Kalorama, Jour 1 : Danser comme des enfants de la pop

Tout d'abord, abordons le sujet tabou : c'est toujours une raison de se réjouir d'avoir un groupe du calibre des Pet Shop Boys au Portugal, mais leur prestation sur la scène principale lors de ce premier jour du MEO Kalorama était la deuxième que le duo londonien donnait en l'espace de deux ans dans notre pays, toujours dans le cadre de la même tournée de grands succès, Dreamworld . En 2023, ils étaient venus au Primavera Sound de Porto ; avant cela, il faut remonter à 2010. Est-ce un cliché « il n'y a pas de faim qui ne mène à l'abondance » ? Peut-être, mais la pertinence d'avoir droit à une programmation presque identique et au même spectacle visuel est discutable, surtout si l'on considère qu'entre-temps, ils ont sorti Nonetheless en 2024, un album qui ne contenait pas une seule chanson ce soir-là.

Cependant, cette critique est probablement négligeable compte tenu de la manière dont le public – loin d'être nombreux, mais énergique – s'est livré à ce concert de près d'une heure et demie. Et ceux qui étaient à Porto il y a deux ans et qui sont revenus ici ont au moins pu assister à un meilleur concert, sans le son lent qui caractérisait le précédent. Il est vrai que les rythmes exigeaient plus de puissance et que la voix de David Tennant – qui n'a jamais été un prodige – s'est révélée parfois fragile, mais la succession de tubes des Pet Shop Boys est indéniable et pourrait résonner ici avec le triomphalisme requis.

Après tout, il s'agit d'une institution de la synth pop qui a fait de la musique synthétisée sans vergogne une forme d'art majeure – et qui, de ce fait, a laissé son empreinte partout dans les classements des chansons les plus écoutées, de Lady Gaga à Disclosure. Certes, ce qui pouvait autrefois paraître futuriste semble aujourd'hui affectueusement associé à une certaine époque, mais ce sont toujours des conclusions hâtives qui s'évanouissent en cours de concert. Certaines chansons sonnent on ne peut plus « actuelles » : « Vocal » , le morceau final, avec son pulsation presque techno, en fait partie ; le nostalgique « The Pop Kids » – peut-être le plus récent qu'ils aient joué – en est un exemple : il rappelle le passé du groupe et sonne de la même manière.

La performance a débuté avec la mélancolie propre à Suburbia, avec Tennant et Chris Lowe arborant des masques futuristes, sous deux projecteurs imitant des lampes, participant à un spectacle visuel impressionnant (ou peut-être est-ce une de leurs marques de fabrique). Ils sont restés ainsi jusqu'à ce que le panel au fond se lève et révèle trois autres membres, deux aux percussions et une claviériste, Clare Uchima, qui a connu un moment fort en remplaçant Dusty Springfield en chantant en duo « What Have I Done to Deserve This ? ».

Énumérer les classiques interprétés par le groupe sur scène est une tâche aussi épuisante qu'infructueuse, compte tenu de leur nombre. Il convient toutefois de souligner la pertinence que conservent Panimero et Rent (malgré leur apparente simplicité), la manière dont les versions de Where the Streets Have No Name (I Can't Take My Eyes Off You) et You Were Always on My Mind ont entraîné le public dans une chanson qui ne cessait de danser, et le pur délire provoqué par Domino Dancing et It's a Sin . Le rappel de West Side Girls et Being Boring n'a pas eu besoin de faire monter l'énergie d'un public déjà captivé.

Après l'échauffement, la séance de danse s'est poursuivie sur la scène San Miguel. Après Paredes de Coura , difficile pour L'Impératrice de se surpasser. Vedettes de l'un des spectacles les plus captivants et appréciés des festivals portugais de l'année dernière, le Parque da Bela Vista n'aurait jamais pu se transformer en amphithéâtre naturel du Minho — d'autant plus que nous sommes en ville, sans toute l'ambiance (et la magie) d'un festival qui nous permet d'échapper au quotidien, et que ce vendredi est un jour de travail pour beaucoup.

Le groupe français devait également relever un autre défi : L'Impératrice perdait sa chanteuse principale, Flore Benguigui, qui décida de quitter le groupe après une série de désaccords internes. Bien qu'elle ne fût pas le membre le plus important du groupe dans les compositions et la musique, elle en jouait néanmoins un rôle essentiel grâce à son charisme lors des performances.

Au MEO Kalorama, devant un public prêt à danser, mais dépourvu de l'esprit d'un festival d'été à distance, L'Impératrice a fait ce qu'elle pouvait, misant sur ses atouts. Héritiers de la French Touch, cette musique électronique française funky et joyeuse, ils s'en donnent à cœur joie avec des lignes de basse envoûtantes et des rythmes irrésistibles. En live, ils incarnent cette musique avec une virtuosité particulière, véritable orchestre de dance music.

Sur scène, les multi-instrumentistes ont échangé guitares, basses et synthétiseurs, donnant au concert une dynamique exceptionnelle. Placés majestueusement, le batteur au sommet d'une structure brillante et les claviers sur le côté, ils semblaient entourés de nombreuses lumières – et ils en tenaient une sur leur poitrine, qui changeait de couleur au gré des chansons.

La nouvelle chanteuse, Maud « Louve » Ferron, est peut-être encore novice, mais elle a su remplir son rôle de frontwoman , encourageant le public – et, après tout, la voix n'est pas l'élément le plus déterminant dans la musique de L'Impératrice, où grooves et rythmes règnent en maîtres. Une musique dansante si contagieuse que, curieusement, l'un de ses moments forts fut la seule chanson de cette nouvelle phase du groupe, Entropia , révélée cette année et qui pourrait être de bon augure pour l'avenir du collectif. Défi relevé, même si la mission de surpasser la gloire de 2024 était véritablement impossible.

« Le temps nous ridiculise-t-il ? » Telle était la question que Josh Tillman se posait à son retour au Portugal pour interpréter Father John Misty . Certes, l'Américain n'inspire plus le même dévouement canin qu'à l'époque où il s'imposait comme le nouveau grand visage de la musique indépendante – et cela se reflète peut-être dans sa position à la programmation en fin d'après-midi – mais il n'a jamais cessé de savoir offrir un bon spectacle, comme il l'a clairement démontré.

Tillman est dans notre pays depuis relativement peu de temps – il a joué au Meco en 2023 – mais quelque chose s'est produit entre ces deux années : Mahashmashana , son sixième album, célébré comme une sorte de retour et dont le nom, en sanskrit, signifie « grand lieu de crémation ». Si ce terme évoque l'introspection, ce n'est pas un hasard. Ce que nous avons vu sur la scène du Kalorama était un artiste plus mature et moins médiatisé, sobre dans ses interactions avec le public, mais conservant cette allure débonnaire d'un maître de cérémonie qui n'a besoin que d'un léger déhanché et laisse les paroles, pleines d'observations, tantôt sarcastiques, tantôt introspectives, parler d'elles-mêmes.

S'intégrant à la programmation comme des costumes sur mesure, la qualité des nouvelles chansons a compensé un concert trop court et agrémenté de trop de « hits » — s'il existe des « hits » dans l'univers indie — venus d'ailleurs, comme Holy Shit , Chateau Lobby #4 ou I'm Writing a Novel . I Guess Time Just Makes Fools of Us All , avec un début lounge, se transforme en merveille funk, tandis que She Cleans Up a affiché un swing rock comme on ne l'avait pas vu depuis longtemps. Screamland , avec un arrangement plus orchestral et un refrain dramatique chargé de réverbération , a servi d'élément central du concert, et le morceau-titre est un monument qui se classe parmi les meilleurs qu'elle ait jamais écrits.

Ce qui reste de ce concert, c'est que, là où son troubadourisme aurait pu sonner creux et chargé d'un mélange de prétention et d'honnêteté (une frontière poreuse qu'il a toujours su maintenir) il y a dix ans, lorsqu'il a émergé aux yeux du grand public avec I Love You, Honeybear , aujourd'hui, dans une ère de chaos et d'incertitude, la paire de paroles de cette chanson qui a clôturé le concert — « Tout est condamné / Et rien ne sera épargné » et « Mais tout va bien / Ne cède pas au désespoir / Parce que je t'aime, honeybear » — résonne particulièrement en 2025. Le temps peut nous ridiculiser tous, mais ce n'est pas le moment où le père John Misty est devenu une blague fatiguée.

Dans un autre genre de réflexivité, plus physique cette fois, l'attention s'est à nouveau tournée vers la scène San Miguel lorsque Sevdaliza a fait irruption sur scène. Originaire d'Iran mais élevée aux Pays-Bas, l'artiste de 37 ans a livré une performance explosive, fidèle à son image. Grande, cheveux noirs et longs, Sevdaliza est une figure séduisante et affirmée, à l'attitude décontractée. « Le Portugal occupe une place très spéciale dans mon cœur », a déclaré la chanteuse, qui s'est produite au Sónar Lisboa l'année dernière et qui entretient un lien fort avec la langue portugaise, ayant déjà enregistré des chansons en portugais, notamment grâce à la relation qu'elle a tissée avec ses fans brésiliens.

Il n'y a pas à s'y tromper : c'est une chanson entraînante et intense qui transforme l'angoisse en énergie, comme en témoignent les nombreux mots qui défilent à l'écran – « colère », « les filles sont en colère », « fait dans la douleur » – entrecoupés d'images d'armes, d'explosions, de l'agitation de la ville, du tumulte de la vie moderne. Les lumières complètent le tableau : un spectacle déconseillé aux âmes sensibles, mais qui a contribué à transformer la scène secondaire du MEO Kalorama en une piste de danse animée. Malgré ses origines iraniennes et les drapeaux palestiniens visibles dans le public, aucune mention de la guerre qui fait rage au Moyen-Orient n'y est faite.

Avec une performance entraînante et une danse incessante, Sevdaliza prouve son efficacité à conquérir le public. Mais sa pop avant-gardiste, qui devient de plus en plus électronique au fil du concert, semble vouloir aller trop loin, ce qui finit par la rendre quelque peu générique – un clin d'œil au funk brésilien, au reggaeton et à différentes sonorités de la musique électronique, allant d'un rythme des profondeurs de la techno à une esthétique plus légère semblant tout droit sortie de l'Eurovision.

Accompagnée de batterie, de claviers et d'une danseuse, Sevdaliza anticipait son troisième album original, Heroina , qui devrait sortir prochainement — Messiah, Eternity et Stripper étaient des chansons présentées pour la première fois au public portugais et qui ont certainement aussi servi à la faire découvrir pour la première fois à de nombreux festivaliers.

« Merci d'être là malgré cette chaleur, mes amis. Tant que vous êtes là, je ne retire pas mon manteau », a déclaré David Bruno, face à la température glaciale ressentie cet après-midi devant la scène du Kalorama. Mais « quand je l'enlève, vous ne l'oublierez jamais ». C'est ce qui s'est passé avant d'interpréter « Bebe e Dorme » , montrant que, sur la doublure intérieure, il y avait une image de la Capela do Senhor da Pedra à Gulpilhares, « où Nicole Scherzinger a été demandée en mariage ».

Si tout cela vous paraît étrange, c'est que vous n'avez jamais vu le rappeur et producteur en concert. On ne s'attend pas à de la virtuosité lors d'une de ses performances, hormis les solos de guitare de Marco Duarte, affectueusement surnommé Marquito, mais plutôt à un charisme naturel et à un humour désarmant, capable de faire pâlir d'envie bien des humoristes : « Chaque fois que je prépare une saucisse, je suis son tutoriel », dit-il à propos d'Isaltino Morais. Pour couronner le tout, il a un excellent hypeman , António Bandeiras, le « Robert de Niro des Caxinas », qui captive le public de manières inimaginables : il mange une banane, danse la Macarena, lance des roses depuis la scène, déchire son pantalon pour en faire un hybride jupe-short et balance les restes au public.

La formule est restée plus ou moins la même depuis ses débuts en solo — il est membre de Conjunto Corona — avec O Último Tango em Mafamude , en 2018 : rythmes langoureux, mélodies délicatement suaves qui évoquent l'huile d'olive et explorations des particularités régionales de notre beau pays, dans ses aspects les plus singuliers. En live, cependant, tout change. Prenons par exemple son arrivée armé d'un plateau en acier inoxydable, le même qu'il utilise pour présenter « Mesa para Dois » à Carpa et demander aux influenceurs de « laisser les tavernes tranquilles » : « Qui demande un cadeau là où on sert des rations journalières ? », demande-t-il.

Contrairement à ce qui s'était passé la semaine précédente, au Primavera Sound , il n'a pas pu compter sur Rui Reininho pour chanter « Tema de Sequeira » avec lui, mais il a de nouveau recruté Presto, de Mind da Gap, pour « 10 em 10 » , et Mike El Nite pour « Interveniente Acidental » et « Inatel » , ce dernier étant d'autant plus remarquable qu'ils ont chanté devant le public. À la fin, après de beaux moments de complicité avec les rares personnes qui ont bravé « des températures de merde » [ce n'était pas le mot juste] pour être avec lui, il a laissé le slogan : « Soyez fiers de votre identité portugaise, sans mépriser les autres ».

S’il s’agit d’une caractéristique mesurable, Cara de Espelho la dégage. Un an plus tard, le groupe est toujours en route pour présenter son premier album éponyme . Vêtus de noir, à l'exception du chanteur Mitó qui portait une robe rouge, ils prouvent sur scène que le titre de super-groupe n'est pas une exagération. Après tout, c'est avec ce statut qu'ils sont apparus en réunissant dans un même groupe Pedro da Silva Martins (Deolinda), son frère Luís J. Martins (également de Deolinda), Carlos Guerreiro (Gaiteiros de Lisboa), Sérgio Nascimento (Humanos, David Fonseca et Sérgio Godinho), Mitó (A Naifa) et Nuno Prata (Ornatos Violeta).

« Nous sommes Cara de Espelho et nous sommes là pour vous refléter », a commencé Mitó d'une voix claire et impeccable, sans la moindre syllabe déplacée tout au long de ce concert d'une heure. Une musique sophistiquée, composée principalement par Pedro da Silva Martins, mais avec de superbes arrangements de la part de tout le groupe. Impossible de ne pas souligner les prouesses de Carlos Guerreiro, constructeur inventif d'une série d'instruments de musique, posés sur une table et manipulés tout au long du spectacle. Ils évoquent un côté populaire, une aura mystique imprégnée dans les cornemuses et les flûtes, presque païenne.

Les paroles provocatrices reflètent la société contemporaine, mais surtout l'époque de ce jardin planté en bord de mer. Elles sont intelligentes, créatives, nobles mais pleines d'humour. Elles touchent la plaie avec classe, sont politisées mais avec une subtilité élégante, et des chansons comme Paraíso Fiscal , Fadistao , Dr. Coisinho ou les nouveaux singles — déjà sortis cette année — Elefante no Hemiciclo et O Que Esta Gente Quer ont été précisément les plus applaudies. Une musique essentielle, composée par des gens comme nous, qui reflète si bien notre époque.

Un jour où il n'y avait pas foule – Observador a demandé les chiffres officiels à l'organisation, mais ne les a pas reçus avant la publication de cet article – les Flaming Lips ont peut-être été découragés en voyant le nombre de personnes quittant la salle après le concert de L'Impératrice. Cependant, attention au temps du verbe : non seulement cela n'a pas eu lieu, car, franchement, on soupçonne que Wayne Coyne et sa troupe se seraient contentés de jouer pour cinq personnes, mais il y avait aussi un bon groupe d'irréductibles qui pensaient que le meilleur était pour la fin.

L'une des grandes institutions du rock psychédélique post-60's, le groupe mené par Coyne, est en tournée pour interpréter l'un de ses albums les plus célèbres, Yoshimi Battles the Pink Robots , dans son intégralité. Cependant, contrairement à d'autres dates, The Flaming Lips n'ont eu le temps de jouer que les 11 titres de cet album, le temps était donc compté. All We Have Is Now , l'un des derniers morceaux interprétés, a scellé ce mantra dans l'un des plus beaux moments de communion de la journée, le groupe et le public chantant à l'unisson.

« Allez, allez, continuez », étaient les mots les plus répétés par le chanteur et leader tout au long du concert, une phrase qui aurait pu paraître présomptueuse ou incertaine si elle n'était le résultat de son attitude déjantée, qui poussait sans cesse le public à réagir en conséquence. Cette folie salutaire se reflétait non seulement dans les visuels criards sur scène, mais aussi dans les robots roses gonflables, ou encore dans un ballon géant sur lequel était inscrit « Fuck Yeah Kalorama Lisbon ».

Si la première partie de Yoshimi Battles the Pink Robots a suscité des sauts de joie et une réelle appréhension, Ego Tripping at the Gates of Hell, par exemple, a invité à un moment plus contemplatif. Trompettes, basses virtuoses, guitare slide et même des rythmes inspirés du rap ont couronné un concert aussi étrange que révélateur de l'univers du rock, au-delà de trois accords liés. Après avoir révélé avoir rencontré des problèmes pendant le voyage et risquant de rater leur avion, Wayne Coyne a fait cette promesse : « Nous espérons jouer encore 100 fois à votre festival. » Nous l'espérons aussi.