Wie junge Frauen zu den einflussreichsten Kollaborateurinnen der Musikindustrie wurden

Chappell Roan kann sich nicht erinnern, ob es 2020 oder 2021 war, als sie auf ihrer Instagram-Explore-Seite eine Collage mit Cowgirl-Motiven entdeckte und begann, deren Schöpferin Ramisha Sattar zu folgen. Sattar hatte zu diesem Zeitpunkt bereits jahrelang gebastelt und Collagen erstellt, als Teenager für das Rookie Mag geschrieben und während ihres Studiums an der University of Texas in Dallas Animationen in ihre Designs integriert. „Nachdem wir uns ein paar Jahre lang verfolgt hatten, begannen wir gemeinsam an einigen Merchandise-Artikeln zu arbeiten – Aufklebern, Tattoo-Bögen, T-Shirts und Schlüsselanhängern“, sagt die 25-jährige Sattar. Heute ist sie die Kreativdirektorin und beste Freundin des mit Platin ausgezeichneten Popstars.

Roan und Sattar sind nur eines von vielen Paarungen im zeitgenössischen Pop, wo aufstrebende weibliche Stars sich für die Zusammenarbeit mit Freundinnen als kreative Partnerinnen entscheiden. Betrachtet man die meistdiskutierten Projekte von Frauen des letzten Jahres – von Charli XCXs „ Brat“ über Gracie Abrams’ „The Secret of Us“ und Sabrina Carpenters „Short n' Sweet“ bis hin zu Doechiis „Alligator Bites Never Heal “ –, fällt eine Gemeinsamkeit auf: die Anwesenheit junger Frauen bei der Entstehung der Projekte, von der Songwriterin bis zur Tontechnikerin, und die Vertrautheit zwischen den Künstlerinnen und ihrem ausgewählten Team.

Obwohl sie sich klanglich und ästhetisch stark unterscheiden, verbindet all diese Projekte eine unwiderstehliche Mischung aus Bescheidenheit und Witz – und einen unbestreitbaren Erfolg, sowohl bei Kritikern als auch an den Kinokassen. Es scheint, als ob in der heutigen übersättigten Pop-Landschaft nur unverfälschte Authentizität den Durchbruch schafft, und die enge Zusammenarbeit dieser Stars könnte das Geheimnis dafür sein.

„Diese Beziehungen haben etwas ganz Besonderes an sich, denn sie sind darauf ausgerichtet, das zu bestätigen, was der Musiker ausstrahlen möchte, und nicht das, was ein Produzent oder ein Label von ihm erwarten würde“, sagt Sophie Gilbert, Autorin von „Girl on Girl: How Pop Culture Turned a Generation of Women Against Themselves“ . Sie erinnert an eine Szene aus einem aktuellen Interview zwischen Jessica Simpson und Ashlee Simpson Ross, in dem die Schwestern die Popwelt der frühen Nullerjahre als eine Zeit voller „so vieler Männer in Anzügen, die einem sagen, was man zu sein hat.“

Ramisha Sattar und Chappell Roan bei den 67. Grammy Awards

Eine solche Szene könnte nicht weiter von der von Sattar und Roan beschriebenen Arbeitsbeziehung entfernt sein. „Wenn wir uns persönlich treffen, geht alles wie am Schnürchen“, sagt Roan und fügt hinzu, dass sie ihr Albumcover für The Rise and Fall of a Midwest Princess „in etwa zwei Stunden in einem Café in LA“ gemacht haben. Das Wort „Spaß“ fällt häufig (32 Mal in meinem 20-minütigen Gespräch mit Sattar). Aber für Roan und Sattar ist „Spaß“ so ziemlich das, worum es geht. „Sie ist zu einer kreativen Mentorin für mich geworden, weil sie so ein Gespür dafür hat, was lustig und albern ist und was ihr inneres Kind ehrt, und das ist es, was ich wirklich versuche zu tun“, sagt Roan über Sattar. „Sie ist durch dick und dünn für mich da gewesen und es war eine höllische Reise.“ In den sozialen Medien scheinen die beiden unzertrennlich, posten ASMR-Videos auf dem Weg zu den Grammys und täglich Interpretationen des TikTok-Tanzes „The Giver“ . Roan fügt hinzu, dass sie dankbar war, dass Sattar sie letzten Monat bei ihrem Debüt auf der Paris Fashion Week begleitete: „Ohne sie wäre ich zusammengebrochen.“

Sattar und Roan bei der McQueen Herbst/Winter 2025 Show

Ebenso kennen Abrams-Fans zweifellos Audrey Hobert, die beste Freundin und Songwriterin des Singer-Songwriters (die übrigens in den letzten Tagen ihre eigene Musik auf TikTok angepriesen hat). Ihre schwesterliche Verbundenheit ist deutlich spürbar, egal ob sie alberne TikToks erstellen oder sich beim Beschreiben der„sehr vulgären“ Version von „That's So True“ , die sie nach ein paar Drinks auf dem Dach von Electric Lady geschrieben haben, in Gelächter ausbrechen.

Während der Aufnahmen zu ihrem 2024 erschienenen Album „The Secret of Us“ lebte Abrams mit Hobert zusammen, die sie seit ihrer Kindheit kennt. Das gemeinsame Schreiben mit ihr hatte eine befreiende Wirkung. „Ich hatte immer Probleme damit, mich gegen die üblichen Strukturen von Popmusik und die Ernsthaftigkeit zu stellen, mit der die Leute in Los Angeles an Songwriting-Sessions herangehen“, erzählte sie Spin im Mai letzten Jahres. „Aber beim Schreiben mit Audrey haben wir jeden Tag nur Scheiße geredet, uns einen Joint angezündet und dabei Tränen vor Lachen in den Augen gehabt. Wir kennen uns so gut. Wir waren ehrlich zueinander.“

Enge Zusammenarbeiten finden auch in traditionelleren kreativen Paarungen statt. Während angehende Songwriter vor einigen Jahren vielleicht ein Demo produzierten und es dann herumreichten oder in manchen Fällen sogar direkt mit einem Popstar für eine einmalige Schreibsession zusammenarbeiteten, bauen heute viele über mehrere Jahre hinweg dauerhafte Bindungen zu Künstlern auf und lernen deren Eigenheiten und tiefste Geheimnisse kennen. Siehe: Amy Allens Instagram-Galerie mit Blicken hinter die Kulissen von Sabrina Carpenters Album „Short n' Sweet“ , in der sie ihre Dankbarkeit darüber ausdrückt, „dabei eine neue Schwester gewonnen zu haben“. Das Ergebnis: Chart-Top-Songs, die sich durch ihre unkonventionelle Spezifität, Ehrlichkeit und manchmal auch seltsame Einzigartigkeit durchsetzen. (Hallo, „das bin ich, Espresso.“)

Oftmals wird die fragile, aber kraftvolle Dynamik weiblicher Freundschaft in den Songs selbst sichtbar, sei es im aufrichtigen, seelenheilenden Austausch zwischen Charli XCX und Lorde für ihren „Girl, So Confusing“-Remix oder im kitschigen Body-Horror-Video zu Carpenters „Taste“ (ein Song, den sie mit Allen und Julia Michaels geschrieben hat), das weibliche Rivalität anerkennt – und sich dann darüber lustig macht.

Amy Allen und Sabrina Carpenter beim Billboard + NMPA Grammy Week Showcase im Februar 2023

Eine andere Künstlerin, die diese Mischung aus Verletzlichkeit und schwarzem Humor mit Hilfe weiblicher Kollaborateure gemeistert hat, ist Doechii – und die 26-Jährige tut dies im Hip-Hop, einem Genre, in dem Frauen wie in den meisten anderen Genres historisch gesehen nur schwer ohne männlichen Mentor Fuß fassen konnten . Die selbsternannte Swamp Princess hat zwar zahlreiche Unterstützung von mächtigen Männern der Musikindustrie erhalten, lobt aber von der Preisverleihungsbühne aus immer wieder ihre weiblichen Kollaborateure. Während einer ergreifenden Dankesrede für das beste Rap-Album bei den Grammys im vergangenen Februar dankte sie Gott, ihrer Mutter, ihrem Label und dann ihrer Toningenieurin Jayda Love „für alles, was sie getan hat“. Die beiden arbeiten seit Sommer 2021 zusammen, als Love zufällig die diensthabende Toningenieurin im Studio in Los Angeles war, für das Doechiis Team Zeit reserviert hatte. Love war sofort von der jungen Rapperin beeindruckt und wurde zu einer ihrer beständigsten Kollaborateure und leidenschaftlichsten Unterstützer. Er verteidigte Doechiis Vision für ihr Durchbruch-Mixtape „ Alligator Bites Never Heal“ , als Vertreter des Labels vorschlugen, die chronologische Erzählreihenfolge zu ändern.

Love hat Doechii außerdem dazu gebracht, so offen zu sein, wie es nötig war, um ihre Geschichte auf herausragenden Tracks wie „Denial Is a River“ zu erzählen. Diesen März wurden sie und DJ Miss Milan gebeten, Doechii bei Billboards Women in Music-Event den Preis „Frau des Jahres“ zu überreichen. „Sie weckt in allen, mit denen sie arbeitet, ein unglaubliches Gefühl ehrlicher Schwesternschaft und ermutigt uns alle, auf unsere eigene Art hervorzustechen“, sagte Milan über Doechii. „Meine Mädels“, kommentierte Doechii ein Video der Moderatorinnen und fügte ein Herzaugen-Emoji hinzu.

Jayda Love und Doechii beim Billboard Women in Music-Event 2025

Es ist keine Überraschung, dass Künstlerinnen heute mehr Autonomie in ihrer Karriere fordern. Schließlich sind viele von ihnen mit abschreckenden Geschichten über unterdrückerische Managements und svengali-artige Beziehungen aufgewachsen und kennen die vielfältigen Formen der Ausbeutung in der Musikindustrie, die bis heute fortbestehen. „Stars sind heute viel klüger“, sagt Gilbert. „Sie sind sich bewusst, wie weit verbreitet Missbrauch in der Musik ist. Das kann man gar nicht anders – selbst in den letzten Monaten sind so viele Geschichten an die Öffentlichkeit gekommen.“ Außerdem, fügt sie hinzu, schützen sie ihr Image und sind entschlossen, ihre eigene öffentliche Persönlichkeit zu bestimmen. „Die Frauen des zeitgenössischen Pop sind mit sozialen Medien aufgewachsen“, fährt Gilbert fort. „Sie verstehen, dass es in vielerlei Hinsicht die dominierende Kunstform des 21. Jahrhunderts ist, und sie sind gut darin.“

Diese Expertise und Hypervigilanz zeigt sich in jedem Aspekt ihrer visuellen Präsentation. Theoretisch folgen die Videos zu Christina Aguileras „Dirrty“ (Regie: David LaChapelle) und Miley Cyrus‘ „Wrecking Ball“ (Regie: Terry Richardson) der gleichen Linie wie beispielsweise Sabrina Carpenters „Bed Chem“-Auftritt bei den BRIT Awards letzten Monat – hauptsächlich in ihrem Versuch, das Disney-Image ihrer jeweiligen Stars gegen ein erwachseneres auszutauschen. Letzterer fühlt sich jedoch einfach anders an, sagt Gilbert: „Sabrina Carpenter ist so selbstbewusst. Es liegt eine Ironie in der Ironie ihrer Outros“, den einmaligen, anspielungsreichen letzten Zeilen ihres Songs „Nonsense“ , die sie bei Live-Auftritten ändert. Während einige (insbesondere Sinéad O'Connor) befürchteten, Cyrus lasse sich im Hinblick auf das anzügliche „Wrecking Ball“-Video „ausnutzen“ , scheinen sich nur wenige zu fragen, wer bei Carpenters Image das Sagen hat. „Sie ist sexy und sexpositiv, aber genau das wird stark von ihr geprägt“, sagt Gilbert.

Gilbert vermutet, dass dies eine weitere Folge der Wahl junger weiblicher Kollaborateurinnen sein könnte. „Indem sie mit anderen Frauen zusammenarbeiten, können sie ihre Sexualität auf eine Weise ausleben, die ihnen mit männlichen Produzenten vielleicht nicht möglich wäre“, sagt sie. So kann Doechii Jayda Love beispielsweise sagen, dass der Anfang von „Fireflies“ „wie eine sich öffnende Vagina“ klingen soll, und Love weiß genau, was sie meint. „Wenn du das zu einem Mann sagen würdest“, fügt Gilbert hinzu, „würde er es ganz anders interpretieren.“

Da sich immer mehr Stars weigern, nach den alten Regeln zu spielen, wird deutlich, dass alle gewinnen, wenn visionäre junge Frauen ihr eigenes Schiff steuern dürfen – auch in der anspruchsvollen Welt der Big-Budget-Popmusik. Die jüngste Studie der Annenberg Inclusion Initiative der USC zeigte zwar kaum eine Verbesserung der Anzahl weiblicher Künstlerinnen und Frauen, die hinter den Kulissen der Musikindustrie arbeiten, der Bericht des nächsten Jahres könnte jedoch einen Anstieg signalisieren. Bei den Grammys im vergangenen Februar beispielsweise gewannen Frauen unter anderem Preise für das Album des Jahres (Beyoncé), die beste neue Künstlerin (Chappell Roan), die Songwriterin des Jahres (Amy Allen) und das beste Rap-Album (Doechii). Und die Tatsache, dass die drei Headlinerinnen des diesjährigen Primavera Sound Festivals Frauen sind (Chappell Roan, Charli XCX und Sabrina Carpenter), fühlt sich ebenfalls wie ein Sieg an.

Doechii und Abrams beim Billboard Women in Music-Event 2025

Vor fast einem Jahrzehnt war Sage Adams eine 19-jährige Politikwissenschaftsstudentin an der Howard University und machte nebenbei „Kunstkram“ als Gründungsmitglied des Art Hoe Collective, als sie beim Scrollen durch Instagram auf ein Bild von SZA stieß. „Ich hatte sie noch nie zuvor gesehen“, sagt Adams. „Mir gefiel ihr Outfit einfach total.“ Sie dachte: „Wenn ich Zugriff auf all den Modekram hätte, den ich haben möchte, würde ich dieses Outfit tragen“ und hinterließ einen entsprechenden Kommentar. Damals durchforstete SZA, damals Mitte 20, die sozialen Medien nach Leuten, die in einem ihrer Videos mitspielen wollten, und etwas an Adams fiel ihr ins Auge. „Sie schrieb mir und meinte: ‚Hey, ich mag deine Outfits auch, was geht?‘“, erinnert sich Adams. Das Video wurde nie gedreht, aber die beiden fingen an, sich zu unterhalten und über schwierige Dinge, mit denen sie als Kinder konfrontiert worden waren, und die daraus resultierende Wut und den Drang, den Skeptikern das Gegenteil zu beweisen. „Ich glaube, wenn Menschen in Fabriken hergestellt würden, wären unsere Fabriken in derselben Nachbarschaft“, sagt Adams, die die Pronomen „sie“ und „sie“ verwendet.

Irgendwann fragte SZA Adams, ob sie nach Kalifornien kommen wollten, um ihr bei der Gestaltung der visuellen Elemente ihres Debütalbums Ctrl zu helfen. „Sie schickte mir eine Datei mit 500 Bildern und meinte: ‚Das ist die richtige Stimmung.‘ Ich habe sie einfach durchgesehen, sortiert und mich für die Bearbeitung entschieden“, sagt Adams. „Ich würde es als den einfachsten Job bezeichnen, den ich je hatte, aber es ist immer so einfach, mit ihr Ideen zu entwickeln. Sie weiß, was sie will, und das ist super.“ Adams fotografierte schließlich das Albumcover, filmte die Video-Teaser, entwarf Bühnen und saß bei den Meetings für jedes Musikvideo dabei. „Ich habe hauptsächlich versucht, mich für meine Freundin einzusetzen“, sagt Adams. „Wenn man so jung ist und jemand einem eine Chance gibt – das hat mich einfach sehr motiviert, dass die Leute genauso an sie geglaubt haben, wie sie an mich geglaubt hat.“

Ihre Freundschaft erleichterte die Zusammenarbeit, erhöhte aber auch den Druck. „Es ist, als ob deine Freundin ein Baby bekommt und dich mit dem Baby allein lässt, und du denkst: ‚Ich kann das Ding nicht umbringen.‘“ Sie lacht, erinnert sich dann aber an die Last, die sie als 19-jährige Kreativdirektorin empfand, als sie die visuelle Identität eines Albums schuf, das noch lange nach ihrem Tod Bestand haben sollte. „Es war mehr als nur ein Job. Es war wie: ‚Das ist das Baby meiner Freundin, und wir werden dafür sorgen, dass es richtig aufwächst.‘“

Adams würde zwar nicht so weit gehen zu sagen, dass ihre Arbeit mit SZA in den 2010er-Jahren den Grundstein für Kollaborationen wie die von Roan und Sattar gelegt hat, freut sich aber sehr darüber. „Ich liebe es, wenn Künstler offen darüber sprechen, einen Creative Director zu haben. Wenn Frauen diesen Titel tragen, verändert das ihre Position und ihren Einfluss in der Community, im Geschäft, in der Produktion und all diesen Dingen“, sagt sie. „Für mich ist das alles wunderschön und völlig anders und revolutionär. Als ich jünger war, kannte ich kaum andere weibliche Creative Directors, nur Diane Martel“, die Choreografin von R.E.M.s „Shiny Happy People“ und die legendäre Musikvideo-Regisseurin hinter Aguileras „Genie in a Bottle“, Cyrus' „We Can't Stop“ und Addison Raes „Obsessed“.

Wenn Gilbert an die Beziehung zwischen Sattar und Roan denkt, erinnert sie sich an die Zine-Kultur der 1980er und 1990er Jahre, als „junge Frauen sich durch Musik und Texte ausdrückten, aber auch durch diese Zines, die sehr visuell und dekorativ waren“, sagt sie. „Sie waren irgendwie druckvoll, kraftvoll und wild, genau wie Chappell Roans Musik, aber sie waren auch glitzernd und voller Sterne, und es ging um Selbstdarstellung, ohne Rücksicht auf die Meinung anderer.“

Als ich Mitte Februar mit Sattar sprach, legte die in Los Angeles lebende Künstlerin und Designerin gerade letzte Hand an das Werbematerial für Roans jüngsten, kitschigen Country-Hit „The Giver“. (Vielleicht haben Sie den VHS-Infomercial/das Lyric-Video gesehen, bei dem sie die kreative Leitung übernahm, oder diedazugehörigen Werbetafeln , auf denen Roan verschiedene Berufe spielt, komplett mit augenzwinkernden Schlagworten wie „Koffertücher sind nicht nur für Zahnärzte.“)

Wie Adams ist sich auch Sattar der Resonanz der Kunst bewusst, die sie mitgestaltet. „Ich bin als Fan vieler verschiedener Musiker aufgewachsen und habe mich mit den Visuals von Katy Perry oder Lady Gaga verbunden gefühlt, als ich aufwuchs. An einigen der ikonischen Momente mitzuwirken, auf die die Leute als die Musik von 2025 zurückblicken werden, macht einfach Spaß und ist etwas ganz Besonderes.“ Roan hingegen fühlt sich zwar kreativ mit ihrem aktuellen Team bei Island Records verbunden – sie bezeichnet die Vizepräsidentin für Marketing und Kreativstrategie des Labels, Natasha Kilibarda, als „Queen“ –, aber sie hat schon Situationen erlebt, in denen die Stimmung nicht stimmte und alles auseinanderfiel. „Deshalb lege ich so großen Wert darauf, meine engsten kreativen Freunde an Bord zu behalten“, sagt sie. „Weil ich ihnen vertraue und wir gemeinsam die beste Kunst machen, ganz ehrlich.“

Sie und Sattar arbeiten noch immer hart daran, Roans nächste Ära zu gestalten – eine Vision, die nur sie beide heraufbeschwören können. Sattar sagt: „Ich bin einfach unglaublich dankbar, dass ich das mit meiner besten Freundin machen kann.“