fantômes » Catherine (Sandrine Pinna) et son ancienne protégée Jessica (Eleven Yao) se disputent glamour et prestige dans l'au-delà en inventant de nouvelles façons d'effrayer les mortels. Tandis qu'une nouvelle venue, connue sous le nom de Rookie (Gingle Wang), peine à se faire remarquer par la moindre frayeur – et risque de disparaître complètement si elle ne parvient pas à gagner sa place de morte-vivante. Comédie d'horreur satirique et mordante, se moquant de tout, de la télé-réalité à la culture du trafic, cette production taïwanaise du scénariste et réalisateur John Hsu surpasse Beetlejuice à son propre jeu.

Un week-end d'escapade dans une luxueuse location de vacances pour Amanda, Clay et leurs enfants, Archie et Rose, prend une tournure sinistre suite à une panne de courant inexplicable. Lorsque le propriétaire, George, et sa fille Ruth rentrent plus tôt que prévu, les soupçons s'intensifient. Mais un troupeau de cerfs grandissant rôdant devant la maison, des véhicules en panne et des signalements d'attaques dispersés aux États-Unis obligent les deux familles à compter l'une sur l'autre face à ce qui pourrait être la fin du monde. Adapté du roman éponyme de Rumaan Alam, et avec un casting prestigieux comprenant Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la et Kevin Bacon, ce film se plaît à maintenir le public aussi incertain que ses personnages, à expliquer peu et à laisser des questions qui vous hantent pendant des jours.

L'évolution de Miles Morales (Shameik Moore) en tant que Spider-Man se poursuit dans cette suite phénoménale du film oscarisé « Into the Spider-Verse » , mais cette fois, le voisinage du tisseur de toiles est bien plus vaste et bien moins accueillant. Introduit dans une « Spider Society » multiversale dirigée par l'imposant Spider-Man 2099 (Oscar Isaac), Miles découvre qu'il est le seul Spider-Man à ne pas être invité, et qu'une tragédie inévitable l'attend. Encore plus ambitieux visuellement que son prédécesseur, chaque réalité alternative – et les héros qui y vivent, dont Gwen Stacey Spider-Woman (Hailee Steinfeld), Spider-Man India (Karan Soni) et Spider-Punk (Daniel Kaluuya) – étant animés par des styles de conception et d'animation distinctifs, « Across the Spider-Verse » est une aventure d'une ambition presque indescriptible. C'est aussi un film qui allie spectacle pur et dur et conflits plus sombres et émotionnels pour Miles, n'offrant ni à lui ni aux spectateurs de réponses faciles. Un film si brillant que l'attente du troisième volet, Beyond the Spider-Verse , devient chaque jour plus douloureuse.

Ce film de monstres géants, joyeusement divertissant, abandonne Tokyo ou New York pour se dérouler dans la Norvège natale de Roar Uthaug ( Tomb Raider , 2018), avec un troll titanesque se dirigeant vers Oslo après avoir été réveillé par une opération de forage. Si l'intrigue et les personnages seront familiers à tout amateur de cinéma kaiju, les visuels nordiques saisissants et la capacité de la menace éponyme à se fondre dans le paysage permettent des rebondissements d'une originalité impressionnante. Alors que Troll aurait facilement pu tomber dans la parodie, Uthaug évite la suffisance et tient ses promesses. Avec une suite prévue pour fin 2025, c'est le moment idéal pour revisiter l'une des versions les plus innovantes du genre depuis des années.

Il est rare de trouver des classiques sur Netflix – l'algorithme est forcément alimenté par la nouveauté – et la disponibilité du brillant film d'apprentissage d' Alfonso Cuarón de 2001 est donc un véritable enchantement. Se déroulant au Mexique en 1999, Y Tu Mamá También (« Et ta mère aussi ») suit Tenoch (Diego Luna), un jeune homme riche, et son ami Julio (Gael García Bernal), issu de la classe ouvrière, lors d'un road trip avec Luisa (Maribel Verdú), l'épouse du cousin de Tenoch. Au cours de ce voyage, les jeunes hommes – encore des garçons, en réalité – rivalisent pour attirer l'attention de la belle femme plus âgée, se piègent dans des mensonges et tentent de survivre grâce à une confiance imméritée, tout en prétendant se rendre sur une plage de rêve qu'ils ont inventée. Mais pourquoi Luisa, bien plus mature et expérimentée, les aurait-elle suivis ? Emportez des mouchoirs. Bien que le film ait suscité la controverse pour sa représentation franche du sexe et de la drogue (ce n'est pas un film pour une soirée cinéma en famille), il reste un chef-d'œuvre ; un examen tapageur et trop réel des jeunes amitiés et de la masculinité fragile.

Le thriller poignant de 2019 du réalisateur Bong Joon-ho est le premier film non anglophone à remporter l'Oscar du meilleur film, et la raison est on ne peut plus claire. Son exploration sombre des disparités économiques et sa condamnation des excès capitalistes se concentrent sur le contexte sud-coréen, mais trouvent un écho auprès du public international. Parasite suit la famille Kim, en difficulté, tandis que chacun s'infiltre dans la vie des riches Parks, se faisant passer pour des domestiques pour vivre dans un luxe excessif avant que leur tromperie ne devienne incontrôlable. D'une certaine manière, le film est aussi d'un humour noir, se moquant de l'ignorance des classes aisées, tant à l'égard de leurs propres privilèges qu'à l'égard du désespoir des pauvres. D'un bout à l'autre, le film est magnifiquement filmé et rythmé avec brio, Bong augmentant habilement la tension à chaque scène jusqu'à ce que tout se rapproche d'une conclusion apparemment inévitable, tout en parvenant à déformer et à subvertir les attentes du public. Œuvre cinématographique spectaculaire qui mérite le battage médiatique, cette analyse des classes et des inégalités est plus pertinente que jamais.

Un film se déroulant à Noël est-il en soi un film de Noël ? Ce débat fait rage autour de Die Hard depuis des décennies. Carry-On pose aujourd'hui la même question. Ce thriller entraînant, réalisé par Jaume Collet-Serra ( La Maison de cire et Black Adam) , met en scène l'agent de la sécurité des transports (TSA) Ethan Kopek (Taron Egerton) pris dans une situation infernale la veille de Noël, victime du chantage d'un mercenaire connu sous le nom du Voyageur (Jason Bateman) qui le force à laisser passer un colis mortel. S'ensuit un jeu du chat et de la souris mortel alors qu'Ethan tente d'arrêter le Voyageur, la vie de sa petite amie, Nora (Sofia Carson), étant en jeu. Le film est parfois pulpeux et ringard, mais ce film d'action rétro est forcément divertissant.

La fécondation in vitro peut paraître aujourd'hui une procédure médicale relativement banale, qui a apporté espoir et famille à d'innombrables personnes en difficulté pour concevoir un enfant. Pourtant, lorsqu'elle a été développée par un trio de scientifiques et de médecins britanniques dans les années 1960 et 1970, elle a suscité une vive controverse. C'est un matériau puissant pour cette dramatisation, qui retrace le travail de l'infirmière et embryologiste Jean Purdy (Thomasin McKenzie), du scientifique Robert Edwards (James Norton) et du chirurgien Patrick Steptoe (Bill Nighy), alors même qu'ils sont diabolisés par le public, le gouvernement britannique et même – peut-être surtout – l'Église. McKenzie, en particulier, est brillante dans le rôle de Purdy, déchirée par son propre conflit religieux, alors qu'elle s'impliquait dans ce travail transformateur, qui impliquait également de fournir des soins d'avortement sans risque aux femmes qui en avaient besoin, et luttant contre l'ostracisme qu'elle subit de la part de sa famille et de sa communauté. Un drame puissant et provocateur, même aujourd'hui.

Un tueur en série est choisi pour incarner un célibataire dans un jeu télévisé de séduction, ce qui lui permet d'évaluer sa prochaine victime potentielle devant le public. Ce serait une mise en scène tordue pour un film d'horreur, mais ce qui est horrifiant dans « La Femme de l'Heure » , c'est qu'il est basé sur le cas réel de Rodney Alcala, candidat à « Le Jeu de la séduction » en 1978, alors qu'il était au cœur d'une série de meurtres. Cette dramatisation n'est cependant pas centrée sur le tueur. Pour ses débuts en tant que réalisatrice, Anna Kendrick se concentre plutôt sur Sheryl (interprétée par Kendrick, d'après la vraie Cheryl Bradshaw), celle qui a eu le malheur de se retrouver avec Alcala (Daniel Zovatto), et sur les femmes qui ont dénoncé ou soupçonné le tueur, pour finalement être systématiquement ignorées par les autorités. Un thriller haletant qui montre clairement que la véritable horreur réside dans la facilité avec laquelle Acala a échappé à l'attention pendant si longtemps.

Will Ferrell n'a probablement pas besoin d'être présenté, mais en tant qu'ancien scénariste en chef de Saturday Night Live , Harper Steele est plus habitué à la vie derrière la caméra. Ayant rejoint l'émission à succès la même semaine en 1995, ils ont noué une amitié de plusieurs décennies. Ainsi, lorsqu'Harper a écrit à Ferrell pour lui annoncer sa transition vers une vie de femme, ce fut un grand changement pour eux deux. Cela a également servi de base à ce magnifique documentaire de road trip, touchant et souvent hilarant, qui suit le duo à travers les États-Unis dans une vieille Jeep Grand Wagoneer, renouant des liens et découvrant à quoi ressemble leur amitié aujourd'hui. Le visionnage est parfois gênant – certaines questions de Ferrell brouillent la frontière entre obscène et simplement grossièreté – mais c'est un voyage brut et authentique pour eux deux. Au-delà des touches personnelles, Will & Harper offre un aperçu actuel de ce que l'Amérique représente pour une personne trans aujourd'hui, ce qui en fait probablement l'un des documentaires les plus importants produits par Netflix.

Alors que leur père approche de la fin de sa vie, les sœurs Rachel (Natasha Lyonne), Katie (Carrie Coon) et Christina (Elizabeth Olsen) sont contraintes de renouer le contact en attendant l'inévitable. Un scénario sombre, mais aussi un terrain propice aux performances magistrales du trio principal : Rachel a assumé la majeure partie des soins pendant des mois, Katie a des exigences impérieuses malgré son refus de la situation, et Christina, résolument new-age, tente de maintenir la paix, malgré ses limites. C'est presque une pièce close, l'appartement piégeant les femmes, les forçant à accepter non seulement la mort de leur père, mais aussi leurs propres relations, tandis que Vincent (Jay O. Sanders) les hante avant même sa disparition. La mort pourrait bien planer sur le drame du réalisateur Azazel Jacobs, mais Ses Trois Filles s'avère finalement étrangement porteur de vie.

Lorsque Seita et sa jeune sœur Setsuko se retrouvent orphelins suite au bombardement de Kobe durant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale, ils sont contraints à des conditions terribles pour survivre. Coincés entre une famille élargie abusive et le désespoir absolu de fouiller les ruines de leur ville natale détruite, leur existence est sombre, et c'est aussi le point de départ de l'une des plus belles œuvres du Studio Ghibli. Réalisé par Isao Takahata d'après une nouvelle d'Akiyuki Nosaka, Le Tombeau des Lucioles explore sans complexe la façon dont la guerre et le nationalisme rongent les plus vulnérables, tout en étant ponctué de moments d'amour indéfectible alors que Seita tente de protéger l'innocence de Setsuko. Ce drame de guerre poignant est un visionnage à la fois sobre et essentiel, un film qui a largement mérité sa place parmi les meilleurs films du Studio Ghibli .

Lorsque des policiers corrompus chassent Terry Richmond (Aaron Pierre) de la route pour avoir fait du vélo alors qu'il était noir, ils saisissent également l'argent qu'il comptait utiliser pour payer la caution de son cousin. Malgré l'injustice, Terry tente de respecter les règles, mais le système judiciaire se retrouve presque tous contre lui. À bout de patience et poussé par une colère immensément justifiée, il entreprend de déraciner la petite ville, aidé seulement par la greffière Summer (AnnaSophia Robb). Le scénariste et réalisateur Jeremy Saulnier aurait pu faire de Rebel Ridge un simple First Blood des temps modernes, mais si les scènes de combat sont nombreuses et viscérales, c'est le regard justement cinglant du film sur les failles du système judiciaire américain qui donne tout son mordant, tout en consolidant la réputation de Pierre comme une star de l'action à suivre.

Dans ce film de créatures français, tellement sérieux qu'il en devient ridicule, Bérénice Bejo incarne Sophia Assalas, spécialiste des sciences marines, qui traque un requin-taupe mako qui a non seulement muté spontanément pour survivre dans les eaux douces de la Seine, mais qui est aussi sur le point de donner naissance à une multitude de bébés requins mangeurs d'hommes. Pire encore ? Paris s'apprête à accueillir un triathlon, dont la partie natation se transformera en buffet à volonté ! Écoutez, tout dans cette liste n'a pas besoin d'être un art : parfois, il suffit de voir un requin mutant dévorer des gens pendant que des humains de plus en plus désespérés se mettent à faire exploser des trucs. Appuyez sur Lecture, éteignez votre cerveau, profitez.

Gary Johnson (Glen Powell) est un professeur de philosophie au caractère bien trempé, et un tueur à gages. Enfin, pas tout à fait. Il se fait simplement passer pour tel, collaborant avec la police de La Nouvelle-Orléans pour piéger les personnes qui cherchent à engager un tueur à gages. C'est un rôle qu'il maîtrise étonnamment bien, mais lorsque Madison (Adria Arjona) cherche à régler le problème de son mari violent, Gary commence à craquer pour elle, et les conséquences pourraient bien être fatales. Entre les mains d'un autre créateur, Hit Man aurait pu être soit trop sombre, soit tout simplement insignifiant (il est vaguement inspiré d'une histoire vraie), mais le réalisateur Richard Linklater exploite son talent pour les dialogues percutants et les personnages brillamment interprétés pour offrir une comédie d'action intelligente qui explore le rôle des individus dans la société autant qu'elle propose des erreurs d'identité.

Malgré la présence du kaiju éponyme, Godzilla Minus One est un film ancré dans l'humanité de ses protagonistes, le pilote kamikaze déserteur Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) et Noriko Ōishi (Minami Hamabe), une survivante des bombardements de Tokyo. Réunis comme une famille de fortune pour élever un bébé orphelin, leurs tentatives de reconstruire leur vie tournent au chaos lorsque le reptile irradié s'abat sur la ville alors qu'elle commence à se relever. La réinterprétation du premier kaiju japonais par le réalisateur Takashi Yamazaki a valu au Roi des Monstres son tout premier Oscar, remportant la statuette des Meilleurs Effets Visuels aux Oscars 2024. Mais ce film va au-delà du simple spectacle : c'est une analyse poignante de la vie après la guerre et de la façon dont une nation se bat pour se retrouver du côté des perdants.

Suzume Iwato (doublée par Nanoka Hara en japonais, Nichole Sakura en anglais) vit avec sa tante sur une île du sud du Japon, après avoir perdu sa mère lors du tremblement de terre du Tōhoku en 2011. Lorsqu'un beau jeune inconnu nommé Souta (Hokuto Matsumura, Josh Keaton) lui demande son chemin vers des ruines locales, elle le suit par curiosité, mais perturbe une clé de voûte vivante, libérant accidentellement un pouvoir ancestral qui menace de détruire le pays tout entier. Attirés dans le monde de Souta, les deux hommes poursuivent la clé de voûte, désormais sous la forme d'un chat, à travers le Japon dans une tentative désespérée de sceller à nouveau l'entité destructrice – une quête qui serait plus facile si Souta n'avait pas été transformé en chaise en bois pour enfant. Le dernier film de Makoto Shinkai ( Your Name, Weathering with You ), Suzume est une tranche de réalisme magique à couper le souffle avec une touche surréaliste - mais au-delà du spectacle, c'est un conte réconfortant de communauté et d'humanité, chaque étape du voyage improbable du duo étant un instantané de personnes et de familles se réunissant à la suite d'une tragédie.

Réalisé par George C. Wolfe ( Ma Rainey's Black Bottom ), ce biopic explore la vie du militant des droits civiques Bayard Rustin. Bien que mieux connu comme l'un des principaux organisateurs de la Marche sur Washington de 1963, Rustin était aussi ouvertement et ouvertement gay, à une époque où c'était extrêmement rare. Le film n'hésite pas à souligner l'aliénation de nombreux collaborateurs par cette attitude, sa sexualité étant souvent perçue comme une menace pour le mouvement. Un coup de projecteur indispensable sur une figure méconnue mais essentielle du mouvement des droits civiques, sublimée par la performance remarquable de Colman Domingo dans le rôle de Rustin lui-même.

Fuyant le Soudan du Sud déchiré par la guerre, Bol (Ṣọpẹ́ Dìrísù) et Rial (Wunmi Mosaku) vivent désormais dans une maison délabrée aux portes de Londres, harcelés par leurs voisins alors même qu'ils tentent de s'intégrer. Le couple est également hanté par les vies qu'ils ont laissées derrière eux – au sens figuré et (peut-être) au sens propre, avec des visions de leur fille Nyagak, décédée au voyage, qui apparaissent et disparaissent entre les murs de leur nouvelle maison lugubre. La véritable horreur de « Sa Maison » ne réside pas dans les visions étranges, la maison hantée ou les fantômes potentiels, mais dans la noirceur des vies que Bol et Rial sont contraints de mener, l'hostilité et la déshumanisation de la procédure d'asile au Royaume-Uni, le racisme, manifeste ou non, le tout associé à l'immense sentiment de perte qu'ils portent en eux. Mêlant le macabre au banal, le réalisateur Remi Weekes livre un film tendu et stimulant qui hantera les spectateurs autant que ses personnages.

Paul Edima (Richard Mofe-Damijo) mène une vie paisible de diacre, tentant d'expier – ou du moins d'oublier – ses anciens actes d'agent spécial hautement qualifié. Ses projets d'oublier son passé violent et sanglant s'effondrent lorsque son fils est accusé de meurtre, puis tué par une police corrompue, le forçant à se replonger dans ses anciennes habitudes pour se venger. Des nuances de Taken , certes, mais c'est l'énergie brute de la réalisatrice Editi Effiong et ses interprétations originales des formules familières du cinéma d'action qui, soutenues par l'un des budgets les plus élevés de l'histoire de « Nollywood », placent ce film brut en tête des classements des films les plus regardés jusqu'en Corée du Sud . Élargissez vos horizons cinématographiques et découvrez pourquoi.

Centré sur la boîte de nuit berlinoise éponyme , ce documentaire explore la vie des personnes LGBTQ+ durant l'entre-deux-guerres, des folles années 1920 à la montée du nazisme, jusqu'aux horreurs de la Seconde Guerre mondiale. Mêlant images d'archives, reconstitutions et témoignages, le réalisateur Benjamin Cantu dresse un tableau d'une joyeuse décadence, l'Eldorado étant un lieu quasi sacré où artistes et spectateurs expérimentaient l'expression de genre et étaient libres d'afficher ouvertement leur sexualité. C'est une ode à ce qui a été perdu, mais avec un regard sur les étranges contradictions de l'époque, où les clubbers ouvertement homosexuels portaient leurs propres uniformes nazis au fil des ans. Everything the Nazis Hate est parfois émotionnellement difficile à regarder, mais il offre un pan important de l'histoire queer que beaucoup ignorent complètement.

Wu Ming-han (Greg Hsu) n'est pas un type bien. Policier homophobe, sa vie – et ses préjugés – basculent lorsqu'il récupère une enveloppe rouge sans prétention alors qu'il enquête sur une affaire. Désormais lié par la coutume du « mariage fantôme » à Mao Mao (Austin Lin), un homosexuel décédé dans des circonstances mystérieuses, Wu doit élucider la mort de son « mari » avant de pouvoir reprendre le cours normal de sa vie. Réalisé par Cheng Wei-hao, plus connu pour ses thrillers et ses films d'horreur, Marry My Dead Body voit le réalisateur taïwanais apporter son style surnaturel à cette comédie absurde et fantomatique, un film qui transcende les frontières.

Le trafiquant de drogue Fontaine (John Boyega) a été abattu la nuit dernière. Alors pourquoi s'est-il réveillé dans son lit comme si de rien n'était ? Cette question existentielle conduit Fontaine et deux alliés improbables – la prostituée Yo-Yo (Teyonah Parris) et le proxénète Slick Charles (Jamie Foxx) – à découvrir une vaste conspiration centrée sur une ville à majorité noire appelée The Glen, où les habitants sont apaisés par un rap hypnotique, abrutis par du poulet frit et du jus de raisin imbibés de drogue, et prêchés à l'église pour les amadouer. Mais qui utilise cette ville comme boîte de Pétri, et pourquoi y a-t-il un laboratoire de clonage enfoui sous terre ? Cette satire d'une acuité mortelle du scénariste et réalisateur débutant Juel Taylor mélange magistralement les genres, de l'utilisation de motifs visuels et de clichés datés du cinéma Blaxploitation des années 1970 à ses fréquentes incursions dans la science-fiction et la comédie hilarante. Mais ce sont les performances exceptionnelles de ses acteurs principaux qui en font un film à ne pas manquer.

Nimona, métamorphe, peut prendre tout ce qu'elle veut, un don qui la fait craindre et fuir. Si la société la traite comme une méchante, elle le deviendra . Elle décide donc de devenir l'acolyte du chevalier noir détesté, Ballister Blackheart. Malheureusement pour la menace en devenir, Blackheart n'est pas tout à fait le monstre qu'on lui a fait croire, et il tente plutôt de contenir les tendances meurtrières de Nimona pour se laver d'un crime qu'il n'a pas commis – et affronter au passage son vieil ami Ambrosius Goldenloin. Adapté du roman graphique révolutionnaire de N.D. Stevenson, Nimona est plus qu'un simple roman fantastique : c'est l'histoire d'étrangers et d'exilés, de personnes qui tentent de faire le bien malgré le rejet de leur communauté, et de la joie de trouver leur propre petit groupe en chemin. Après près d'une décennie d'histoire cinématographique, ce film d'animation éblouissant est devenu un classique instantané.

Dans un monde déjà ravagé par une épidémie de zombies, Andy Rose (Martin Freeman) ne pense qu'à la sécurité de sa famille et préfère sillonner les routes rurales australiennes pour éviter la contamination. Après que sa femme a été tragiquement mordue et l'a infecté à son tour, Andy cherche désespérément un refuge pour sa fille, Rosie. À seulement 48 heures de sa mort, Andy trouve une alliée en Thoomi (Simone Landers), une jeune aborigène qui cherche à protéger son père enragé. Mais face aux menaces des survivalistes paranoïaques et aux communautés aborigènes qui traquent les infectés, il est peut-être déjà trop tard. Version originale de l'apocalypse zombie, Cargo abandonne les paysages urbains familiers du genre pour les paysages sauvages époustouflants de l'Australie et propose une approche plus lente et centrée sur les personnages de la fin du monde.

Film idyllique et décalé, « Appelez-moi Chihiro » suit une ancienne travailleuse du sexe – Chihiro, interprétée par Kasumi Arimura – qui s'installe dans une ville balnéaire pour travailler dans un restaurant de bento. Il ne s'agit pas de l'histoire d'une femme en fuite ou cherchant à échapper à son passé : Chihiro est d'une franchise rafraîchissante et sans complexe, et sa chaleur et son ouverture d'esprit changent rapidement la vie de ses voisins. Réalisé par Rikiya Imaizumi, ce drame intime et touchant alterne moments de solitude douloureuse et de joie pure, riche en émotions qui rappellent au spectateur l'importance des liens, même les plus infimes.

Daniel Craig reprend son rôle de détective Benoit Blanc dans ce brillant suivi du Whodunnit phénoménal de 2019, Knives Out . L'écrivain-réalisateur Rian Johnson élabore un nouveau cas diabolique pour «The Last of the Gentlemen Sleuths», emmenant Blanc à une escapade de l'île grecque pour un milliardaire technologique reclus et sa collection d'amis et de cintres, où un week-end mystère de meurtre prévu prend un tour meurant. Bien que totalement accessible pour les nouveaux arrivants, les fans du premier film seront également récompensés par un développement de personnage plus profond pour Blanc, un rôle qui s'annonce aussi emblématique pour Craig que 007. Aussi intelligemment écrit et méticuleusement construit comme son prédécesseur, et mettant en vedette le type de casting d'étoiles - Edward Norton! Janelle Monáe! Kathryn Hahn! Leslie Odom Jr.! Jessica Henwick! Madelyn Cline! Kate Hudson! Dave Bautista! - que les rêves de cinéma sont faits, l'oignon en verre pourrait être la meilleure chose que Netflix a chuté toute l'année.

Florence Pugh éblouit dans ce film pas tout à fait d'horreur du réalisateur oscarisé Sebastián Lelio. Situé en 1862, l'infirmière anglaise Lib Wright (Pugh) est envoyée en Irlande pour observer Anna O'Donnell, une fille qui ne prétend pas avoir mangé depuis quatre mois, subsistant plutôt sur «Manne du ciel». Toujours en deuil de la perte de son propre enfant, Lib est déchiré entre enquêter sur l'impossibilité médicale et la préoccupation croissante pour Anna elle-même. Au milieu des obstacles sous la forme de la famille profondément religieuse d'Anna et d'une communauté locale qui la se méfie, la montre de Lib descend dans une expérience tendue et terrifiante. Basé sur un livre du même nom d'Emma Donoghue, The Wonder est un morceau d'époque magnifique mais sombre qui explore les horreurs trop mortes que la ferveur religieuse et les secrets de famille peuvent provoquer.

L'un des plus grands films de l'Inde de tous les temps, RRR (ou Rise, Roar, Revolt ) redéfinit la notion de spectacle cinématographique. Situé en 1920, l'épopée historique suit les révolutionnaires indiens réelles Alluri Sitrama Raju (Ram Charan) et Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) mais fictive leur vie et leurs actions. Bien qu'ils viennent de horizons très différents, leurs similitudes les rassemblent alors qu'ils face au gouverneur sadique Scott Buxton (Ray Stevenson) et sa cruelle épouse, Catherine (Alison Doody). Pas de simples peluches d'époque, le RRR est un morceau de cinéma audacieux, excitant et souvent explosif qui élève ses héros à un statut quasi mythologique. Le réalisateur SS Rajamouli déploie des scènes d'action avec un coup brillamment tourné - et un numéro de danse exquis et chorégraphié - qui attire l'attention des téléspectateurs et refuse de lâcher prise. Que vous soyez un fan de longue date du cinéma indien ou que vous recherchiez simplement un film d'action au-delà de la norme hollywoodienne, RRR ne manque pas.

Gagnant du prix à Cannes en 2019, cette histoire de jeune amour, obsession et parties du corps autonome en plein essor est tout aussi bizarre que vous pourriez vous attendre à un film d'animation adulte français. Le réalisateur Jérémy Clapin regroupe la vie de Naoufel, un immigrant marocain dans la France moderne qui tombe amoureux du lointain Gabrielle, et la main coupée de Naoufel, qui fait son chemin à travers la ville pour essayer de reconnecter. Avec des délais qui se croisent et des discussions complexes sur le destin, j'ai perdu mon corps est souvent plié mais toujours captivant, et Clapin utilise des choix d'animation brillamment détaillés et de couleurs phénoménales tout au long. Vaut la peine de regarder dans le français original et le solide dub anglais avec Dev Patel et Alia Shawkat, celui-ci vous ose donner un sens à tout cela.

Frustré par l'inaction collective du monde sur les menaces existentielles comme le changement climatique? Peut-être ne regarde pas Don't Up Up , la comédie noire satirique du réalisateur Adam McKay. Lorsque deux astronomes de bas niveau découvrent une comète tuant la planète sur une trajectoire de collision avec la Terre, ils essaient d'avertir les autorités - seulement pour rencontrer un «Meh» collectif. Les choses ne font qu'empirer lorsqu'ils tentent de divulguer les nouvelles elles-mêmes et doivent naviguer dans les hôtes de télévision vapaides, des célébrités à la recherche d'une cause de signature et un public indifférent. Un acte d'accusation sombrement drôle de notre époque, renforcé par un casting étoilé devant Leonardo DiCaprio et Jennifer Lawrence, ne lève pas les yeux est, un peu déprimant, l'un des meilleurs portraits de l'humanité depuis l'idiocratie .