Un vieil aristocrate ou un homme à bonnet ? Qui était la duchesse du tableau le plus laid de l'histoire de l'art ?

Malgré une œuvre d'art qui suscite tant d'émotions, « La Duchesse laide » est en réalité peu connue. Le texte nous renseigne davantage que les faits historiques avérés. C'est peut-être pour cette raison que l'œuvre du peintre anversois demeure si fascinante. Les conservateurs d'art estiment que cette huile sur panneau a probablement été réalisée vers 1513, dans un style typique de la Renaissance.

Le tableau, qui est essentiellement un portrait, représente une femme âgée. Son visage est clairement déformé, avec une mâchoire surdimensionnée, un nez large, une peau ridée et des traits exagérés. Malgré son apparence grotesque, la femme adopte une pose aguicheuse, cherchant à exposer sa poitrine et à paraître plus jeune que son âge réel.

En plus de l'image de la figure âgée elle-même , Massys s'est également concentré sur des détails qui facilitent grandement la compréhension du contexte de l'ensemble de l'œuvre.

Tant la tenue que les éléments qui accompagnent la figure la classent parmi les aristocrates de haut rang, voire les duchesses. Le tableau est probablement une interprétation satirique du portrait féminin , critiquant la vanité, l'attention excessive portée à l'apparence et une coquetterie inadaptée à son âge.

Massys, avec la maîtrise du détail typique des peintres hollandais, a su transmettre non seulement la matérialité, mais aussi l'appréciation morale des personnages. Que cherchait-il réellement à exprimer avec ce tableau ?

La duchesse laide, Quentin Massys, 1513 / National Gallery, Londres / VCG Wilson/Corbis / Getty Images

La « Duchesse laide » était-elle un homme ?

Certains experts affirment que le tableau représente un homme, mais cette théorie est plutôt audacieuse, compte tenu de l'approche satirique de Massys dans la création de ses œuvres. C'est la thèse avancée par Emma Capron, commissaire de l'exposition « La Duchesse laide : Beauté et satire à la Renaissance », qui ouvrira ses portes en mars 2023 à la National Gallery de Londres.

Capron a basé ses hypothèses sur les carnavals de la Renaissance, au cours desquels les hommes se déguisaient en femmes, entre autres. Compte tenu de l'approche caricaturale de Massys dans la création de ses œuvres, il pourrait s'agir d'un personnage entièrement fictif, révélant le grotesque de la Renaissance.

Est-ce la duchesse la plus laide de l’histoire de l’art ?

Au fil des siècles, diverses spéculations ont surgi quant à l'identité du personnage représenté sur le tableau. Une hypothèse répandue, datant de 1693, suggère qu'il s'agirait de Marguerite Maultasch, ou Marguerite, duchesse de Carinthie et comtesse du Tyrol au XIVe siècle , surnommée « Maultasch » , qui signifie « visage laid ». Cependant, cette théorie est discutable, car Marguerite a vécu plus de 150 ans avant la création du tableau, et son portrait n'est mentionné nulle part, ce qui rend cette identification symbolique plutôt qu'historique.

La duchesse laide, Quentin Massys, 1513 / National Gallery, Londres / VCG Wilson/Corbis / Getty Images

La « Duchesse laide » et la théorie de la maladie de Paget

En 2008, Michael Baum, professeur émérite de chirurgie à l'University College de Londres, a émis une théorie surprenante au sujet du personnage du tableau. Il pensait que la femme souffrait de la maladie de Paget, une affection qui entraîne des déformations des os du visage. Pourquoi cette suggestion ? La mâchoire proéminente et surdimensionnée, le nez déformé, les joues creuses et les lèvres visiblement gonflées et irrégulières pourraient évoquer les symptômes de la maladie de Paget. L'expert affirme que le tableau contient des détails surprenants qui pourraient confirmer que ce type de maladie a pu inspirer le peintre.

« La Duchesse laide » - ou peut-être s'agit-il d'un essai pictural ?

Certains avancent également que Massys aurait été inspiré pour cette œuvre par l'essai d'Érasme de Rotterdam « Éloge de la folie » (1509), dans lequel l'auteur se moque sans pitié des femmes qui s'accrochent à tout prix à leur jeunesse. Érasme les décrit comme « constamment coquettes », « incapables de quitter le miroir des yeux » et « n'ayant pas honte d'exposer leurs seins flasques ». Des passages très littéraux de cet essai se lisent dans le tableau.

Qu'un essai sur la Renaissance ait pu influencer le tableau est attesté par les détails minutieusement étudiés par le peintre. Le personnage est vêtu d' un élégant costume bourguignon, typique de la seconde moitié du XVe siècle, mais manifestement démodé , rappelant une tenue de jeunesse de la femme.

L'escoffion, autrefois symbole du chic aristocratique, est particulièrement frappant. Déjà démodé en 1513, date de la peinture, il suscitait plus de rires que d'admiration. Il pourrait s'inspirer d'un portrait de la princesse bourguignonne Marguerite de Bavière datant de 1410, tandis que la robe pourrait provenir d' un portrait de la princesse Marguerite d'York datant de 1475.

La duchesse laide, Quentin Massys, 1513 / National Gallery, Londres / VCG Wilson/Corbis / Getty Images

Le bouton de rose rouge qu'elle tient dans sa main est également porteur d'une signification symbolique. Généralement interprété comme un signe d'amour ou de séduction, il apparaît ici comme un substitut frustrant à l'affection, un signe avant-coureur d'un espoir « qui a peu de chances de s'épanouir ». Le portrait tout entier devient ainsi non seulement une parodie de vanité superficielle , mais aussi une réflexion amère sur le passage du temps et la solitude.

Le tableau « La Duchesse laide » faisait initialement partie d'un diptyque, dont l'autre volet représentait le portrait d'un homme âgé. Aujourd'hui, l'image originale de l'homme se trouve dans une collection privée, tandis que sa version d'atelier est conservée au musée Jacquemart-André à Paris.

La duchesse et l'homme posent tous deux leur main gauche sur le rebord de la fenêtre en marbre, donnant l'impression qu'ils dépassent le cadre du tableau, comme s'ils s'approchaient du spectateur. Ce procédé illusionniste confère non seulement une profondeur tridimensionnelle à la composition, mais accentue également le caractère théâtral de la rencontre entre les deux personnages. Il ne s'agit peut-être pas ici uniquement d'une relation amoureuse, mais plutôt d'une relation satirique.

Comme cela a déjà été établi, les deux tableaux étaient conçus pour se compléter. On sait que dès 1645, ils formaient un tout indissociable, lorsque le célèbre graveur Wenceslaus Hollar réalisa une gravure commune représentant une femme et un homme se faisant face dans un même espace. Le portrait de l'homme lui-même ne fut redécouvert que peu avant 1954 sur le marché de l'art parisien, et on ignore à ce jour quand et dans quelles circonstances le diptyque fut séparé. Des hypothèses suggèrent que la relation entre les figures pourrait faire allusion au poème allégorique médiéval français « Le Conte de la Rose ».

En réalité, personne ne sait quand, où et dans quelles circonstances l'œuvre a été créée. Les premiers documents la concernant proviennent de France, en 1810. L'œuvre fut achetée lors d'une vente aux enchères parisienne par un marchand d'art anglais, et dès lors, son sort fut lié à la Grande-Bretagne.

Au XXe siècle, le tableau appartenait à la famille Blaker, qui tenta à au moins deux reprises d'en faire don à la National Gallery de Londres. L'un de ses membres, Hugh Blaker, le qualifia un jour de « portrait le plus laid du monde ». Bien qu'il ait envisagé de le vendre, la vente ne se concrétisa jamais.

Finalement, son héritière, Jenny Blaker, a décidé de faire don du tableau à la collection de la National Gallery, où il se trouve depuis 1947.

Pendant de nombreuses années, on a cru que le tableau pouvait être une copie ou une interprétation picturale d'un dessin perdu de Léonard de Vinci. Cette croyance reposait sur sa ressemblance avec les têtes caricaturales caractéristiques souvent attribuées à Léonard. Ses croquis de figures grotesques aux visages déformés et aux expressions faciales exagérées étaient très populaires auprès des artistes et des collectionneurs, et on pensait que Massys s'en était peut-être inspiré.

Cependant, les recherches contemporaines et l'analyse chronologique des œuvres suggèrent de plus en plus une influence inverse. Massys est aujourd'hui considéré comme un pionnier de cette convention, et ses croquis et portraits grotesques originaux étaient peut-être connus en Italie et influençaient le cercle des étudiants de Léonard. Ainsi, plutôt que de copier le maître italien, Massys lui-même pourrait avoir été l'un des premiers artistes à considérer la laideur comme un sujet artistique distinct.

Le personnage du tableau de Massys a inspiré directement John Tenniel pour les illustrations du roman classique de Lewis Carroll, « Alice au pays des merveilles » (1865). L'excentrique duchesse, l'un des personnages les plus marquants du livre, présente des traits distinctifs de l'original de Massys.

Sa coiffe de selle grotesque, presque littéralement transposée sur papier, est particulièrement distinctive. Bien que Tenniel ait quelque peu adouci la beauté de son héroïne, il a conservé ses expressions faciales caricaturales et son imitation théâtrale, créant un personnage à la fois comique et dérangeant. C'est ainsi que le grotesque pictural du début du XVIe siècle a pénétré le monde de la littérature jeunesse, gagnant une nouvelle vie culturelle dans l'un des livres les plus célèbres de tous les temps.