Die 25 besten Filme des Jahres 2025 (bisher)
Es ist Hochsommer, und in New York folgt auf eine brutale, stinkende Hitzewelle eine brutale, stinkende Hitzewelle nach der anderen. Und die Nachrichten – nun ja, Sie kennen die Nachrichten. Aber das Positive daran … Gelächter! Ja, Gelächter. Im Kino! Ich weiß, ich weiß. Es ist Hochsommer. Filme sind im Hochsommer nicht lustig . Na ja, dieses Jahr … sind sie es irgendwie schon?!
Ich war hier draußen im Dunkeln und habe gelacht, geschmunzelt, gekichert, gelacht und, ja, sogar ein bisschen gekichert und gekichert. Und ich muss Ihnen sagen, ob es nun das einfache schallende Gelächter über die wunderbar lächerlichen Wortspiele in „Die nackte Kanone“ oder das härtere Gekicher über Eddingtons allzu reale Satire ist , es fühlt sich großartig an. Und diesen Monat werde ich dank meines vielleicht Lieblingsfilms des Jahres, dem völlig verrückten „Splittsville“ , und dem hintergründig-witzigen „Lurker“ weiter lachen.
Es gibt in letzter Zeit auch einige großartige Filme, die nicht ganz so komisch sind. Reid Davenports exzellenter neuer Dokumentarfilm „ Life After “ erinnert uns daran, in was für einer grausamen Gesellschaft wir leben – ebenso wie Eva Victors „Sorry, Baby“ (der zugegebenermaßen durchaus humorvoll ist). Und „28 Years Later“ hat mich vielleicht zum Zombiefilm-Fan gemacht. Hier sind meine anderen Lieblingsfilme des Jahres 2025.
Ich gebe es zu: Ich hätte nicht erwartet, dass Liam Neeson in der besten Studiokomödie seit Jahren in einem Reboot der „Nackte Kanone “-Reihe mitspielt. Aber nun ist es soweit! Und was für eine Freude! Co-Autor und Regisseur Akiva Schaffer bringt die spielerische Absurdität der Lonely-Island-Sketche in eine schonungslose Parodie von Polizeiarbeit, reichen Tech-Typen und Hollywood-Klischees. Der Film trifft genau die richtigen Ziele und das mit perfektem Timing, aber es ist seine Albernheit, die mich zum Lachen gebracht hat – ob es nun die Szene mit den Chili-Hotdogs oder einem bösen Schneemann war.
Ari Asters neuester Film war ein riesiger kommerzieller Flop und hat die Kritiker zutiefst polarisiert. Der Grund dafür ist leicht zu verstehen: Wer möchte schon den unerbittlichen, verrückten Lärm von 2020 noch einmal erleben? „Eddington“ ist ein Film, für den man sich nur schwer hinsetzen kann, aber ich fand ihn überraschend unterhaltsam – eine Genreübung, die zwischen Komödie, Verschwörungsthriller und Action wechselt. Aster fängt die toxische Energie der Pandemie ein und macht sich über die Exzesse und die Hysterie von Linken und Rechten lustig. Aber es geht hier nicht um eine Übung in „Beidseitigkeit“. Aster hat ein größeres Ziel vor Augen, und das ist das Internet. Aster sagt gerne, dass „Eddington“ ein Film über den Bau eines Rechenzentrums ist, und das ist nicht nur schnippisch gemeint. Es ist ein Film darüber, wie das Internet unser aller Gehirn kaputt gemacht hat – und weiterhin kaputt macht. Ich habe viel darüber nachgedacht, seit ich den Film gesehen habe, und ich kann mir vorstellen, dass er mit der Zeit und mit größerer Distanz nur noch eindringlicher wird.
Ich bin normalerweise kein großer Zombie-Fan, aber die Kraft, der Nervenkitzel und die Bissigkeit von „28 Years Later“ sind schwer zu leugnen. 23 Jahre nach „28 Days Later“ arbeiten Alex Garland (Drehbuchautor) und Danny Boyle (Regie) erneut zusammen und sind in Höchstform. Von der sorgfältigen Weltgestaltung über die mitreißenden Darstellungen bis hin zu den spannenden und grausamen Action-Sequenzen ist „28 Years“ ein dynamischer Genrefilm. Bemerkenswerterweise ist er auch eine treffende Brexit-Allegorie.
Man kann sich wahrscheinlich denken, was Agnes Schreckliches widerfahren ist, die von der Drehbuchautorin und Regisseurin Eva Victor mit lockerem Humor, ungeschicktem Charme und Anflügen von purem Schmerz gespielt wird. Der Film tut sich schwer, das Ereignis zu benennen, aber es ist immer im Hinterkopf – man ahnt es, bevor es passiert, und wirft einen großen Schatten darauf. So zeigt „Sorry, Baby“ , wie schwierig es ist, der Wolke des Traumas jemals ganz zu entkommen. Doch Victors Film – zweifellos eines der besten Regiedebüts des Jahres – ist zugleich sanft und mitfühlend und ein Zeugnis der Schönheit und Kraft der Freundschaft.
Wenn Sie mich vor dem Ansehen von „Life After“ gefragt hätten, ob behinderte Menschen – oder überhaupt alle anderen – das Recht zu sterben haben sollten, hätte ich mit „Ja“ geantwortet. Reid Davenports eindrucksvoller neuer Dokumentarfilm stellt diese Ansicht jedoch energisch in Frage. Davenport konzentriert sich in dem Dokumentarfilm vor allem auf die Person, die die Debatte in Gang gesetzt hat: Elizabeth Bouvia. Im Jahr 1983, im Alter von 26 Jahren, forderte die an Zerebralparese leidende Bouvia „das Recht zu sterben“. Doch Davenport geht viel tiefer als der damalige juristische und mediale Zirkus und stellt die Frage, ob Bouvia tatsächlich sterben wollte oder ob sie sterben wollte, um der unmenschlichen Behandlung zu entgehen, die sie erdulden musste. Heute, über 40 Jahre nach Bouvias Fall, hat sich die Versorgung von Menschen wie Bouvia kaum verbessert und Davenport argumentiert überzeugend, dass das Recht zu sterben missbraucht wird, um die teuersten Bürger der Gesellschaft dazu zu bewegen, ihren Leben ein Ende zu setzen.
Alexandra Simpsons Debütfilm handelt von einer kleinen Küstenstadt in Florida, die von einem Hurrikan erwartet wird. Doch es ist kein gewöhnlicher Katastrophenfilm. Wie andere Filme des Omnes Collective (zuletzt „Eephus“ und „Christmas Eve at Miller’s Point “) ist auch dieser ein langsamer, atmosphärischer Ensemblefilm. Simpson gelingt es, die Geräusche und Bilder der Ruhe vor dem Sturm einzufangen – zugleich gefärbt von Nostalgie und einem Gefühl der Einsamkeit.
Falls Sie sich fragen, ob Tim Robinsons Eskapaden einen abendfüllenden Film tragen könnten, lautet die Antwort ein klares – wenn auch zutiefst unangenehmes – Ja. Regisseur Andrew Deyoungs Filmdebüt untergräbt auf brillante Weise die brüderlichen Buddy-Komödien der frühen Nullerjahre (und besetzt sogar Paul Rudd in der Rolle des neuen Freundes) und stellt die Brüche moderner Männlichkeit in den Vordergrund. Abgesehen von seiner Schärfe ist Friendship einfach eine der lustigsten Komödien seit Jahren.
David Cronenberg schrieb „The Shrouds“ , nachdem seine langjährige Frau 2017 an Krebs gestorben war, und er hat zugegeben, dass der Film von seiner eigenen Trauererfahrung inspiriert wurde. Der Film befasst sich jedoch weniger mit dem Schmerz, einen geliebten Menschen zu verlieren, als vielmehr damit, wie Menschen diesen Schmerz verarbeiten. Karsh (ein Vincent Cassel im Cronenberg-Stil), ein wohlhabender „Produzent von Industrievideos“, eröffnet einen Friedhof, der als Pionier eine Technologie namens GraveTech einsetzt. Sie ermöglicht es Angehörigen, über eine App auf ihrem Telefon zu sehen, wie Verstorbene in ihren Gräbern verwesen. Karsh behauptet, es sei tröstlich, seiner Frau beim Verwesen zuzusehen. Doch als der Friedhof verwüstet wird, wird Karsh von Verschwörungstheorien zerfressen. Wenn das alles ziemlich makaber klingt, dann ist es das auch – aber es ist auch hintergründig komisch und eine der wahrsten Darstellungen der sich verändernden Trauer.
Es gibt ein kleines, langsam wachsendes Genre von Loser-Männern, die im Wald wandern. Und bei allem Respekt für Kelly Reichardts Old Joy und India Donaldsons Good One können die Männer in diesen Filmen Derek (Joel Potrykus) und seinem besten Freund Marty (Joshua Burge), den Hauptdarstellern von Potrykus' rauer, ätzender Vulcanizadora , nicht das Wasser reichen. Hier führen vergangene Missetaten zu schrecklichen neuen. Obwohl der Film schwarzen Humor haben kann, behandelt Potrykus diese Charaktere größtenteils mit Objektivität und Einfühlungsvermögen.
Man muss Ryan Coogler bewundern, wie er sich voll und ganz darauf einlässt. Sein neuester Blockbuster begleitet die Gangsterzwillinge Smoke und Stack (beide gespielt von Michael B. Jordan) bei ihren Vorbereitungen für eine Party für die nicht-weiße Community im Jim-Crow-Gebiet Mississippis. Ihr junger Cousin Sammie (ein großartiger Miles Catton), ein begabter Sänger und Sohn eines Predigers, kommt dazu und spielt Blues. Doch mitten im Film – und auf der Party – nehmen die Dinge eine dramatische Wendung. Coogler nutzt das Genre als Rassenmetapher und setzt es auf eine Weise ein, die sowohl höchst unterhaltsam als auch clever ist.
Musikdokumentationen ahmen häufig den Stil des Künstlers nach, den sie einfangen möchten. Alex Ross Perry schlägt mit seinem einfallsreichen Porträt der 90er-Jahre-Indie-Rockband Pavement einen anderen Weg ein: Er widmet diesen Slacker-Ikonen maximale Aufmerksamkeit. Perrys Sicht auf die Band, die er offensichtlich innig liebt, besteht darin, dass sie vielseitig ist. Er fängt die verschiedenen Seiten von Pavement ein, indem er einen zentralen Bestandteil des Bandgeistes kanalisiert: Ironie. In der Dokumentation inszeniert Perry ein echtes Musical, ein gefälschtes Biopic und eine Pop-up-Museumsinstallation. Er verwebt die verschiedenen Teile mithilfe einer Struktur, die er nach eigenen Angaben von Dunkirk übernommen hat. Es ist ein Versuch, sich darüber lustig zu machen, wie beliebte Künstler – von Queen über Bob Dylan bis Bruce Springsteen – mit hagiografischem geistigem Eigentum Kapital schlagen. Aber die Dokumentation bietet auch eine witzige, nachdenkliche Studie der Band.
Ähnlich wie in „The Shrouds“ öffnet Trauer in Courtney Stephens‘ mit kleinem Budget produziertem Debütfilm Tür und Tor zu einer Suche nach Verschwörungstheorien. Der Film entstand in Zusammenarbeit mit der Schauspielerin und Autorin Callie Hernandez, die Carrie spielt, die Tochter eines verschwörungstheoretisch denkenden Verfechters alternativer Medizin. Als Carries Vater stirbt, erbt sie ein Patent für ein experimentelles Heilgerät. Auf ihrer Suche nach Antworten über das Gerät – und eigentlich über ihren Vater – trifft sie sich mit verschiedenen Bekannten von ihm (ein Who-is-Who der Independent-Filmemacher) in seiner kleinen Stadt im Nordosten des Landes. Der Film, der Aufnahmen von Hernandez‘ tatsächlich verstorbenem Vater enthält, fängt das langsame, banale Tempo des Lebens nach dem Tod eines geliebten Menschen ein und zeigt, wie Trauer magisches Denken hervorbringt.
Sarah Friedlands erster Spielfilm „Familiar Touch “ hat eine vertraute Prämisse: Ruth (Kathleen Chalfant), eine pensionierte Köchin, leidet an Demenz und muss sich mit ihrer Familie an die neue Lebensweise gewöhnen. Der Film trifft viele der erwarteten Momente – Ruth vergisst ihren Sohn, inszeniert kleinere Revolten in ihrer neuen Seniorenresidenz und baut eine Bindung zu einigen ihrer Pfleger auf. Und doch ist Friedlands Film so einfühlsam und gut beobachtet, mit hervorragenden Leistungen von Chalfant und H. Jon Benjamin (der ihren Sohn spielt), dass er sich dennoch neu und frisch anfühlt.
Wes Anderson ist durch und durch konsequent. In seinem neuesten Film spielt Benicio del Toro die wohlhabende Industrielle Zsa-Zsa Korda aus den 1950er-Jahren, deren Beinahe-Tod ihn dazu bringt, seine Novizentochter wiederzufinden und sie für seinen neuesten Plan zu gewinnen. Der Film bietet alles, was man von Wes Anderson erwartet: makellose Kompositionen, clevere Witze, eine verworrene Handlung, herausragende Leistungen einer Starbesetzung und eine zerrüttete Familie, die wieder zusammenfindet. Es ist aber auch der gewalttätigste und religiöseste Film in Andersons umfangreichem Werk.
Viele Monate, nachdem ich „April“ von Regisseurin Dea Kulumbegashvili letztes Jahr beim New York Film Festival gesehen habe, spüre ich seine Tragweite immer noch. Im Mittelpunkt steht Nina (Ia Sukhitashvili), eine Geburtshelferin in einem Krankenhaus im ländlichen Georgien (dem Land, nicht dem Staat), die in ihrer Freizeit illegale Abtreibungen durchführt. Der Film, der manchmal ans Surreale grenzt, fängt die emotionale Belastung dieser Arbeit ein – düster, einsam, manchmal erschütternd.
Sind die ersten zweieinhalb Stunden des Films ein ziemliches Chaos? Ja. Sind es die letzten 30 Minuten, in denen Tom Cruise einige der verrücktesten Stunts zeigt, die je auf der Leinwand festgehalten wurden? Auch ja!
Eephus , das Debüt von Regisseur Carson Lund, spielt an einem frischen Oktobernachmittag in einer kleinen Stadt in Massachusetts in den 1990er Jahren. Zwei Baseballteams einer Freizeitliga treten im Soldier Field zum letzten Spiel gegeneinander an. Ein konventionellerer Film würde sich vielleicht auf die Seite eines Teams stellen oder die Spieler gegen einen bösen Bauunternehmer antreten lassen. Doch hier weicht das Spielfeld einer öffentlichen Schule, und die beiden Teams stehen vereint einem anderen, universelleren Feind gegenüber: der Zeit. Langsam vergehen die Stunden, die Schiedsrichter beenden die Spielzeit und die Sonne geht unter. Um das Spiel zu Ende zu bringen, müssen die Spieler einfallsreich werden. Obwohl ein Team als Sieger hervorgeht, könnte ich nicht sagen, welches. Eephus ist ein Film über die kleinen Momente, die Baseball – und eigentlich das Leben – so schön machen.
Ich glaube, ich habe noch nie eine so unerbittlich wütende Filmfigur gesehen wie Marianne Jean-Baptistes Pansy in „Harte Wahrheiten“ . Die Schauspielerin, die zuletzt 1996 in „Lügen und Geheimnisse“ mit Regisseur Mike Leigh zusammengearbeitet hat, knurrt, kocht und schmollt während des gesamten Films, in diesem unglaublich witzigen und bewegenden Familiendrama. Obwohl der Film andeutet, dass Pansy eine komplizierte Beziehung zu ihrer verstorbenen Mutter hatte, geht Leigh nur zurückhaltend mit der Hintergrundgeschichte der Figur um. Wir erfahren nie ganz, was mit Pansy los ist oder wie sie zu der Person wurde, die sie ist. Doch der Film ist so gut beobachtet, dass Pansy ironischerweise, obwohl sie innerlich tot ist, einer der aufregendsten lebendigen Menschen der jüngeren Filmgeschichte ist.
Bong Joon-hos lang erwarteter Nachfolger von Parasite hat mehr mit seinem vorherigen Film Okja gemeinsam. Es ist eine absurde Komödie über dumme, mächtige Menschen und ihre Missachtung der Natur – und eigentlich allem und jedem außer sich selbst. Robert Pattinson spielt Mickey, einen näselnden, vom Pech verfolgten Mann, der seinen irdischen Problemen entflieht, indem er als Entbehrlicher auf einer Mission zur Kolonisierung eines fernen Planeten wird. Als Entbehrlicher bringt seine Rolle mit sich, dass er stirbt und neu gedruckt wird. Komplikationen treten jedoch auf, als er eine Nahtoderfahrung überlebt und trotzdem ein neuer Mickey gedruckt wird. Die beiden Mickeys kämpfen ums Überleben, bis sie sich gegen einen größeren Feind verbünden. Wird Mickey 17 einen Oscar gewinnen? Wahrscheinlich nicht, aber es ist nichtsdestotrotz ein höchst unterhaltsamer, oft lustiger Film.
Der wahrscheinlich geilste , unerwartetste und, ja, französischste Film dieses Jahres. Alain Guiraudies „Misericordia“ flirtet mit verschiedenen Genres – Krimi, Film Noir, Sexkomödie, Existenzdrama – ist aber letztlich zu originell und schräg, um sich einfach kategorisieren zu lassen. Es ist ein Film, der erfordert, vorgefasste Meinungen darüber, wie Menschen sich verhalten und wie Filme funktionieren sollten, aufzugeben. Und wenn Sie das können? Dann werden Sie die wilde Fahrt vielleicht genießen.
Rungano Nyonis „ On Becoming a Guinea Fowl“ beginnt damit, dass die Protagonistin Shula (Susan Chardy) in einem extravaganten Partykostüm eine ruhige Straße in Sambia entlangfährt – und dabei auf eine Leiche stößt, die mitten auf der Straße liegt. Die Leiche entpuppt sich als ihr Onkel Fred, der, wie wir bald erfahren, Shula als Kind misshandelt hat. Shulas Kostüm ist eines der wenigen auffälligen Elemente des Films. Nyoni enthüllt nach und nach und mit wenig Befriedigung neue Facetten der Geschichte und zeigt, wie kulturelle Normen der Katharsis im Wege stehen und Familiengeheimnisse generationsübergreifende Traumata begünstigen können.
Diese oft mitreißende neue Dokumentation von Kevin Macdonald und Sam Rice-Edwards begleitet John Lennon und Yoko Ono durch ihre Anfänge in New York, bis hin zu einem Benefizkonzert, das sie 1972 im Madison Square Garden gaben. Das Konzert fand zugunsten der Kinder der Willowbrook State School statt, die kurz zuvor Gegenstand eines vernichtenden Fernsehberichts gewesen war, der die düsteren Bedingungen ans Licht brachte, denen Kinder mit Behinderungen ausgesetzt waren. Der Film enthält kaum neue Informationen über Lennon und Ono, ist aber voller kraftvoller, mitreißender Momente – sowohl auf der Bühne als auch dahinter. Macdonald und Rice-Edwards stellen den Aktivismus des Paares und die Art und Weise in den Vordergrund, wie dieser mit ihrer Kunst zusammenhing. Besonders Lennon brennt hell. Seine Leidenschaft und Rechtschaffenheit sind fesselnd und ansteckend. Mehr als 50 Jahre später werden die politischen Kämpfe zwischen Lennon und Ono noch immer ausgefochten – und Lennons Enthusiasmus scheint noch immer in der Lage zu sein, eine Revolution zu entfachen.
Zwölf Jahre nach der Ankündigung seines kurzzeitigen Rücktritts hat sich Stephen Soderbergh als Amerikas produktivster Filmemacher erwiesen. Sein erster von zwei Filmen in diesem Jahr ist eine Geistergeschichte, die auf einer formalen Einbildung beruht: Die Kamera nimmt die Perspektive des Geistes ein. Das Gespenst haust in einem wunderschönen Vorstadthaus, in das gerade eine vierköpfige Familie eingezogen ist. Und obwohl die Identität und die Ziele des Geistes für einige Spannung sorgen, ist es das Familiendrama, das den Film so anzieht. Lucy Liu und Chris Sullivan spielen die Eltern zweier sich ständig streitender Highschool-Teenager, Chloe (Callina Liang) und Tyler (Eddy Maday). Und die Familiendynamik – die Allianzen, Konfliktquellen und Geheimnisse – ist lebendig und faszinierend. Jeder Schauspieler ist klug besetzt und liefert eine starke Leistung. Ich bin mir immer noch nicht sicher, ob mir das dramatische Ende und die entscheidende Enthüllung gefallen haben, aber die clevere Einbildung und die vielschichtigen Charaktere des Films machen „Presence“ sehenswert.
Eine der mehreren miteinander verwobenen Handlungsstränge in Matthew Rankins „ Universal Language“ dreht sich um einen Reiseführer (Pirouz Nemati) aus Winnipeg, der eine kleine Gruppe von Besuchern zu einigen kulturellen Sehenswürdigkeiten der Stadt führt. Dieses Winnipeg ist eine Erfindung von Rankin und seinen Co-Autoren (Nemati und Ila Firouzabadi) und voller braun- und beigefarbener brutalistischer Gebäude, freilaufender Truthähne und einer persischsprachigen Bevölkerung. Die Wahrzeichen der Stadt sind amüsant banal. Mein Favorit war die UNESCO-geschützte Stätte, an der jemand einen Aktenkoffer an einer Bushaltestelle abgestellt hatte, ohne dass ihn jemand berührte. Es sei „ein Denkmal absoluter zwischenmenschlicher Solidarität, selbst in ihrer grundlegendsten und banalsten Form“, erklärt der Reiseführer. Dasselbe könnte man über den Film sagen. In „Universal Language“ sind Rankin und seine Mitarbeiter durchgängig einfallsreich, verspielt und ziemlich witzig, doch das übergeordnete Ziel ihres Projekts besteht darin, das Potenzial der Menschheit für Fürsorge und Überschwang selbst in einer trostlosen, beigen Welt zu bezeugen.
Bevor ich Warfare sah, wurde ich gewarnt, dass der Film laut sei. Trotzdem war ich nicht darauf vorbereitet, wie laut – und körpererschütternd – das Ding sein würde. Frisch von seinem spekulativen amerikanischen Kriegsfilm Civil War tat sich Alex Garland mit Ray Mendoza (einem Irakkriegsveteranen und Berater bei Civil War ) zusammen, um eine brutale Schlacht nachzustellen, die Mendozas Zug 2006 in Ramadi erlebte. Der Film basiert ausschließlich auf den Erinnerungen von Mendoza und seinem Zug und spielt sich im Laufe eines Tages ab. Letztendlich drückt der Film das Trauma des Krieges so gut aus, wie es ein Film nur vermag – dank des Tons, ja, aber auch dank der subtil pathetischen Darstellungen. Es ist ein unglaublich intensiver Film, der den wahren Schrecken des Krieges in den Vordergrund stellt.
esquire
