Ángela Peralta fue utilizada como un instrumento civilizatorio, asegura experta

▲ Ángela Peralta como Lucía de Lammermoor, retratada por Giovanni Battista Ganzini, cerca de 1865. Albúminas. Colección particular. La imagen forma parte del artículo Verde, blanco y encarnado: Los retratos de Ángela Peralta durante el Segundo Imperio Mexicano, de Gustavo Amézaga; luego, portada de la partitura Adiós a México, que forma parte de Álbum musical de 1938, cortesía del Cenidim

Alondra Flores Soto

Periódico La JornadaSábado 5 de julio de 2025, p. 2

Ángela Peralta (1845-1883) fue utilizada en un entramado político en el siglo XIX para mostrar a Europa y al mundo que la joven nación que era México tenía un carácter civilizado, asegura la historiadora Áurea Maya, quien desde el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical (Cenidim), instancia de la Secretaría de Cultura federal, participa en abundar en el conocimiento documentado sobre esta destacada cantante, pianista y compositora.

De manera conjunta, la musicóloga de origen ruso Elena Kopylova trabaja en el rescate del Álbum musical, publicado en 1875, lo que impulsará que las piezas escritas por Peralta en el siglo XIX, interpretadas en raras ocasiones, se incorporen al repertorio de los conciertos en nuestro país.

A 180 años del nacimiento de la mujer de prodigiosa voz persisten mitos, datos falsos y falta de apreciación, además de que no se conoce la música que escribió para piano. Para conmemorar a la figura femenina se realizará el homenaje El ruiseñor de México: Ángela Peralta y su música, que hará sonar nuevamente en un concierto la música que escribió, y en una conferencia especialistas abordarán datos reveladores. Ambas actividades, con entrada gratuita, se realizarán hoy a las 18 horas en el Aula Magna José Vasconcelos del Centro Nacional de las Artes (Cenart).

Al comenzar a estudiar a Ángela Peralta me he encontrado con muchas sorpresas, dice Áurea Maya, quien trabaja actualmente en un libro que será publicado en meses próximos. Tal vez es uno de los personajes más golpeados por la historia y la musicología. No sólo en el siglo XIX y el XX, sino en el XXI, porque aún la acusan de muchas cosas.

Al indagar en archivos y documentos, por ejemplo, comprobó que no fue sirvienta, como muchos afirman. Existen historiadores que nunca se tomaron la molestia de corroborar. Claro, ella ha sido motivo de leyendas, mitos, de novelas históricas y obras de teatro donde se exalta su figura, pero también rasgos negativos de su personalidad.

En Polanco, un teatro al aire libre lleva su nombre. Igual ocurre en San Miguel de Allende, Guanajuato. También en Mazatlán, Sinaloa, el nombre de la cantante es el que identifica al teatro principal de la ciudad. Conocida como el ruiseñor mexicano, fue una figura de fama internacional, la primera cantante mexicana en actuar en el principal teatro europeo, La Scala, en Milán. Aunque hay poca documentación al respecto, la historiadora cuestiona cuántos profesionales del bel canto pueden decir eso.

Ángela Peralta nació en la Ciudad de México el 6 de julio de 1845. Desde muy joven conoció el éxito y se fue a Europa. Regresó durante el periodo en el que Maximiliano estaba en México, quien la nombró cantante de cámara del imperio. Fue precisamente en Mazatlán donde murió, a los 38 años, a causa de la fiebre amarilla, el 30 de agosto de 1883. Esa epidemia acabó con 17 por ciento de la población, cuenta Maya, así que Peralta fue un símbolo del duelo de tal tragedia. Uno de los mitos que la acompañan es que en los momentos de su último aliento contrajo matrimonio con Julián Montiel Duarte, de quien muchos dicen que fue su amante.

Elena Kopylova, investigadora en el Cenidim, actualmente trabaja en una minuciosa lectura del Álbum musical, el cual contiene las partituras de sus piezas, principalmente para canto y piano. Se incluyen valses, polkas, romanzas, fantasías e incluso un estudio, algo muy actual en la época, con Frederic Chopin como uno de los representantes más importantes.

En la entrevista con las dos estudiosas de la música y con el director del Cenidim, Víctor Barrera, muestran impresiones de algunas de las páginas de esta colección de piezas, con letras ilegibles y de difícil lectura para los músicos. En la portada está un retrato de la autora, cuyas obras para piano se tocan muy rara vez en las salas de conciertos.

Con este proyecto se busca que los temas de Peralta se incorporen en la formación de los jóvenes músicos, por ejemplo, en la Escuela Superior de Música, ubicada a unos cuantos pasos de las oficinas del centro de investigación, en lo alto de la torre violeta del complejo cultural.

Al respecto, Barrera destacó que la labor de estudio y divulgación de la música de México desde el Cenidim busca la interdisciplina. El acercamiento con las escuelas y la formación de noveles músicos es muy importante en esta institución.

Son algunos de estos estudiantes quienes con gran entusiasmo aceptaron participar en el concierto de esta tarde. A pesar de contar con poco tiempo para preparar el concierto y de estar en exámenes finales asumieron un reto de mucha disciplina y esfuerzo, hasta escogieron de las piezas más difíciles, adelanta Kopylova.

Aurea Maya, historiadora del arte y musicóloga, relató que la ópera en el siglo XIX tuvo un ciclo complicado, pero muy interesante en México, porque en el naciente país los políticos de entonces, sobre todo Lucas Alamán, tomaron este arte del canto como instrumento civilizatorio para demostrar ante los ojos de Europa que éramos una nación avanzada.

Cuando empiezo a trabajar la figura de Ángela Peralta me doy cuenta de que ella entra en todo ese entramado, y por supuesto funcionó como instrumento civilizatorio. La autora del libro Ópera y gastos secretos destacó que no sólo tuvo una voz privilegiada, sino que era muy inteligente, con conocimiento empresarial. Seguía los cánones del siglo XIX, con los estándares de ser una perfecta señorita decimonónica, pero a la vez era una mujer con gran visión de lo que era el mundo, tal vez infundido por su padre y luego por sus maestros.

En la conferencia sobre la importante cantante mexicana participarán las investigadoras Elena Kopylova, Áurea Maya y Zuly Amir López Ríos, con la moderación del director del Cenidim, Víctor Barrera. Los pianistas Isis González, Maximiliano Rosas y Elías Morales, así como las sopranos Patricia Mastachi e Isamar Reyes darán vida a estas partituras después de un proceso de cuidadosa transcripción y análisis.

▲ Giants, Peeking At The City, La Habana, Cuba, 2019.Foto Néstor Kim / cortesía del artista y de la galería

Alejandra Ortiz Castañares

Especial para La Jornada

Periódico La JornadaSábado 5 de julio de 2025, p. 3

San Gimignano. Fundada en 1990 en un garaje con apenas 500 euros en San Gimignano, en la zona rural de la Toscana, la galería Continua es uno de los espacios más innovadores del arte contemporáneo internacional. Creada por tres amigos de la infancia −Lorenzo Fiaschi, Mario Cristiani y Maurizio Rigillo−, sin fondos ni contactos en el mundo del arte, la galería desafió desde el inicio las convenciones del sector. Actualmente, cuenta con ocho sedes en tres continentes.

Para celebrar sus 10 años de presencia en Cuba, organizaron la exposición La habilidad de soñar (17 de mayo−9 de julio), que presenta a 40 artistas cubanos.

Siempre partimos de la pasión por el arte, cuenta Fiaschi desde La Habana, donde reside. Trabajaron sin salario durante 10 años y el punto de inflexión llegó en 2000 con una exposición del artista Chen Zhen, cuando incluso el coleccionista François Pinault adquirió obra. Nos transmitió el valor de la diversidad como principio y del arte como puente entre culturas.

Este enfoque anticolonialista ha guiado la expansión internacional de la galería, que ha elegido deliberadamente contextos periféricos: un viejo cine en San Gimignano (su sede histórica), un molino medieval en el campo a una hora de París, y desde 2015, un antiguo cine en el barrio chino de La Habana.

La aventura isleña

Durante la Bienal de Marrakech, Lorenzo Fiaschi y la curadora cubana Laura Salas asistieron al performance Tercer paraíso, de Michelangelo Pistoletto: un símbolo similar al del infinito, pero con tres círculos, donde el central representa la posibilidad de armonía entre opuestos. Impactada por la fuerza poética de la obra, Salas propuso recrearla en el mar, entre La Habana y Miami, como un gesto de reconciliación en un contexto marcado por el embargo. En una acción espontánea y no oficial, cientos de pescadores cubanos formaron con sus embarcaciones dicho símbolo. Al día siguiente, el 17 de diciembre del 2014, Barack Obama y Raúl Castro, presidentes de Estados Unidos y de Cuba, en ese orden, anunciaron el histórico restablecimiento de relaciones entre sus naciones. Ese signo −potente y profético− inspiró a los fundadores de la galería Continua a establecer una sede en La Habana, eligiendo, con ayuda del director de la Bienal, Jorge Fernández, un viejo cine en ruinas en el barrio chino, que restauraron incluso trayendo el techo desde Italia.

Pioneros en un contexto complejo

Continua fue la primera galería privada y extranjera en establecerse en Cuba, operando como un centro cultural. Ahora hay un proyecto de ley para legalizar la apertura de galerías privadas, explica Fiaschi. Su singularidad en la isla ha atraído a artistas y coleccionistas internacionales: “The Financial Times nos dedicó una página entera. ¡Nuestros colegas no lo podían creer!”, cuenta.

Artistas como Michelangelo Pistoletto, Anish Kapoor y Daniel Buren, habituales de París y Nueva York, entre otras ciudades, optaron por exponer en La Habana, ofreciendo al público local encuentros inéditos con el arte global. Sus exposiciones, en noviembre de 2016, coincidieron con la muerte de Fidel Castro: la muestra de Pistoletto se celebró como estaba previsto, antes de la noticia, mientras la de Kapoor, programada para el día siguiente, fue cancelada oficialmente por el luto nacional, pero se llevó a cabo con las luces apagadas, con los visitantes iluminando las obras con las linternas de sus celulares.

Promoción

Continua ha desempeñado un papel decisivo en la proyección internacional de numerosos artistas cubanos, promoviéndolos en ferias y exposiciones en Europa y Asia. Un ejemplo emblemático es Yoan Capote, cuya obra monumental fue seleccionada para Art Unlimited en Art Basel entre más de mil propuestas, y luego adquirida por un importante museo.

Este compromiso no sólo ha mejorado la visibilidad de los artistas de la isla, sino también sus condiciones de vida: Los hemos visto pasar de vivir y trabajar en cuartos de cuatro por cuatro metros a tener espacios dignos donde pueden vivir y crear con libertad.

Los coleccionistas internacionales se sienten atraídos por la originalidad y la fuerza expresiva del arte cubano, incluso antes de conocer su procedencia. Según Fiaschi, el arte cubano impresiona porque no es fácilmente clasificable: no responde a una estética uniforme o folclórica, sino que es profundamente heterogéneo e individual, con identidades fuertes y estilos muy personales.

El contexto de aislamiento geopolítico ha llevado a muchos creadores cubanos a desarrollar soluciones creativas con recursos limitados, generando obras ricas en ingenio y profundidad simbólica. Esta combinación de escasez material y riqueza conceptual fascina a un público que reconoce en estos trabajos una vocación verdaderamente universal.

Censura y libertad de expresión

Sobre la artista disidente Tania Bruguera, Fiaschi reconoce la importancia de la libertad de expresión, pero critica su enfoque. Se refiere a su solicitud de realizar la performance Tatlin’s Whisper (El susurro de Tatlin) en la Plaza de la Revolución, para el que invita a los cubanos a hablar libremente mediante un micrófono abierto −acción que realizó años antes en la Bienal de La Habana. En aquella ocasión, se le propuso realizarla en otro lugar, pero ella insistió, lo que la llevó a ser puesta bajo arresto domiciliario.

La misma acción en la Plaza de San Pedro en Italia, hablando contra el Papa, también tendría consecuencias legales, señala Fiaschi, quien califica la acción de provocadora y fuera de tiempo, especialmente en un momento en que Cuba y Estados Unidos comenzaban un proceso de diálogo.

Visión global y apertura

El enfoque de la galería Continua se basa en una visión a largo plazo y una apertura a la diversidad cultural. “Comenzamos a trabajar en India, Medio Oriente y China hace 20 años −en China fuimos la primera galería extranjera−, cuando todos se preguntaban qué hacíamos allí”. Todo parecía distante y difícil de comprender, pero estimulante: Eran especias culturales con las que sazonar nuestro plato demasiado eurocentrista.

Su meta: fusionar mundos distintos. Con el tiempo, estos recorridos han enriquecido su evolución. La misma visión los llevó a invertir en la feria de Dubái, anticipando dinámicas que hoy se reflejan en la recién anunciada organización de Art Basel en Doha.

Cuba es un gran país cultural, concluye Fiaschi, con artistas, escritores y músicos reconocidos mundialmente. El embargo, vigente desde hace 63 años, es una de las sanciones económicas más largas de la historia moderna. La mayoría de los cubanos de hoy no habían nacido aún durante la revolución. Este bloqueo no sólo representa un problema práctico, sino que también impide evaluar con claridad las verdaderas capacidades del gobierno. El miedo a la superpotencia estadunidense genera decisiones irracionales. El miedo no favorece la lucidez. Devolver la paz a Cuba significaría también devolverle libertad y aire nuevo.

▲ Imagen de la tercera edición de Manifiesta, en 2023.Foto cortesía de Eloy Tarcisio

Merry Macmasters

Periódico La JornadaSábado 5 de julio de 2025, p. 4

La Plaza de la Constitución será el escenario para la cuarta edición de Manifiesta, acción artística enfocada en el performance, que tendrá lugar hoy en el contexto de los 700 años de la fundación de México-Tenochtitlan, sin ser una actividad temática. Un total de 50 proyectos, entre los que se incluye video mapping, recibidos por medio de una convocatoria a voces, se ejecutarán de 11 a las 18 horas.

La iniciativa nació en 1993 como un manifiesto conceptual de la exposición inaugural del entonces llamado Ex Teresa Arte Alternativo que contó con obra de Helen Escobedo, Felipe Ehrenberg y Marcos Kurtycz. Se repitió en 1997 con la participación de 37 artistas, ya con una metodología de trabajo, en que nos salíamos del espacio para ocupar la parte exterior, señala Eloy Tarcisio (Ciudad de México, 1954), quien fue director del recinto adscrito al Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura de 1993 a 1995 y de 1996 a 1998. Para él, el arte no tendría que ser nada más para el público especializado que va y lo busca, sino que tendríamos que enfrentar el artista al público en general.

En 2023, Manifiesta III reunió a 70 artistas de varias disciplinas en una actividad en la calle Primo Verdad, donde se localiza el museo. “La experiencia de los 30 años de la fundación de Ex Teresa –ahora Ex Teresa Arte Actual– y de haber hecho un festival en la calle, frente al espacio, me dio una visión diferente del ejercicio artístico en que los artistas estuvieron trabajando al mismo tiempo, en un horario determinado, de tal manera que se convertían en público de sus propias obras. Ya no era sólo impactar al público ajeno al arte, sino también hacer un ejercicio de autoexperiencia”, precisa Eloy Tarcisio a La Jornada.

Se dio cuenta de que hacía falta un espacio que expresara la opinión del artista fuera del cubo blanco, del contexto artístico tradicional enmarcado en los museos, de las ferias, y se concentraba más bien en un público desde un punto de vista mercantil. La inquietud de algunos artistas respecto de qué iba a pasar con Manifiesta motivó a Tarcisio a emprender una cuarta edición. Además, los 700 años de la fundación de Tenochtitlan nos daba la oportunidad de tener el marco de otro tipo de experiencia estética.

–¿Por qué en el Zócalo?

–Porque están los cuatro poderes de la Federación, la Iglesia, y por allí transita una cantidad impresionante de personas. Que los artistas trabajen al mismo tiempo en un mismo lugar implica que los espectadores podrán circular de manera libre y encontrarse de forma manera fortuita con una experiencia estética.

Las preocupaciones de los artistas participantes abarcan desde la violencia, la ética, las guerras y la problemática del medio ambiente, lo que hace que Manifiesta se convierta en espacio de múltiples voces y experiencia estética dentro de un contexto de laboratorio. Manifiesta, pues, nace como un grito y una celebración de lo que sucede en nuestro entorno.

Ningún proyecto enviado tuvo que pasar por un jurado, ni un comité curatorial, porque todos fueron aceptados bajo el criterio de todo aquel que se dice artista lo es, y lo que hace como obra de arte se convierte en eso. Es decir, no hay una intención de legitimación. El espacio no es uno que legitima, sino es uno abierto en el que el artista lo hace por su trabajo. Si éste es bueno, se va a notar; si es malo, también. Si es coherente e impacta al público, se va a notar. De otra manera, solita se va a decantar y ser separado del contexto de su mismo trabajo.

–¿Cuál es el futuro de Manifiesta?

–Se ha convertido en un manifiesto de trabajo horizontal en que los artistas tendrán que trabajar para mantenerlo. No es un espacio que voy a mantener, sino que se abre a las voces de los creadores con el objetivo de salirse del cubo blanco, de hacer un trabajo frente al espectador no convencional, también en el uso de espacios que no están diseñados para el arte.

Para Eloy Tarcisio, la realización del performance es una filosofía de la acción, un ejercicio de contacto directo, cuya intención es evolucionar en la reflexión de lo cotidiano alrededor de la problemática humana. Además, el artista tiene la obligación de comprometerse con su temática y de hablar más allá del ejercicio convencional como la galería, la feria y el mercado del arte.

Recuerda que el performance tiene ética y responsabilidad. El artista tiene que estar consciente de que es un líder de opinión y cualquier cosa que diga o haga, impactará en el espectador. Si no tiene conocimiento de lo que puede provocar con su acción, el resultado puede ser inadecuado.

▲ La obra del coreógrafo César Brodermann se estrena este fin de semana en el Teatro de la Ciudad.Foto cortesía de la producción

Fabiola Palapa Quijas

Periódico La JornadaSábado 5 de julio de 2025, p. 4

Regreso, obra del coreógrafo y director de la compañía Aterno, César Brodermann, “es un viaje de autoconocimiento y reflexión sobre lo que realmente importa en la vida. Un espacio seguro donde lo lúdico se convierte en herramienta en busca de la libertad y la creatividad.

Mediante el movimiento se logra una conexión con la esencia de la infancia, explicó en entrevista el creador, quien estrena su pieza hoy y mañana en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

En Regreso, Brodermann parte de una pregunta simple y profunda: ¿cuándo fue la última vez que jugaste sin motivo, sin miedo, sin meta? Ese cuestionamiento se convirtió en un dispositivo escénico capaz de interpelar a públicos de todas las edades.

El montaje se construyó en cinco meses de laboratorios abiertos, ensayos colaborativos y procesos donde cada integrante del equipo tuvo voz. Al final, Brodermann presenta al público una pieza viva que en cada función será distinta.

“Regreso surgió desde la necesidad de recordar lo que me hace sentir vivo y qué siento cuando bailo. El juego me da la oportunidad de buscar libremente dentro de quién soy, quién quiero ser, cómo quiero convertirme”, comentó el coreógrafo, quien durante el proceso creativo involucró a nueve bailarines y tres aprendices.

“Como parte del proyecto analizamos el juego y la infancia, donde todo lo que hacemos es intuitivo y no analítico, porque cuando comienzas a crecer dices: ‘no puedo hacer esto o debo comportarme de esta forma’, pero cuando eres chiquito, si quieres ponerte una playera gigante, te la pones, y si quieres correr por la calle, lo haces.

Así que decidí empezar a cuestionar por qué es necesario el juego en nuestra vida diaria, ya sea como niños o adultos, y cómo podemos regresar a estas ideas porque en la infancia somos muy fantasiosos, tenemos mucha imaginación, agregó.

El artista busca que la audiencia se conecte con la obra y se libere. Me interesa que la gente evoque la libertad, el sentirse vivo y descubra las formas de lograrlo, indicó el creador.

El juego tiene sentido en la propuesta coreográfica y brinda al cuerpo la posibilidad de ser una vía para la memoria, y con eso se logra una conexión con la libertad que en el transcurso del tiempo se ha quedado en el olvido.

Después de una década de transformación artística y de haber vivido en diferentes latitudes, como Nueva York y Tel Aviv, Regreso también representa para el coreógrafo volver a su lugar de origen, su país natal; es honrar sus primeros años de vida, en la tierra que presenció sus pequeños pasos, y que lo hizo retornar para fundar su compañía por su amor eterno a la danza.

Brodermann es un artista multidisciplinario, bailarín de danza contemporánea, fotógrafo, director artístico y fundador de Aterno. Su trabajo se caracteriza por ofrecer un enfoque profundamente emocional y físico, donde el cuerpo deja de ser un archivo de memorias y afectos, para convertirse en el vehículo perfecto de comunicación con movimiento.

La obra Regreso, que contó con el Estímulo Fiscal del Artículo 190 de la LISR Efiartes, se estrenará hoy y mañana a las 19 y 18 horas respectivamente, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico); los días 11 y 12 de julio se presentará a las 17 horas de manera gratuita en la sala Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario, y el 20 y 21 de noviembre a las 20 horas, en tanto el 22 y 23 a las 19 horas y 18 horas, en ese orden, en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes.

▲ La trama plantea una nueva manera de vincularnos con la tecnología, explicó Óscar Tapia, autor del libreto y director de escena.Foto cortesía de la producción

Daniel López Aguilar

Periódico La JornadaSábado 5 de julio de 2025, p. 5

En Fígaro y la androide, la ópera se reinventa como una aventura de ciencia ficción; se presentará hoy y mañana en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes (Cenart).

La propuesta busca acercar el género lírico a nuevas audiencias mediante el humor, la fantasía y reflexiones sobre la relación entre los seres humanos y sus creaciones.

El famoso barbero Fígaro regresa a escena, pero ahora su camino lo lleva a un futuro posible. Junto al Doctor Alquimista, responde a un llamado de auxilio desde la Luna: Kira, la última mujer libre, solicita ayuda para enfrentar a Olympia, androide que domina la Tierra. Al lograr desactivar a la máquina, descubren que sin ella el mundo colapsaría.

La trama plantea una nueva manera de vincularnos con la tecnología y pone sobre la mesa la dependencia que tenemos de lo que creamos, explicó Óscar Tapia, autor del libreto y director de escena, en entrevista con La Jornada.

En la historia, la ciencia ficción dialoga con la ópera clásica mediante fragmentos de Mozart, Rossini, Dvorak y otros compositores.

La Filarmónica de Atizapán, integrada por jóvenes músicos con la dirección de Édgar Rainier Palacios, interpreta piezas como la obertura de Così fan tutte, el Dueto de los gatos y el Aria de la Luna, cantado por Kira desde su mirada hacia la Tierra.

Olympia ofrece una versión renovada del Aria de la muñeca, de Offenbach, reflejo de su condición entre lo humano y lo mecánico.

Tapia destacó el carácter colectivo del montaje, que se nutre con las aportaciones del elenco: Amed Liévanos y Alberto Albarrán interpretan a Fígaro; Luis Rodarte y Alexander Soto, al Doctor Alquimista; Rosalía Ramos y María Anaya, a Olympia; Tania Solís y Angélica Alejandre, a Kira; Linda Saldaña, Penélope Lázaro y Rosa Muñoz, a Hipatia de Alejandría, y Enrique Guzmán y Ricardo Estrada, a Lindoro.

Primero revisamos y enriquecemos el libreto; después, Gabriel Ancira diseñó vestuario y escenografía; finalmente, ensayamos para integrar música, escena y narrativa, relató el director.

La historia deja atrás las intrigas cortesanas para construir un relato que cuestiona el futuro. Hipatia de Alejandría, científica y directora de la legendaria biblioteca, desempeña un papel clave: en la obra, le da un cuerpo a Olympia con la esperanza de ayudar a la humanidad, pero termina enfrentando la frustración de ver cómo ésta traiciona sus propios ideales.

Como en la ciencia ficción clásica, la puesta en escena cuestiona qué construimos, con qué intención y a qué costo, puntualizó Tapia.

El proyecto también busca acortar la distancia entre el público y la ópera. Presentada en español y con un formato cercano al cine o la televisión, conjuga actuación y canto en vivo para propiciar una conexión directa.

Queremos contagiar a niños y adultos con lo más bello de la ópera, añadió el director, quien señaló que las piezas musicales forman parte esencial del relato.

Además, plantea preguntas que obligan a mirar hacia dentro: ¿qué sucede cuando lo que inventamos se convierte en algo imprescindible? ¿Somos nosotros quienes controlamos la tecnología o es ella la que termina por dominarnos?

Buscamos fascinar con la ópera clásica y, al mismo tiempo, confrontar al público con las implicaciones de lo que hemos construido, concluyó Óscar Tapia.

La ópera Fígaro y la androide, producción de Arándano AC, ofrecerá cuatro funciones hoy y mañana a las 12 y 14:30 horas en el Teatro de las Artes del Cenart (Río Churubusco 79, colonia Country Club Churubusco). El boleto cuesta 150 pesos.

De la Redacción

Periódico La JornadaSábado 5 de julio de 2025, p. 5

Explorar el tiempo, crear con sombras y modelar el asombro. Este verano, los museos de Arte Moderno (MAM) y Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) ofrecerán a niños de 6 a 12 años dos talleres para acercarse al arte desde la curiosidad, la imaginación y la memoria. Las actividades se realizarán del 21 de julio al 8 de agosto.

Modernos en acción: Un viaje por el tiempo invita a recorrer la modernidad mediante obras icónicas, esculturas y arte conceptual, y PLAY: La caja lúdica del teatro y cine expandido propone una travesía sensorial con imágenes, sombras y performances inspiradas en el mito de la caverna de Platón.

Ambas iniciativas buscan hacer del museo un espacio vivo donde la infancia pueda inventar, preguntar y descubrir. Entre juegos, salidas y picnics, la imaginación cobra forma.

El MAM ofrece un programa dividido en tres semanas temáticas. La primera explora la modernidad con una exposición, que incluye obras como Las dos Fridas, de Kahlo, y piezas de Dr. Atl y Remedios Varo. Los niños crearán obras inspiradas en esas técnicas.

La segunda semana se dedica a la escultura: los participantes visitarán el Jardín Escultórico y la muestra Derivas de la forma escultórica, para luego modelar sus piezas.

La tercera aborda el arte abstracto y conceptual. Los niños realizarán obras plásticas, fotográficas y arte-correo para intercambiar con el Museo Nacional de San Carlos.

Cada jornada incluye recorridos guiados, dinámicas interdisciplinarias y juego libre. Al mediodía hay descanso y comida colectiva; los miércoles, sorpresas como funciones circenses o recorridos dramatizados.

Partimos de muestras vibrantes, y eso transforma la experiencia, señaló Adela González, jefa de Educación y Mediación del MAM (Paseo de la Reforma, Bosque de Chapultepec). Las actividades serán de lunes a viernes de 10 a 14 horas con cupo para 60 niños. Informes: [email protected].

Del 4 al 22 de agosto, el MUAC presentará PLAY…, diseñado por Estudio Nómade. La creación se cruza con la experimentación: cámaras lúcidas, flipbooks, crankie books, máscaras y escenarios en acetato dan forma a un taller-laboratorio.

La propuesta arranca con animaciones y una visita a Cuicuilco. Luego, los pequeños experimentarán con teatro de sombras y máscaras, mientras recorren el Espacio Escultórico y el Jardín de las Esculturas. El taller concluirá con una etapa de ensayos y la presentación de un montaje final ante familiares.

Las sesiones serán de lunes a viernes de 10 a 14 horas, en el Ágora MUAC (CCU, Insurgentes Sur 3000). Informes en el correo: [email protected].