Die 41 besten Filme auf Netflix im Moment (Juli 2025)

Netflix bietet unzählige Filme. Vielleicht sogar zu viele. Manchmal scheint es unmöglich, den richtigen Film zur richtigen Zeit zu finden. Wir helfen Ihnen. Nachfolgend finden Sie eine Liste unserer aktuellen Favoriten auf dem Streaming-Dienst – von Dramen über Komödien bis hin zu Thrillern.

Wenn Sie Lust auf Fernsehen haben, schauen Sie sich unsere Sammlung der besten Serien auf Netflix an. Lust auf mehr? Schauen Sie sich unsere Listen der besten Science-Fiction-Filme , der besten Filme auf Amazon Prime und der besten Streifen auf Disney+ an.

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Die dreiköpfige Harmoniegruppe Huntr/x ist in Höchstform. Sie ist nicht nur die beliebteste Girlgroup der Welt, sondern in ihrer geheimen Nebenrolle als Verteidigerinnen der Erde gegen dämonische Mächte sind sie dabei, ein uraltes Übel für immer zu bannen. Unglücklicherweise verbirgt Leadsängerin Rumi (Arden Cho) etwas vor ihren Bandkolleginnen Mira (May Hong) und Zoey (Ji-young Yoo), und ihr dunkles Geheimnis könnte sie auseinanderreißen, als sie ihren stärksten Feinden gegenüberstehen – einer bösen Boyband um den teuflisch gutaussehenden Frontmann Jinu (Ahn Hyo-seop). Mit einer Mischung aus dem Pastell-Pop von „Jem and the Holograms“ , der Monstertötungs-Action von „Buffy“ und genügend K-Pop-Ohrwürmern, um Blackpink zum Blinzeln zu bringen, ist „Kpop Demon Hunters“ ein perfekter Sommerfilm für Kinder und Familien, ein brillant animiertes Abenteuer, das genauso frisch und einprägsam ist wie seine energiegeladenen Musiknummern.

„Always Be My Maybe“, geschrieben von und mit Ali Wong und Randall Park, erzählt die Geschichte zweier unzertrennlicher Freunde aus Kindertagen, deren Leben sich nach einem unglücklichen Rendezvous in ihren Teenagerjahren dramatisch auseinanderentwickeln. Wong spielt Sasha Tran, eine Starköchin, deren steile Karriere die Risse in ihrer schwächelnden Beziehung kaum verdecken kann. Park spielt Marcus Kim, dessen Ambitionen ihn nicht über die lokale Spelunke und die Klimaanlagenfirma seines Vaters hinausgebracht haben. Das Schicksal – und ein bizarrer Gastauftritt von Keanu Reeves – führen die beiden Hauptdarsteller wieder zusammen. Der Film holt asiatische Amerikaner endlich aus Hollywoods klischeehaften Besetzungen heraus und präsentiert sie in einer nachdenklichen und urkomischen romantischen Komödie.

1966 sind die Physiker Nora (Lucero) und Héctor (Benny Ibarra) gleichberechtigte Partner an der Universität von Mexiko, obwohl ihre Kollegen Nora nur als Héctors Laborassistentin betrachten. Doch dann lüften sie das Geheimnis der Zeitreise, katapultieren sich ins Jahr 2025 – und stranden hier. Während beide die Fortschritte der Menschheit in einem halben Jahrhundert bewundern, freut sich Nora über das Wiedersehen mit ihrer ehemaligen Protegé Julia (Ofelia Medina), der heutigen Dekanin der Universität. Doch Héctor sehnt sich verzweifelt nach dem Komfort und Prestige seiner Vergangenheit, und die Beziehung der beiden beginnt zu zerbrechen. Eher romantische Komödie als Science-Fiction – eine Zeitreise mit einer bittersüßen Note.

Als Tess (Georgina Campbell) ihr Airbnb in einer zwielichtigen Gegend gemeinsam mit Keith (Bill Skarsgård) belegt vorfindet, glaubt man wahrscheinlich zu ahnen, wohin „Barbarian“ führt. Doch das ist nicht der Fall – und man sollte sich auf alles gefasst machen, was folgt. Geschrieben und inszeniert von Zach Cregger (in einer radikalen Abkehr von seinem komödiantischen Hintergrund), verändert sich „Barbarian“ ständig, spielt mit den Erwartungen der Zuschauer an Horrorfilm-Klischees und unterläuft sie regelmäßig. Clever geschrieben, brillant gefilmt und auf mehreren Ebenen psychologisch verstörend, ist „Barbarian“ ein wahrhaft furchteinflößender Beitrag zum modernen Horrorkanon.

Dr. Nan-young Joo möchte unbedingt in die Fußstapfen ihrer verstorbenen Astronautenmutter treten und es bis zum Mars schaffen. Jay ist ein fauler Teilzeitjobber, der nebenbei Musiker werden möchte. In diesem koreanischen Animationsfilm von Regisseur Han Ji-won werden sie zu einem vom Schicksal verfolgten Liebespaar, das die Liebe zur Musik verbindet. Der Science-Fiction-Aspekt sorgt für spektakuläre Bilder – von der futuristischen, aber plausiblen Ansicht Seouls im Jahr 2051 bis hin zu wahrhaft kosmischen, fast psychedelischen Sequenzen, während Nan-young ins All aufbricht. Das Herz der Geschichte liegt jedoch in den ruhigeren, bedeutungsvollen Momenten zwischen den Hauptfiguren. Absolut exquisit.

Für ihre Freunde ist Gil Bok-soon (Jeon Do-yeon) eine erfolgreiche Eventmanagerin und hingebungsvolle alleinerziehende Mutter ihrer Tochter Jae-yeong (Kim Si-a). In Wirklichkeit ist sie der Star bei MK Ent, einem Attentatsbüro, wo ihre fast übermenschliche Fähigkeit, in einer kritischen Situation jeden Schritt vorherzusehen, ihr eine Erfolgsquote von 100 % und einen legendären Ruf eingebracht hat. Das einzige Problem: Sie erwägt, nach Ablauf ihres Vertrags in den Ruhestand zu gehen, eine Entscheidung, die sie Bedrohungen durch verärgerte Feinde ebenso aussetzt wie ehrgeizige Kollegen. Während Titel und Prämisse nicht gerade subtil an Quentin Tarantinos Kill Bill erinnern, führt Regisseur Byun Sung-hyun dieses koreanische Action-Epos mit einigen der beeindruckendsten Kämpfe, die seit, nun ja, Kill Bill auf der Leinwand gedreht wurden, zu schwindelerregenden Höhen.

Als Mary Smith auf das Anwesen ihrer Großtante in der englischen Provinz zieht, langweilt sie sich zu Tode – bis sie eine seltene Blume findet, die nur alle sieben Jahre blüht und von Hexen wegen ihrer magischen Kräfte begehrt wird. Bald darauf wird sie zum Endor College gebracht, einer in den Wolken verborgenen Hexenakademie – doch hinter dem herzlichen Empfang, den ihr die fantasievollen Lehrkräfte bereiten, verbergen sich finstere Geheimnisse und die dunklen Ambitionen der Schulleiterin Madam Mumblechook, die Marys einzigen Freund Peter in Gefahr bringen. „Mary und die Blume der Hexen“, eine Adaption von Mary Stewarts Roman „Der kleine Besen“ , und unter der Regie von Hiromasa Yonebayashi („Arrietty“, „Erinnerungen an Marnie “) ist ein wunderbarer Film für die ganze Familie, spannend für Kinder, komplex genug für ältere Zuschauer und von Anfang bis Ende großartig animiert.

Kazuya Takaichi (Tsuyoshi Kusanagi) ist Schaffner des Shinkansen Hayabusa 60, der von Shin-Aomori nach Tokio rast. Ein ganz normaler Job – bis ein Terrorist eine Bombe an Bord entdeckt, die explodiert, wenn der Zug unter 100 km/h verlangsamt. Während die Behörden versuchen, den Angreifer aufzuhalten und die Passagiere zu retten, muss Kazuya für die Sicherheit aller an Bord sorgen. Was soll das? Einfach „Speed“ in einem japanischen Zug? Nein, „Speed“ war einfach die Originalfassung des Hochgeschwindigkeitszugs von 1975 in einem amerikanischen Bus – und diese moderne Version ist zu gleichen Teilen Remake und Fortsetzung dieses Klassikers mit Sonny Chiba in der Hauptrolle. Es ist jedoch mehr als ein unterhaltsamer Actionthriller – Regisseur Shinji Higuchi genießt die Gelegenheit, sich über punktesüchtige Politiker lustig zu machen, die bei ihrer Reaktion auf die Krise durch bürokratische Prozesse behindert werden (was niemanden überrascht, der „Shin Godzilla“ aus dem Jahr 2016 gesehen hat, bei dem er gemeinsam mit Hideaki Anno Regie führte). „Bullet Train Explosion“ ist eine rasante, buchstäblich explosive Action mit satirischer Note und ein echter Knaller (tut mir leid).

Falls in Ihrem Leben aufgrund der etwa 4.738 Jahre langen Wartezeit zwischen den Staffeln eine Lücke in Form von Stranger Things klafft, könnte diese Dokumentation über die Produktion der West-End-Bühnenshow The First Shadow, die einen Blick hinter die Kulissen wirft, diese Lücke möglicherweise füllen. Der Film verrät zwar nicht die gesamte Produktion – er ist selbst ein Prequel, spielt im Jahr 1959 und zeigt, wie die verschlafene Stadt Hawkins zum Ground Zero für alles Gruselige wurde –, aber er bietet einen faszinierenden Einblick in die technische Zauberei, die nötig war, um die Show zum Leben zu erwecken, und wie Regisseur Stephen Daldry ( Billy Elliott , The Crown von Netflix) und die legendäre Theaterproduzentin Sonia Friedman mit den Duffer-Brüdern zusammenarbeiteten, um alles in der Überlieferung und Geschichte der Serie zu verankern.

Diese wunderschön animierte Version des Konzepts imaginärer Freunde ist eine skurrile Fabel voller atemberaubender Bilder und großartiger Ideen. Adaptiert von A.F. Harrolds Buch, folgt „The Imaginary“ der jungen Amanda und ihrem besten Freund Rudger – erschaffen von ihrer eigenen Fantasie – auf unzähligen Abenteuern. Doch als Amanda älter wird, ereilt Rudger das Schicksal aller imaginären Freunde: Er verschwindet, weil seine Menschen ihn vergessen. Der neueste Film von Regisseur Yoshiyuki Momose ( „Maria und die Blume der Hexen “) und Studio Ponoc – dem spirituellen Nachfolger des mächtigen Studio Ghibli – ist eine beeindruckende Ode an die Kraft der Fantasie und der Freundschaft.

Wenn die Ökonomie des Jenseits darin besteht, die Lebenden in Angst und Schrecken zu versetzen, wird der Tod zum kapitalistischen Höllenloch. In „Dead Talents Society“ kämpfen die verfeindeten „Geisterinnen“ Catherine (Sandrine Pinna) und ihre ehemalige Protegé Jessica (Eleven Yao) um Glamour und Prestige im Jenseits, indem sie neue Wege finden, Sterbliche zu erschrecken. Währenddessen kämpft eine Newcomerin, die nur als Rookie (Gingle Wang) bekannt ist, darum, überhaupt mit Schrecken aufzufallen – und riskiert, völlig in der Versenkung zu verschwinden, wenn sie sich ihren Lebensunterhalt als Untote nicht verdient. Eine scharfzüngige satirische Horrorkomödie, die sich über alles von Reality-TV bis zur Hustle-Kultur lustig macht, schlägt diesen taiwanesischen Film von Drehbuchautor und Regisseur John Hsu Beetlejuice mit seinen eigenen Waffen.

Ein Wochenendausflug von Amanda und Clay mit ihren Kindern Archie und Rose in ein luxuriöses Ferienhaus nimmt nach einem unerklärlichen Stromausfall eine unheilvolle Wendung. Als der Hausbesitzer George und seine Tochter Ruth vorzeitig zurückkehren, wächst der Verdacht – doch eine wachsende Herde Rehe, die vor dem Haus lauert, kaputte Autos und vereinzelte Berichte über Anschläge in den USA zwingen die beiden Familien, sich angesichts des drohenden Weltuntergangs aufeinander zu verlassen. Die Adaption des gleichnamigen Romans von Rumaan Alam und eine Starbesetzung mit Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la und Kevin Bacon lassen das Publikum ebenso im Ungewissen wie seine Figuren, erklären wenig und lassen Fragen offen, die einen noch tagelang beschäftigen.

Miles Morales' (Shameik Moore) Entwicklung als Spider-Man setzt sich in dieser phänomenalen Fortsetzung des Oscar-prämierten Films „ Across the Spider-Verse“ fort, doch dieses Mal ist die Nachbarschaft des Netzschwingers viel größer und viel weniger freundlich. Als Miles in eine multiversale „Spider Society“ unter der Führung des imposanten Spider-Man 2099 (Oscar Isaac) eingeführt wird, stellt er fest, dass er der einzige Spider-Man ist, der nicht eingeladen wurde – und dass ihm eine unausweichliche Tragödie bevorsteht. „Across the Spider-Verse“ ist optisch noch ambitionierter als sein Vorgänger und jede alternative Realität – und die Helden, die sie ihr Zuhause nennen, darunter Gwen Stacey Spider-Woman (Hailee Steinfeld), Spider-Man India (Karan Soni) und Spider-Punk (Daniel Kaluuya) – wird mit unverwechselbarem Design und Animationsstil zum Leben erweckt. Damit ist es ein fast unsagbar ambitionierter Ausflug. Es ist auch ein Film, der pures Spektakel mit dunkleren, emotionaleren Konflikten für Miles in Einklang bringt und weder ihm noch den Zuschauern einfache Antworten bietet. Ein Film, der so brillant ist, dass das Warten auf den kommenden dritten Teil, Beyond the Spider-Verse , mit jedem Tag schmerzhafter wird.

Dieser urkomische und unterhaltsame Film über riesige Monster verzichtet auf die Zerstörung von Tokio oder New York und spielt stattdessen in der Heimat Norwegens, die Regisseur Roar Uthaug ( Tomb Raider , 2018) verkörpert. Ein gigantischer Troll stapft nach einer Bohroperation in Richtung Oslo. Obwohl Handlung und Charaktere jedem Kaiju-Kino-Fan bekannt vorkommen dürften, ermöglichen die markanten nordischen Bilder und die Fähigkeit der titelgebenden Bedrohung, sich in die Landschaft einzufügen, einige beeindruckend originelle Wendungen. Obwohl „Troll“ leicht in eine Parodie hätte abdriften können, verzichtet Uthaug auf selbstgefällige Selbstgefälligkeit und liefert stattdessen ab. Mit einer Fortsetzung, die später im Jahr 2025 erscheint, ist jetzt der perfekte Zeitpunkt, eine der frischesten Interpretationen des Genres seit Jahren wiederzuentdecken.

Es ist nicht allzu oft der Fall, dass man auf Netflix viele Filmklassiker findet – der Algorithmus wird ja ständig mit dem Strom neuer Filme gefüttert – daher ist die Verfügbarkeit von Alfonso Cuaróns brillantem Coming-of-Age-Film aus dem Jahr 2001 eine wahre Freude. „Y Tu Mamá También “ („Und deine Mutter auch“) spielt im Mexiko des Jahres 1999 und folgt dem reichen Jungen Tenoch (Diego Luna) und seinem Freund Julio (Gael García Bernal) aus der Arbeiterklasse auf einem Roadtrip mit Luisa (Maribel Verdú), der Frau von Tenochs Cousin. Es ist eine Reise, auf der die jungen Männer – eigentlich noch Jungs – um die Aufmerksamkeit der schönen älteren Frau buhlen, sich in Lügen verstricken und versuchen, mit unverdientem Selbstvertrauen durchzukommen, während sie gleichzeitig behaupten, sie seien auf dem Weg zu einem Bilderbuchstrand, den sie sich ausgedacht haben. Und warum die viel reifere und erfahrenere Luisa überhaupt mitkommen sollte? Packen Sie Taschentücher ein. Obwohl der Film wegen seiner freimütigen Darstellung von Sex und Drogen für Kontroversen sorgte (er ist nichts für einen Familienfilmabend), bleibt er ein Meisterwerk; eine wilde und allzu reale Untersuchung junger Freundschaften und fragiler Männlichkeit.

Regisseur Bong Joon-hos mitreißender Thriller aus dem Jahr 2019 ist der erste nicht-englischsprachige Film, der den Oscar für den besten Film gewann – und der Grund dafür ist völlig klar. Seine düstere Auseinandersetzung mit wirtschaftlicher Ungleichheit und die Verurteilung kapitalistischer Exzesse konzentriert sich auf den Schauplatz Südkorea, findet aber auch beim weltweiten Publikum Anklang. „Parasite“ folgt der Familie Kim, die sich in das Leben der wohlhabenden Parks einschleicht und sich als Hausangestellte ausgibt, um ein Leben in nahezu luxuriösem Zustand zu führen, bevor ihre Täuschung völlig außer Kontrolle gerät. Der Film ist zugleich eine dunkle Komödie und verspottet die Gleichgültigkeit der reichen Klassen gegenüber ihren eigenen Privilegien und der Verzweiflung der Armen. Der Film ist durchweg exquisit gefilmt und meisterhaft inszeniert, wobei Bong die Spannung mit jeder Szene gekonnt steigert, bis alles einem scheinbar unvermeidlichen Ende entgegengeht – und es dennoch schafft, die Erwartungen des Publikums zu verdrehen und zu unterlaufen. Ein spektakuläres Werk der Filmkunst, das den Hype verdient. Diese Auseinandersetzung mit Klassen und Ungleichheit wirkt aktueller denn je.

Ist ein Film, der an Weihnachten spielt, an sich schon ein Weihnachtsfilm? Diese Debatte wird seit Jahrzehnten rund um „Stirb langsam “ geführt. Jetzt wirft „Carry-On“ dieselbe Frage auf. In diesem spritzigen Thriller von Jaume Collet-Serra, dem Regisseur von „House of Wax“ und „Black Adam“ , gerät TSA-Agent Ethan Kopek (Taron Egerton) in eine furchtbare Weihnachtsnacht, als er von einem Söldner namens „Traveller“ (Jason Bateman) erpresst wird, ein gefährliches Paket durch die Sicherheitskontrolle zu lassen. Ein tödliches Katz-und-Maus-Spiel beginnt, während Ethan versucht, den „Traveller“ aufzuhalten – und dabei das Leben von Ethans Freundin Nora (Sofia Carson) auf dem Spiel steht. Stellenweise etwas kitschig und reißerisch, aber dieser Action-Retro-Film ist einfach unterhaltsam.

In-vitro-Fertilisation mag heutzutage wie ein relativ banaler medizinischer Eingriff erscheinen, der unzähligen Menschen mit Kinderwunsch Hoffnung und Familie gebracht hat. Doch als das Verfahren in den 1960er und 1970er Jahren von drei britischen Wissenschaftlern und Medizinern entwickelt wurde, war es äußerst umstritten. Das liefert eindringlichen Stoff für diese Dramatisierung, die die Arbeit der Krankenschwester und Embryologin Jean Purdy (Thomasin McKenzie), des Wissenschaftlers Robert Edwards (James Norton) und des Chirurgen Patrick Steptoe (Bill Nighy) dokumentiert, obwohl sie von der Öffentlichkeit, der britischen Regierung und sogar – vielleicht besonders – der Kirche verteufelt werden. Besonders McKenzie brilliert in der Rolle der Purdy, die von ihrem eigenen Glaubenskonflikt zerrissen wird, weil sie an dieser lebensverändernden Arbeit beteiligt ist, die auch die sichere Abtreibungsversorgung für Frauen beinhaltet, die sie benötigen, und die mit der Ausgrenzung durch ihre Familie und Gemeinschaft zu kämpfen hat. Ein kraftvolles und provokantes Drama, auch heute noch.

Ein Serienmörder wird als Junggeselle in einer Dating-Gameshow gecastet, wo er sein nächstes potenzielles Opfer direkt vor den Augen des Publikums zu Hause einschätzen kann. Das wäre eine abgefahrene Ausgangssituation für einen Slasher-Film – doch das Erschreckende an „Woman of the Hour“ ist, dass er auf dem wahren Fall von Rodney Alcala basiert, der 1978 Kandidat bei „The Dating Game“ war, während er mitten in einer Mordserie steckte. Im Mittelpunkt dieser Dramatisierung steht jedoch nicht der Mörder. In ihrem Regiedebüt konzentriert sich Anna Kendrick stattdessen auf Sheryl (gespielt von Kendrick, basierend auf der realen Cheryl Bradshaw), die das Pech hat, mit Alcala (Daniel Zovatto) zusammengebracht zu werden, und die Frauen, die den Mörder anzeigten oder verdächtigten, nur um von den Behörden routinemäßig ignoriert zu werden. Ein spannender Thriller, der deutlich macht, dass der wahre Horror darin liegt, wie leicht Acala so lange der Aufmerksamkeit entging.

Will Ferrell muss wahrscheinlich nicht vorgestellt werden, aber als ehemalige Chefautorin von Saturday Night Live ist Harper Steele das Leben hinter der Kamera eher gewohnt. Die beiden starteten 1995 in derselben Woche bei der Erfolgssendung und schlossen eine jahrzehntelange Freundschaft – als Harper Ferrell also schrieb, dass sie ihren Übergang zu einem Leben als Frau vollziehen würde, war das für beide eine große Veränderung. Das war auch die Grundlage für diese wunderschöne, herzerwärmende und oft zum Schreien komische Roadtrip-Dokumentation, die die beiden begleitet, als sie in einem alten Jeep Grand Wagoneer quer durch die USA fahren, sich wieder näherkommen und erfahren, wie ihre Freundschaft heute aussieht. Das Ansehen ist manchmal etwas unangenehm – einige von Ferrells Fragen verwischen die Grenze zwischen anstößig und einfach nur unhöflich – aber es ist für beide eine ungeschönte und authentische Reise. Abgesehen von den persönlichen Details bietet Will & Harper einen zeitgemäßen Blick darauf, wie Amerika für eine Transperson heute aussieht, und ist damit möglicherweise eine der wichtigsten Dokumentationen, die Netflix je produziert hat.

Als ihr Vater dem Ende seines Lebens entgegengeht, sind die Schwestern Rachel (Natasha Lyonne), Katie (Carrie Coon) und Christina (Elizabeth Olsen) gezwungen, wieder zueinanderzufinden, während sie auf das Unvermeidliche warten. Düstere Stimmung, aber auch Anlass für meisterhafte Leistungen des Haupttrios: Rachel hat monatelang die Hauptpflege übernommen, Katie stellt herrische Forderungen, obwohl sie der Situation aus dem Weg geht, und die New-Age-orientierte Christina versucht, den Frieden zu wahren – obwohl sie selbst am Rande des Zusammenbruchs steht. Das Stück gleicht fast einem verschlossenen Raum: Die Wohnung hält die Frauen gefangen und zwingt sie, nicht nur den Tod ihres Vaters, sondern auch ihre eigenen Beziehungen zueinander zu verarbeiten, während Vincent (Jay O. Sanders) sie schon vor seinem Tod verfolgt. Der Tod mag über dem Drama von Regisseur Azazel Jacobs schweben, doch „Seine drei Töchter“ erweist sich letztendlich als seltsam lebensbejahend.

Als Seita und seine kleine Schwester Setsuko in den letzten Tagen des Zweiten Weltkriegs durch die Bombenangriffe auf Kobe zu Waisen werden, müssen die Geschwister unter schrecklichen Umständen überleben. Sie leben zwischen den Misshandlungen ihrer Großfamilie und der schieren Verzweiflung, mit der sie in den Ruinen ihrer zerstörten Heimatstadt nach Essen und Getränken suchen müssen. Dies ist ein trostloses Leben – und gleichzeitig die Grundlage für eines der besten Werke von Studio Ghibli. „Die letzten Glühwürmchen“ unter der Regie von Isao Takahata und basierend auf einer Kurzgeschichte von Akiyuki Nosaka ist unverblümt erschütternd in seiner Darstellung, wie Krieg und Nationalismus die Schwächsten zermürben. Doch ist er gespickt mit Momenten unerschütterlicher Liebe, als Seita versucht, Setsukos Unschuld zu beschützen. Dieses ergreifende Kriegsdrama ist ernüchternd, aber sehenswert – ein Film, der seinen Platz in der oberen Liga der besten Filme von Studio Ghibli mehr als verdient hat.

Als korrupte Polizisten den ehemaligen Marinesoldaten Terry Richmond (Aaron Pierre) von der Straße jagen, weil er als Schwarzer Fahrrad fährt, beschlagnahmen sie auch das Geld, mit dem er die Kaution für seinen Cousin bezahlen wollte. Trotz dieser Ungerechtigkeit versucht Terry, alles nach Vorschrift zu machen, doch tatsächlich ist das Rechtssystem in vielerlei Hinsicht gegen ihn. Seine Geduld reißt ihn, und seine berechtigte Wut trieb ihn an, den Verfall der Kleinstadt auszumerzen. Einzige Hilfe ist die Gerichtsangestellte Summer (AnnaSophia Robb). Drehbuchautor und Regisseur Jeremy Saulnier hätte aus Rebel Ridge auch nur einen modernen „First Blood“ machen können, aber trotz der vielen mitreißenden, knochenbrechenden Kampfszenen ist es der zu Recht wütende Blick auf die tief verwurzelten Fehler des amerikanischen Rechtssystems, der dem Film Biss verleiht – und Pierre gleichzeitig als Actionstar etabliert, den man im Auge behalten sollte.

In diesem fast schon lächerlich ernsten französischen Monsterfilm jagt Bérénice Bejo als Meeresspezialistin Sophia Assalas einen Makohai, der nicht nur spontan mutiert ist, um in der Süßwasser-Seine zu überleben, sondern auch kurz davor steht, eine Horde menschenfressender Haibabys zur Welt zu bringen. Schlimmer noch? In Paris findet demnächst ein Triathlon statt, und der Schwimmteil wird zum All-you-can-eat-Buffet! Nicht alles auf dieser Liste muss hohe Kunst sein – manchmal muss man einfach nur einen mutierten Hai sehen, der Menschen einfach nur vernascht , während immer verzweifeltere Menschen anfangen, Dinge in die Luft zu jagen. Play drücken, Gehirn ausschalten, genießen.

Gary Johnson (Glen Powell) ist ein sanftmütiger Philosophieprofessor – und Auftragskiller. Naja, nicht ganz. Er gibt sich nur als solcher aus und arbeitet mit der New Orleanser Polizei zusammen, um Leute zu überführen, die einen Auftragskiller anheuern wollen. In dieser Rolle ist er überraschend gut, doch als Madison (Adria Arjona) versucht, ihren gewalttätigen Ehemann in den Griff zu bekommen, verliebt sich Gary in sie – und die Folgen könnten fatal sein. Unter den Händen eines anderen Regisseurs wäre „Hit Man“ vielleicht zu düster oder schlichtweg inhaltslos gewesen (er basiert lose auf einer wahren Begebenheit), doch Regisseur Richard Linklater nutzt seine charakteristischen spritzigen Dialoge und brillant ausgearbeiteten Charaktere, um eine intelligente Actionkomödie abzuliefern, die die Rollen der Menschen in der Gesellschaft ebenso thematisiert wie Verwechslungsspassagen.

Trotz der Präsenz des titelgebenden Kaiju ist Godzilla Minus One ein Film, der in der Menschlichkeit seiner Protagonisten verwurzelt ist: des desertierten Kamikazepiloten Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) und Noriko Ōishi (Minami Hamabe), einer Überlebenden der Bombenangriffe auf Tokio. Als Ersatzfamilie zusammengewürfelt, um ein verwaistes Baby großzuziehen, geraten ihre Versuche, ein neues Leben aufzubauen, ins Chaos, als das verstrahlte Reptil die Stadt gerade in dem Moment trifft, als sie sich zu erholen beginnt. Regisseur Takashi Yamazakis Neuinterpretation von Japans bedeutendstem Kaiju brachte dem „König der Monster“ seinen ersten Oscar überhaupt ein und wurde bei der Oscarverleihung 2024 für die besten visuellen Effekte ausgezeichnet. Doch dieser Film geht über bloßes Spektakel hinaus – er ist eine eindringliche Auseinandersetzung mit dem Leben nach dem Krieg und wie eine Nation damit umgeht, auf der Verliererseite zu stehen.

Suzume Iwato (auf Japanisch gesprochen von Nanoka Hara, auf Englisch von Nichole Sakura) lebt mit ihrer Tante auf einer Insel im Süden Japans, nachdem sie ihre Mutter beim Tōhoku-Erdbeben 2011 verloren hat. Als ein attraktiver junger Fremder namens Souta (Hokuto Matsumura, Josh Keaton) sie nach dem Weg zu einigen Ruinen in der Nähe fragt, folgt sie ihm aus Neugier, stört dabei jedoch einen lebenden Schlussstein und entfesselt dadurch versehentlich eine uralte Macht, die das ganze Land zu zerstören droht. In Soutas Welt hineingezogen, jagen die beiden den Schlussstein, nun in Gestalt einer Katze, quer durch Japan in einem verzweifelten Versuch, das zerstörerische Wesen wieder zu versiegeln – ein Unterfangen, das einfacher wäre, wenn Souta nicht in einen hölzernen Kinderstuhl verwandelt worden wäre. Der neueste Film von Makoto Shinkai („ Your Name“, „Weathering with You “), „Suzume“ , ist ein atemberaubend animiertes Stück magischen Realismus mit surrealistischer Note – doch jenseits des Spektakels ist er eine herzerwärmende Geschichte über Gemeinschaft und Menschlichkeit, wobei jeder Halt auf der Reise des ungleichen Paares eine Momentaufnahme von Menschen und Familien ist, die nach einer Tragödie zusammenfinden.

Unter der Regie von George C. Wolfe ( Ma Raineys Black Bottom ) erforscht dieses Biopic das Leben des Bürgerrechtlers Bayard Rustin. Rustin ist zwar vor allem als einer der Hauptorganisatoren des Marsches auf Washington 1963 bekannt, lebte aber auch offen und unverblümt zu seiner Homosexualität – zu einer Zeit, als dies eine Seltenheit war. Der Film verschweigt nicht, wie sehr ihn das viele seiner Kollegen entfremdete, da seine Sexualität oft als Bedrohung für die Bewegung angesehen wurde. Ein dringend nötiger Blick auf eine übersehene, aber zentrale Figur der Bürgerrechtsbewegung, hervorgehoben durch die herausragende Darstellung von Colman Domingo in der Rolle des Rustin selbst.

Bol (Ṣọpẹ́ Dìrísù) und Rial (Wunmi Mosaku) sind aus dem kriegszerrütteten Südsudan geflohen und leben nun in einem heruntergekommenen Haus am Rande Londons. Obwohl sie versuchen, sich anzupassen, werden sie von ihren Nachbarn schikaniert. Das Leben, das sie zurückgelassen haben, verfolgt das Paar – sowohl im übertragenen als auch (möglicherweise) im wörtlichen Sinne: Visionen ihrer verstorbenen Tochter Nyagak, die die Reise nicht überlebt hat, tauchen in den Wänden ihres trostlosen neuen Zuhauses auf und verschwinden wieder. Der wahre Horror von „His House“ sind jedoch nicht die seltsamen Visionen, das Spukhaus oder die möglichen Geister – es ist die Trostlosigkeit des Lebens, zu dem Bol und Rial gezwungen werden, die Feindseligkeit und Entmenschlichung des britischen Asylverfahrens, der offene und beiläufige Rassismus, all dies gepaart mit dem enormen Gefühl des Verlusts, das sie mit sich tragen. Indem Regisseur Remi Weekes das Makabre mit dem Alltäglichen vermischt, liefert er einen spannenden, herausfordernden Film, der die Zuschauer ebenso sehr verfolgt wie seine Charaktere.

Paul Edima (Richard Mofe-Damijo) führt ein friedliches Leben als Kirchendiakon und versucht, für seine früheren Taten als hochqualifizierter Spezialagent zu büßen – oder sie zumindest zu vergessen. Seine Pläne, seine gewalttätige und blutige Vergangenheit hinter sich zu lassen, scheitern, als sein Sohn eines Mordes beschuldigt und anschließend von korrupten Polizisten getötet wird. Edima ist nun gezwungen, auf alte Fähigkeiten zurückzugreifen, um Rache zu nehmen . Zwar erinnert der Film an „96 Hours“, doch es sind die rohe Energie und die frischen Interpretationen bekannter Actionfilm-Formeln von Regisseurin Editi Effiong, die – unterstützt von einem der höchsten Budgets in der Geschichte „Nollywoods“ – diesen düsteren Film bis nach Südkorea an die Spitze der meistgesehenen Filme bringen. Erweitern Sie Ihren filmischen Horizont und finden Sie heraus, worum es geht.

Dieser Dokumentarfilm dreht sich um den gleichnamigen Berliner Nachtclub und erforscht das Leben von LGBTQ+-Personen in der Zwischenkriegszeit, von den wilden 1920ern über den Aufstieg der Nazis bis hin zu den Schrecken des Zweiten Weltkriegs. Mit einer Mischung aus Archivmaterial, nachgestellten Szenen und Berichten aus erster Hand zeichnet Regisseur Benjamin Cantu ein Bild von fröhlicher Dekadenz: das Eldorado als beinahe heiligen Ort, an dem Künstler und Gäste gleichermaßen mit Geschlechterausdruck experimentierten und ihre Sexualität offen zeigen konnten. Der Film ist eine Ode an das, was verloren ging, mit Blick auf die bizarren Widersprüche der Zeit, in der offen schwule Clubgänger im Laufe der Jahre ihre eigenen Nazi-Uniformen trugen. „Everything the Nazis Hate“ ist stellenweise emotional herausfordernd, aber der Film liefert ein wichtiges Stück queerer Geschichte, das vielen gar nicht bewusst sein dürfte.

Wu Ming-han (Greg Hsu) ist kein guter Kerl. Der homophobe Polizist verändert sein Leben – und seine Vorurteile –, als er bei der Untersuchung eines Falles einen unscheinbaren roten Umschlag findet. Durch die Tradition der „Geisterehe“ ist Wu nun mit Mao Mao (Austin Lin) verbunden, einem schwulen Mann, der unter mysteriösen Umständen starb. Wu muss den Tod seines „Ehemanns“ aufklären, bevor er sein Leben weiterführen kann. Unter der Regie von Cheng Wei-hao, besser bekannt für seine Thriller und Horrorfilme, verleiht „Marry My Dead Body “ dem Film seinen übernatürlichen Stil und schafft so einen Film, der Grenzen überschreitet.

Drogendealer Fontaine (John Boyega) wurde letzte Nacht erschossen. Warum wacht er dann im Bett auf, als wäre nichts passiert? Diese existenzielle Frage führt Fontaine und zwei ungewöhnliche Verbündete – die Prostituierte Yo-Yo (Teyonah Parris) und den Zuhälter Slick Charles (Jamie Foxx) – auf die Entdeckung einer gewaltigen Verschwörung in einer mehrheitlich von Schwarzen bewohnten Stadt namens The Glen. Dort werden die Menschen mit hypnotischer Rap-Musik besänftigt, mit drogengetränktem Hühnchen und Traubensaft verblödet und in der Kirche zum Gehorsam ermahnt. Doch wer benutzt die Stadt als Brutstätte, und warum befindet sich dort ein unterirdisches Klonlabor? Diese tödlich scharfe Satire von Autor und Debütregisseur Juel Taylor vermischt meisterhaft Genres – von der Verwendung visueller Motive und altmodischer Klischees aus dem Blaxploitation-Kino der 1970er-Jahre bis hin zu häufigen Ausflügen ins Science-Fiction-Genre und urkomische Komödien. Doch es sind die kraftvollen Leistungen der Hauptdarsteller, die diesen Film zu einem sehenswerten Erlebnis machen.

Gestaltwandlerin Nimona kann alles werden, was sie will – eine Gabe, die die Menschen fürchten und meiden lässt. Wenn die Gesellschaft sie wie eine Schurkin behandelt, wird sie eben eine. Also beschließt sie, die Handlangerin des verhassten schwarzen Ritters Ballister Blackheart zu werden. Unglücklicherweise für die aufstrebende Bedrohung ist Blackheart nicht ganz das Monster, für das er gehalten wird. Stattdessen versucht er, Nimonas mörderische Tendenzen zu zügeln, um seinen Namen von einem Verbrechen reinzuwaschen, das er nicht begangen hat – und sich dabei seinem alten Freund Ambrosius Goldenloin zu stellen. Basierend auf N.D. Stevensons bahnbrechender Graphic Novel ist Nimona mehr als nur eine weitere Fantasiegeschichte – es ist eine Geschichte von Außenseitern und Exilanten, von Menschen, die versuchen, das Richtige zu tun, selbst wenn ihre Gemeinschaft sie ablehnt, und von der Freude, unterwegs ihre eigene kleine Gruppe zu gründen. Nach fast zehn Jahren auf der Leinwand ist dieser umwerfend animierte Film sofort zum Klassiker geworden.

In einer Welt, die bereits von einer zombieähnlichen Plage heimgesucht wird, will Andy Rose (Martin Freeman) nur seine Familie schützen und bleibt Australiens ländlichen Nebenstraßen, um einer Infektion zu entgehen. Nachdem seine Frau auf tragische Weise gebissen wird und ihn wiederum ansteckt, sucht Andy verzweifelt nach einem sicheren Zufluchtsort für seine kleine Tochter Rosie. Nur 48 Stunden vor seinem eigenen Tod findet Andy eine Verbündete in Thoomi (Simone Landers), einem Aborigine-Mädchen, das ihren eigenen tollwütigen Vater beschützen will. Doch angesichts der Bedrohung durch paranoide Überlebenskünstler und Aborigine-Gemeinschaften, die die Infizierten jagen, könnte es bereits zu spät sein. „Cargo“ ist eine einzigartige Variante der Zombie-Apokalypse. Es verlässt die bekannten urbanen Landschaften des Genres und begibt sich in die atemberaubende Wildnis Australiens. So bietet es eine langsamere, charakterbasierte Annäherung an das Ende der Welt.

„Call Me Chihiro“ ist ein idyllischer Film aus dem wahren Leben mit einer überraschenden Wendung. Er erzählt die Geschichte einer ehemaligen Sexarbeiterin – der titelgebenden Chihiro, gespielt von Kasumi Arimura –, nachdem sie in eine Küstenstadt gezogen ist, um dort in einem Bento-Restaurant zu arbeiten. Dies ist nicht die Geschichte einer Frau auf der Flucht oder auf der Flucht vor ihrer Vergangenheit – Chihiro ist erfrischend offen und kompromisslos, und ihre Wärme und Offenheit verändern bald das Leben ihrer Nachbarn. Unter der Regie von Rikiya Imaizumi ist dies ein intimes, gefühlvolles Charakterdrama, das zwischen Momenten schmerzlicher Einsamkeit und purer Freude wechselt und voller emotionaler Momente steckt, die den Zuschauer an die Bedeutung selbst der kleinsten Verbindungen erinnern.

Daniel Craig wiederholt seine Rolle als Detective Benoit Blanc in dieser brillanten Follow-up in den Phänomenalwodunnit von 2019, Messer . Die Autorin-Regisseurin Rian Johnson bastelt ein teuflisch scharfe neue Koffer für „The Last The Gentlemen Sleuths“, der Blanc zu einem griechischen Inselausflug für einen zurückgezogenen Tech-Milliardär und seine Sammlung von Freunden und Kleiderbügeln bringt, wo ein geplantes Krimi-Mystery-Wochenende eine tödliche Wende. Während die Fans des ersten Films für Blanc, die für Blanc, für Craig, für Craig ebenso ikonisch sind wie 007, belohnt werden wie 007. Janelle Monáe! Kathryn Hahn! Leslie Odom Jr.! Jessica Henwick! Madelyn Cline! Kate Hudson! Dave Bautista! - Das Kino -Träume besteht aus Glas Zwiebeln könnte das Beste sein, was Netflix das ganze Jahr über gesunken ist.

Florence Pugh wird in diesem nicht ganz Horrorfilm des Oscar-Preisträgers Sebastián Lelio blendend. Die englische Krankenschwester Lib Wright (Pugh) wird 1862 nach Irland geschickt, um Anna O'Donnell zu beobachten, ein Mädchen, das behauptet, seit vier Monaten nicht mehr gegessen zu haben, und sich stattdessen auf „Manna vom Himmel“ unterlag. Lib, der immer noch um den Verlust ihres eigenen Kindes trauert, wird zwischen der Untersuchung der medizinischen Unmöglichkeit und der wachsenden Besorgnis für Anna selbst zerrissen. Inmitten von Hindernissen in Form von Annas zutiefst religiöser Familie und einer lokalen Gemeinschaft, die ihr misst, steigt Libs Uhr in eine angespannte, schreckliche Erfahrung ab. Basierend auf einem gleichnamigen Buch von Emma Donoghue ist das Wunder ein wunderschönes, aber düsteres Stück, das die allzu mortalen Schrecken erforscht, die die unbestreitete religiöse Inbrunst und Familiengeheimnisse ansprechen können.

Einer der größten Filme Indiens aller Zeiten, RRR (oder Rise, Roar, Revolt ) definiert den Begriff des filmischen Spektakels neu. Das 1920 liegende historische Epos folgt den realen indischen Revolutionären Alluri Sitrama Raju (Ram Charan) und Komaram Bheem (nt Rama Rao Jr.), fiktionalisiert jedoch ihr Leben und ihre Handlungen. Obwohl sie aus sehr unterschiedlichen Lebensbereichen stammen, ziehen sie sie zusammen, während sie sich sadistischer Gouverneur Scott Buxton (Ray Stevenson) und seiner grausamen Frau Catherine (Alison Doody) gegenübersehen. RRR ist kein bloßes Flaum, RRR ist ein mutiges, aufregendes und oft explosives Stück Filmemachen, das seine Helden zum nahezu mythologischen Status erhöht. Regisseur SS Rajamouli setzt brillant gedrehte Actionszenen - und eine exquisit choreografierte Tanznummer - ein, die die Aufmerksamkeit der Zuschauer erregt und sich weigern, loszulassen. Egal, ob Sie ein langjähriger Fan des indischen Kinos sind oder nur einen Actionfilm jenseits der Hollywood -Norm suchen, RRR ist nicht zu übersehen.

Als Preisträgerin in Cannes in Cannes im Jahr 2019 ist diese Geschichte der aufkeimenden jungen Liebe, Besessenheit und autonomen Körperteile genauso seltsam, wie Sie es für einen französischen Animationsfilm erwarten könnten. Der Regisseur Jérémy Clapin zeigt das Leben von Naoufel, einem marokkanischen Einwanderer im modernen Frankreich, der sich in die entfernte Gabrielle verliebt, und die abgetrennte Hand von Naoufel, die sich durch die Stadt bewegt, um sich wieder zu verbinden. Angesichts der Überschneidung von Zeitplänen und komplexen Diskussionen über das Schicksal ist ich oft umwerfend, aber immer faszinierend, und Clapin verwendet überall brillant detaillierte Animationen und phänomenale Farbauswahl. Es lohnt sich, sowohl im ursprünglichen Französisch als auch im soliden englischen Dub mit Dev Patel und Alia Shawkat zu sehen, und es wagt es Sie, alles zu verstehen.

Frustriert von der kollektiven Untätigkeit der Welt bei existenziellen Bedrohungen wie dem Klimawandel? Vielleicht schau nicht auf , schau nicht auf , Regisseur Adam McKays satirische schwarze Komödie. Wenn zwei Astronomen auf niedrigem Niveau einen Planetenkomet auf einem Kollisionskurs mit Erde entdecken, versuchen sie, die Behörden zu warnen-nur um mit einem kollektiven „meh“ zu sein. Die Angelegenheiten werden nur noch schlimmer, wenn sie versuchen, die Nachrichten selbst zu verletzen und vapide Fernseher, Prominente, die nach einer charakteristischen Ursache suchen, und einer gleichgültigen Öffentlichkeit. Eine düstere, lustige Anklage gegen unsere Zeit, die von einer von Leonardo DiCaprio und Jennifer Lawrence ausgesetzten Besetzung gestärkt wurde, ist nicht einbekannt , ein der besten Porträts der Menschheit seit der Idiokratie .