Las 25 mejores películas de 2025 (hasta ahora)
Estamos en pleno verano, y Nueva York, tras una ola de calor brutal y maloliente, sigue otra ola de calor brutal y maloliente. Y las noticias ... bueno, ya las conocen. Pero el lado positivo... ¡risas! Sí, risas. ¡En el cine! Ya lo sé. Estamos en pleno verano. Las películas no son divertidas en pleno verano . Bueno, este año... ¡¿sí lo son?!
He estado aquí afuera, en la oscuridad, riendo, riéndome, riendo a carcajadas, y, sí, incluso riendo un poco y haciendo ji-ji. Y debo decirles que, ya sea con las risas simples y los juegos de palabras maravillosamente ridículos de "Agárralo como puedas" o con las carcajadas más duras que me provoca la sátira demasiado real de Eddington , me siento genial. Y este mes, las risas seguirán llegando gracias a la que podría ser mi película favorita del año, la absolutamente loca "Splittsville" , así como la pícaramente divertida "Lurker" .
También ha habido algunas películas geniales recientes que no son tan cómicas. El excelente nuevo documental de Reid Davenport, Life After , es un buen recordatorio de la cruel sociedad en la que vivimos, al igual que Sorry, Baby , de Eva Victor (que, por cierto, tiene algo de humor). Y 28 Years Later podría haberme convertido en un fanático de las películas de zombis. En fin, aquí están todas mis otras películas favoritas de 2025 hasta ahora.
Lo admito: no esperaba que la mejor comedia de estudio en años tuviera a Liam Neeson como protagonista en un reboot de la franquicia "Apuñala como puedes ser" . ¡Pero aquí estamos! ¡Y qué alegría! El coguionista y director Akiva Schaffer aporta el absurdo juguetón de los sketches de Lonely Island a una parodia bastante implacable de la policía, los ricos de la tecnología y los clichés de Hollywood. La película da en el clavo, y lo hace con la sincronización perfecta, pero es su humor lo que me hizo reír a carcajadas, ya fuera con un poco de chili dogs o un muñeco de nieve malvado.
La última película de Ari Aster ha sido un rotundo fracaso comercial y ha polarizado profundamente a la crítica. Es fácil entender por qué: ¿quién quiere revivir el implacable y desenfrenado estruendo de 2020? Eddington es una película difícil de ver, pero me pareció sorprendentemente entretenida: un ejercicio de género que alterna entre la comedia, el thriller de conspiración y la acción. Aster captura la energía tóxica de la pandemia, burlándose de los excesos y la histeria tanto de la izquierda como de la derecha. Pero esto no es un ejercicio de doble filo. Aster tiene un objetivo mayor en mente: internet. A Aster le gusta decir que Eddington es una película sobre la construcción de un centro de datos, y no es solo una broma. Esta es una película sobre cómo internet nos destrozó, y sigue destrozándonos, a todos. He pensado mucho en ello desde que la vi, e imagino que su poder se intensificará con el tiempo y la distancia.
Normalmente no soy un gran fan de los zombis, pero es difícil negar la potencia, la emoción y la intensidad de 28 años después . Al volver a trabajar juntos 23 años después de 28 días después , Alex Garland, guionista, y Danny Boyle, director, están en su mejor momento. Desde su meticulosa construcción del mundo hasta sus viscerales actuaciones y sus tensas y espeluznantes secuencias de acción, 28 años es una película de género dinámica. Sorprendentemente, también es una incisiva alegoría del Brexit.
Probablemente puedas adivinar lo horrible que le ocurrió a Agnes, interpretada con humor fácil, encanto peculiar y destellos de dolor crudo por la guionista y directora, Eva Victor. A la película le cuesta identificar el suceso, pero siempre está presente en tu mente, anticipándolo antes de que suceda y proyectando una gran sombra después. De esta manera, Sorry, Baby muestra lo difícil que es escapar por completo de la nube del trauma. Pero la película de Victor, que es fácilmente uno de los mejores debuts como directora del año, también es tierna y compasiva, y un testimonio de la belleza y el poder de la amistad.
Si me hubieras preguntado si las personas con discapacidad (o cualquier persona) deberían tener derecho a morir antes de ver Life After , habría dicho que sí. Sin embargo, el nuevo y poderoso documental de Reid Davenport desafía enérgicamente esa creencia. Davenport centra gran parte de la atención del documental en la persona que inició el debate, Elizabeth Bouvia. En 1983, a los 26 años, Bouvia, que tenía parálisis cerebral, buscó "el derecho a morir". Pero Davenport indaga mucho más profundamente que el circo legal y mediático de ese momento, cuestionando si Bouvia realmente quería morir o quería morir como alternativa a la atención inhumana que enfrentaba. Ahora, más de 40 años después del caso de Bouvia, la atención a personas como Bouvia apenas ha mejorado, y Davenport presenta argumentos sólidos de que el derecho a morir se está utilizando para alentar a los ciudadanos más caros de la sociedad a terminar con las cosas.
La ópera prima de Alexandra Simpson trata sobre un pequeño pueblo costero de Florida que se enfrenta a un huracán. Pero esta no es la típica película de catástrofes. Al igual que otras películas del Colectivo Omnes (más recientemente, Eephus y Nochebuena en Miller's Point ), esta es una película coral lenta y atmosférica. Simpson cautiva al capturar los sonidos e imágenes de la calma antes de la tormenta, con un toque de nostalgia y una sensación de soledad a la vez.
Si te preguntabas si las travesuras de Tim Robinson podrían sostener un largometraje, la respuesta es un rotundo sí, aunque profundamente incómodo. El debut del director Andrew Deyoung subvierte brillantemente las comedias de colegas de principios de los 2000 (incluso eligiendo a Paul Rudd para el papel de nuevo amigo), destacando las fracturas de la masculinidad moderna. Más allá de su incisividad, Friendship es... Simplemente una de las comedias más divertidas de los últimos años.
David Cronenberg escribió The Shrouds después de que su esposa de muchos años muriera de cáncer en 2017, y ha reconocido que la película se inspiró en su propia experiencia de duelo. Pero la película se centra menos en el dolor de perder a un ser querido y más en cómo las personas canalizan ese dolor. Karsh (un Vincent Cassel al estilo de Cronenberg), un adinerado "productor de videos industriales", abre un cementerio que es pionero en una tecnología llamada GraveTech. Permite a los seres queridos ver a los difuntos descomponerse en sus tumbas a través de una aplicación en su teléfono. Karsh afirma que es reconfortante ver a su esposa descomponerse. Pero cuando el cementerio es vandalizado, Karsh se consume por las conspiraciones. Si todo esto suena bastante macabro, lo es, pero también es astutamente divertido y uno de los retratos más verdaderos de cómo el duelo tiende a mutar.
Existe un género pequeño, pero en crecimiento lento, de películas de hombres perdedores que caminan por el bosque. Y con el debido respeto a Old Joy, de Kelly Reichardt, y Good One, de India Donaldson, los hombres en esas películas no se comparan con Derek (Joel Potrykus) y su mejor amigo Marty (Joshua Burge), los protagonistas de la cruda y ácida Vulcanizadora , de Potrykus. Aquí, las fechorías del pasado engendran nuevas y horribles. Aunque la película puede ser oscuramente cómica, Potrykus trata a estos personajes con objetividad y empatía.
Hay que admirar a Ryan Coogler por lanzarse a por todas. Su último éxito de taquilla sigue a dos gemelos gánsteres, Smoke y Stack (ambos interpretados por Michael B. Jordan), mientras se preparan para organizar una fiesta para la comunidad no blanca en el Mississippi de la época de las Leyes Jim Crow. Su joven primo Sammie (un fantástico Miles Catton), un talentoso cantante e hijo de un predicador, se une para tocar blues. Pero a mitad de la película —y de la fiesta— la situación da un giro dramático. Coogler usa el género como metáfora racial, utilizándolo de una manera tan entretenida como inteligente.
A menudo, los documentales musicales emulan el estilo del artista que buscan capturar. Alex Ross Perry toma un enfoque diferente con su retrato inventivo de la banda de rock indie de los 90 Pavement: Le da el máximo esfuerzo a estos íconos holgazanes. La opinión de Perry sobre la banda, a la que claramente ama entrañablemente, es que contiene multitudes. Captura las diversas facetas de Pavement canalizando una parte central del espíritu de la banda: la ironía. Dentro del documental, Perry presenta un musical real, una película biográfica falsa y una instalación de museo emergente. Entreteje las diversas piezas con una estructura que dice haber tomado prestada de Dunkerque . Es un intento de burlarse de las formas en que los artistas queridos, desde Queen hasta Bob Dylan y Bruce Springsteen, sacan provecho de la propiedad intelectual hagiográfica. Pero también proporciona un estudio divertido y reflexivo de la banda.
Similar a The Shrouds , el duelo abre la puerta a la búsqueda conspirativa en el debut narrativo de micropresupuesto de Courtney Stephens. La película nació de una colaboración con la actriz y escritora Callie Hernandez, quien interpreta a Carrie, la hija de un defensor de la salud alternativa con mentalidad conspirativa. Cuando el padre de Carrie muere, ella hereda una patente para un dispositivo de curación experimental. En su búsqueda de respuestas sobre el dispositivo, y, en realidad, sobre su padre, se encuentra con varios conocidos de él (un quién es quién de los cineastas independientes) en su pequeño pueblo del noreste. La película, que incluye imágenes del difunto padre de Hernandez, captura el ritmo lento y mundano de la vida después de la muerte de un ser querido, así como la forma en que el duelo engendra pensamiento mágico.
El primer largometraje de Sarah Friedland, Familiar Touch , parte de una premisa familiar: Ruth (Kathleen Chalfant), una cocinera jubilada, padece demencia, y ella y su familia deben afrontar la situación mientras ella se adapta a un nuevo estilo de vida. La película cumple con muchos de los puntos que cabría esperar: Ruth olvida a su hijo, protagoniza pequeñas rebeliones en su nueva residencia para personas mayores y también conecta con algunos de sus cuidadores. Aun así, la película de Friedland es tan amable y bien observada, con las interpretaciones superlativas de Chalfant y H. Jon Benjamin (en el papel de su hijo), que resulta novedosa y fresca.
Wes Anderson es, sin duda, consistente. Su última película está protagonizada por Benicio del Toro, quien interpreta a Zsa-zsa Korda, un acaudalado industrial de los años 50, cuya cercanía con la muerte lo lleva a reconectar con su hija novicia y a involucrarla en su nuevo plan. La película ofrece todo lo que se espera de Wes: composiciones impecables, chistes ingeniosos, una trama intrincada, actuaciones excepcionales de un elenco estelar y una familia fracturada que se reencuentra. Sin embargo, también es la película más violenta y religiosa de la extensa obra de Anderson.
Muchos meses después de ver April , de la directora Dea Kulumbegashvili, en el Festival de Cine de Nueva York del año pasado, aún puedo sentir su peso. La película se centra en Nina (Ia Sukhitashvili), una obstetra de un hospital en la Georgia rural (el país, no el estado) que realiza abortos clandestinos en su tiempo libre. La película, que por momentos roza lo surrealista, captura el impacto emocional de dicho trabajo: oscuro, solitario y, a veces, desgarrador.
¿Es esta película un poco caótica durante sus primeras dos horas y media? Sí. ¿Acaso los últimos 30 minutos incluyen a Tom Cruise haciendo algunas de las acrobacias más increíbles jamás filmadas? ¡También sí!
Eephus , el primer largometraje del director Carson Lund, está ambientado en una fresca tarde de octubre en un pequeño pueblo de Massachusetts de los años 90. Dos equipos de béisbol de la liga recreativa se enfrentan en el último partido en el Soldier Field. Una película más convencional podría ponerse del lado de un equipo o enfrentar a los jugadores contra un malvado promotor inmobiliario. Pero aquí el campo da paso a una escuela pública, y estos dos equipos se unen contra un enemigo diferente, más universal: el tiempo. A medida que pasan las horas lentamente, los árbitros marcan la salida y el sol se pone. Para terminar el partido, los jugadores tienen que ser ingeniosos. Aunque un equipo sale victorioso, no podría decirte cuál. Eephus es una película sobre los pequeños momentos que hacen que el béisbol, y, en realidad, la vida, sean hermosos.
No creo haber visto nunca un personaje en una película tan implacablemente enojado como Pansy de Marianne Jean-Baptiste en Hard Truths . El actor, que trabajó por última vez con el director Mike Leigh en Secrets and Lies de 1996, gruñe, hierve y se enfurruña a lo largo de este drama familiar brillantemente divertido y conmovedor. Aunque la película alude a que Pansy tuvo una relación complicada con su madre fallecida, Leigh pisa con cuidado la historia de fondo del personaje. Nunca descubrimos por completo qué está pasando con Pansy o cómo se convirtió en la persona que es. Pero la película está tan bien observada que, irónicamente, a pesar de lo muerta que está por dentro Pansy, ella es uno de los humanos más emocionantemente vivos del cine reciente.
La tan esperada secuela de Bong Joon-ho de Parasite tiene más en común con su película anterior Okja . Es una comedia absurdista sobre personas estúpidas y poderosas y su desprecio por el mundo natural y, en realidad, por todo y todos menos ellos mismos. Robert Pattinson interpreta a Mickey, un hombre nasal y desafortunado que huye de sus problemas terrenales convirtiéndose en un Expendable en una misión para colonizar un planeta lejano. Como Expendable, su papel implica morir y ser reimpreso. Sin embargo, surgen complicaciones cuando sobrevive a una experiencia cercana a la muerte y aún se imprime un nuevo Mickey. Los dos Mickeys compiten por sobrevivir hasta que se unen contra un enemigo mayor. ¿Ganará Mickey 17 un Oscar? Probablemente no, pero de todos modos es un entretenimiento muy disfrutable y con frecuencia divertido.
Probablemente la película más excitante , inesperada y, sí, francesa que se estrenará este año. Misericordia, de Alain Guiraudie, roza varios géneros —la novela de misterio, el cine negro, la comedia sexual, el drama existencial—, pero en última instancia es demasiado original y extraña como para categorizarla fácilmente. Es una película que exige abandonar las ideas preconcebidas sobre cómo debería actuar la gente y cómo deberían funcionar las películas. ¿Y si logras eso? Bueno, puede que te encante la aventura salvaje.
La película de Rungano Nyoni , "Sobre convertirse en gallina de Guinea", comienza con su protagonista, Shula (Susan Chardy), conduciendo por una tranquila carretera de Zambia con un extravagante disfraz de fiesta, cuando se encuentra con un cadáver tendido en el suelo. El cadáver resulta ser el de su tío Fred, de quien pronto descubrimos que abusó de Shula cuando era niña. El disfraz de Shula es uno de los pocos detalles llamativos de la película. Nyoni desentraña gradualmente y con poca satisfacción los nuevos detalles de la historia, mostrando cómo las normas culturales pueden obstaculizar la catarsis y los secretos familiares propician el trauma generacional.
Este nuevo y emocionante documental de Kevin Macdonald y Sam Rice-Edwards sigue a John Lennon y Yoko Ono a través de sus primeros días en Nueva York, que culminaron en un concierto benéfico que ofrecieron en el Madison Square Garden en 1972. El concierto fue en apoyo a los niños de la Escuela Estatal Willowbrook, que recientemente había sido objeto de un reportaje televisivo condenatorio que expuso las duras condiciones a las que estaban sometidos los niños con discapacidades. La película es escasa en información nueva sobre Lennon y Ono, pero está llena de momentos poderosos y magnéticos, tanto en el escenario como fuera de él. Macdonald y Rice-Edwards destacan el activismo de la pareja y las formas en que se cruzó con su arte. Lennon, en particular, brilla intensamente. Su pasión y rectitud son cautivadoras y contagiosas. Más de 50 años después, las batallas políticas de Lennon y Ono aún se libran, y el entusiasmo de Lennon todavía se siente capaz de encender una revolución.
Doce años después de anunciar su breve retiro, Stephen Soderbergh se ha consolidado como el cineasta más prolífico de Estados Unidos. Su primera de dos películas este año es una historia de fantasmas basada en un principio formal: la cámara toma la perspectiva del fantasma. El espectro habita en una hermosa casa suburbana a la que acaba de mudarse una familia de cuatro integrantes. Y aunque hay cierto suspense en torno a la identidad y los objetivos del fantasma, el atractivo de la película reside en el drama familiar. Lucy Liu y Chris Sullivan interpretan a los padres de dos adolescentes de secundaria que discuten constantemente, Chloe (Callina Liang) y Tyler (Eddy Maday). La dinámica familiar —las alianzas, los conflictos y los secretos— es vívida e intrigante. Cada actor está inteligentemente elegido y ofrece una sólida interpretación. Todavía no estoy seguro de si me gustó el final dramático y la revelación culminante, pero el ingenioso principio de la película y la riqueza de sus personajes hacen de Presencia una película que vale la pena ver.
Una de las varias tramas entrelazadas de Universal Language, del director Matthew Rankin, involucra a un guía turístico de Winnipeg (Pirouz Nemati) que lleva a un grupo poco común de visitantes a algunos de los lugares de interés cultural de la ciudad. Este Winnipeg es una invención de Rankin y sus coguionistas (Nemati e Ila Firouzabadi), y está lleno de edificios brutalistas marrones y beige, pavos vagabundos y una población de habla persa. También es uno donde los lugares emblemáticos de la ciudad son divertidamente mundanos. Mi favorito fue el sitio designado por la UNESCO donde alguien dejó un maletín en una parada de autobús y nadie lo tocó. Es "un monumento a la solidaridad interhumana absoluta, incluso en su forma más básica y banal", explica el guía turístico. Se podría decir lo mismo de la película. A lo largo de Universal Language , Rankin y sus colaboradores son imaginativos, divertidos y bastante ingeniosos, pero el objetivo general de su proyecto es dar testimonio del potencial de la humanidad para el cuidado y la exuberancia, incluso en un mundo sombrío y beige.
Antes de ver Warfare , me advirtieron que era ruidosa. Aun así, no estaba preparado para lo ruidosa que sería (el cuerpo temblando). Recién salido de su especulativa película de guerra estadounidense, Civil War , Alex Garland se asoció con Ray Mendoza (un veterano de la guerra de Irak y asesor de Civil War ) para recrear una brutal batalla que el pelotón de Mendoza experimentó en Ramadi en 2006. La película se basa exclusivamente en los recuerdos de Mendoza y su pelotón, y se desarrolla a lo largo de un día. En última instancia, la película expresa el trauma de la guerra tanto como una película es capaz de hacerlo, gracias al sonido, sí, pero también a las actuaciones sutilmente llenas de patetismo. Es una película increíblemente intensa que pone en primer plano el verdadero horror de la guerra.
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