Vierzig Jahre Super Mario: Der Klempner, der der Welt das Spielen beibrachte

Bevor Nintendos Klempner mit dem Schnurrbart zu Super Mario wurde, hatte er einen anderen Namen: Jumpman . Er war der Protagonist von Donkey Kong , dem Spiel, das das japanische Unternehmen vor einer schweren Finanzkrise rettete.

Nintendo hatte damals zu viele unverkaufte Radar Scope-Arcade-Automaten auf Lager und beschloss, einen internen Wettbewerb zu starten, um herauszufinden, wie man sie recyceln könnte. Es war Shigeru Miyamoto, ein junger, damals noch unbekannter Designer, der die Idee eines Spiels vorschlug, in dem ein Zimmermann über Holzplattformen springt, um ein Mädchen vor einem riesigen Affen zu retten . Eine einfache, aber revolutionäre Idee, die das Schicksal des Unternehmens und der gesamten Branche veränderte.

Von dort war es nur ein kleiner Schritt zu „Mario Bros.“ aus dem Jahr 1983, in dem auch Luigi vorkam, und „Super Mario Bros.“ das am 13. September 1985 in Japan erschien. Und seitdem ist Mario nicht mehr nur eine Videospielfigur, sondern ein kulturelles Symbol, das verschiedene Generationen anspricht und die Zeit überdauert.

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Marios Design selbst ist das Produkt der Knappheit . Wenige Pixel, drei Farben, die Notwendigkeit, eine kleine Figur auf dem Bildschirm sofort erkennbar zu machen: den Hut, um die Haare nicht animieren zu müssen, den Schnurrbart als Ersatz für einen Mund, der zu schwer zu zeichnen war, den roten Overall, um Rumpf und Gliedmaßen voneinander abzugrenzen. Eine praktische Lösung, die letztendlich eine Ästhetik definierte und eine Einschränkung in eine Legende verwandelte.

Der Erfolg des NES, das bis zur Einführung der PlayStation 2 zur weltweit meistverkauften Konsole wurde, machte Mario zum Symbol von Nintendo und allgemein zu einer Pop-Ikone, die eine ganze Welt vermitteln konnte. Wie Pac-Man oder der Außerirdische aus Space Invaders überschritt Shigeru Miyamotos Figur den Bildschirm und wurde Teil der kollektiven Vorstellungswelt.

Was Mario von der Konkurrenz abhob, war seine Fähigkeit, nicht nur ein Level zu suggerieren, das es zu absolvieren galt, sondern ein zusammenhängendes, lebendiges Universum. Für diejenigen, die an Spiele gewöhnt waren, die alle auf einem einzigen Bildschirm stattfanden, stellte Super Mario Bros. eine Revolution dar: eine Welt zum Erkunden, Geheimnisse zum Entdecken, immer neue Herausforderungen. Zum ersten Mal waren die Hintergründe nicht schwarz, sondern hell , mit Wolken, Bergen und leuchtenden Farben. Auch die Musik spielte eine neue Rolle: mehr Stücke, kontextuelle Variationen, sogar Themen, die dem Besiegen gewidmet waren. Diese obsessive Liebe zum Detail gab den Spielern die Qualität zurück, die die Branche während der Videospielkrise der frühen 1980er Jahre verloren hatte. Es ist kein Zufall, dass es eines der ersten Spiele war, bei dem sich die Entwickler spezialisierten, sich auf nur wenige Aspekte konzentrierten und ihre Arbeit dann auf kohärente Weise standardisierten.

Die Handlung wurde auf das Wesentliche reduziert und basierte auf dem Stereotyp einer Prinzessin, die gerettet werden muss. Gerade die Einfachheit der Erzählstruktur machte sie jedoch universell . Mario war der Fremde, der in die Stadt kommt, um die Ordnung wiederherzustellen, wie in einem Western oder Märchen: Als einziger Mensch in einem Königreich voller anthropomorpher Pilze, Schildkröten und Kugeln mit Gesichtern hob er sich deutlich von seiner Umgebung ab, was seine Suche noch epischer machte. In diesem Sinne steht das Pilzkönigreich neben den fiktiven Universen von Star Wars oder Star Trek – imaginären Welten, die die kollektive Vorstellungskraft fest im Griff haben.

Seitdem hat sein Aufstieg nie aufgehört: Game Boy, Super Nintendo, Nintendo 64, Wii, Switch. Jede Konsole hat in Mario ihren Katalysator gefunden. Heute umfasst die Saga über 200 Spiele, von denen 19 über 10 Millionen Mal verkauft wurden, was einer Gesamtverkaufszahl von über 800 Millionen Einheiten entspricht. Rekordzahlen, mit denen nur wenige andere Unterhaltungsmarken mithalten können.

Doch der Erfolg von Mario, dessen Name, wie wir wissen, von Mario Segale stammt, dem Besitzer einiger von Nintendo in den USA gemieteter Lagerhallen , war nie rein kommerzieller Natur. Es ist eine Frage der Designphilosophie. Jeff Ryan schrieb in seinem Buch „Super Mario: Wie Nintendo Amerika eroberte “, dass die Stärke des Spiels gerade in seinem Mangel an Konventionalität liege: keine Superhelden, Zauberer oder Krieger, nur ein gewöhnlicher Mann, der auf Schildkröten herumspringt. Doch gerade in dieser scheinbaren Einfachheit liegt die Revolution.

Nintendo hat Spiele entwickelt, bei denen der Spieler im Mittelpunkt steht und jedes Level zu einem kleinen Spielplatz wird, den es zu erkunden gilt. Miyamoto, der auf dem japanischen Land aufwuchs, brachte seine Kindheitserlebnisse in Wäldern und Höhlen in seine digitalen Welten ein: die Freude, einen Geheimgang zu entdecken, die Überraschung, eine unerwartete Landschaft zu finden, die Freiheit zu springen, zu rennen und zu experimentieren. Er tat es mit Zelda und er tat es auch mit Mario. Es ist kein Zufall, dass die Level in Super Mario Bros. immer einem natürlichen Rhythmus folgen: Man beginnt im Gras, steigt unter die Erde hinab, schwimmt (in den verhassten Wasserleveln) und fliegt durch die Wolken.

Mit dem Aufkommen von 3D wurde diese Logik erweitert: Super Mario 64 eröffnete Sandbox-Welten, in denen sich der Spieler frei bewegen konnte, während Super Mario Odyssey jedes Königreich in eine imaginäre Touristenpostkarte mit fiktiven Broschüren verwandelte. Es ist diese Fähigkeit, andere Sprachen – Theater, Kino, Reportage, sogar Werbung – zu absorbieren, die Mario zu einem transmedialen Phänomen macht.

Und dann sind da noch die Interpretationen. Denn man kann Super Mario so angehen, wie man will. Manche wollen das Spiel so schnell wie möglich beenden, andere suchen nach Glitches und Abkürzungen, wieder andere wollen jede Münze einsammeln oder einen pazifistischen Lauf absolvieren. Mario sagt einem nie, wie man spielen soll: Er lädt zum Experimentieren ein . Es ist die reine Grammatik des Spiels, dieselbe, die auch Meisterwerke wie Tetris oder Zelda teilen: Spiele, die eine unmittelbare Sprache sprechen, jenseits von Worten, die Kinder und Erwachsene gleichermaßen berühren kann.

Vierzig Jahre später ist Mario nicht nur Filmstar und globaler Botschafter Japans, sondern auch ein Symbol, das sich anpassen kann, ohne seine Identität zu verlieren. Das kürzlich erschienene Super Mario Bros. Wonder hat dies erneut bewiesen: Angesichts eines Publikums, das mit Super Mario Maker bereits endlose und komplexe Level geschaffen hatte, wählte Nintendo einen anderen Weg und bot überraschende visuelle Ideen und kleine Momente des Staunens. Das ist das Geheimnis: sich neu zu erfinden, ohne sich selbst zu verraten.

Natürlich hat sich alles um ihn herum verändert. In den 1990er Jahren versuchten Konkurrenten, sein Image zu untergraben: Sega mit Sonic, der PC mit seinen „Erwachsenen“-Spielen. Doch der italienische Klempner ließ sich nie verdrängen. Er hat Konsolenkriege, technologische Revolutionen und sogar Branchenkrisen überlebt. Wenn heute ein Sportler namens Mario berühmt wird, kann kein Journalist der Versuchung widerstehen, ihn „Super“ zu nennen. Es ist der endgültige Beweis für einen Erfolg, der über die Leinwand hinausgeht und Werbung, Kino, Merchandising und sogar die Alltagssprache beeinflusst.

Letztendlich ist Mario wie Jeans: schlicht, langlebig und zeitlos. Er kommt nie aus der Mode, denn er wurde entwickelt, um jeden in jeder Epoche anzusprechen. Und um zu verstehen, wie ein Videospiel entsteht, eines von denen, die Bestand haben, muss man immer noch nur eine Partie Super Mario Bros. spielen. Das von 1985, mit seinen großen Pixeln und der Musik, die jeder auswendig kennt. Das erste Level verrät einem alles, was man wissen muss, ohne etwas zu sagen. Denn dort, zwischen einem Sprung und einem grünen Rohr, liegt noch immer die ganze Magie von vor vierzig Jahren.