Warum ertragen Menschen auf einer Party einen Song nicht mehr länger als eine Minute? Der DJ, der den Bruch mit der musikalischen Reizüberflutung wagt.

Víctor Howard ist ein DJ mit über 20 Jahren Erfahrung, der Kolumbien bei der Tomorrowland Academy vertritt und Schöpfer des Howard Project ist, einer künstlerischen Vision, mit der er Hymnen covert, die man aus voller Kehle singen kann und die ein einzigartiges musikalisches Erlebnis bieten.

Der in Cartagena geborene Víctor hat vor dem Musical viele Wege beschritten. Er studierte Betriebswirtschaft an der La Heroica und wechselte dann zur Radio- und Fernsehproduktion und -regie in der Hauptstadt.

„ Als ich in Bogotá ankam, suchte ich nach allen möglichen Jobs. Ich verkaufte Handyverträge, arbeitete in einer Metzgerei und landete schließlich als Türsteher in einem Nachtclub “, erinnert sich Howard, der sich bewusst war, dass das Leben selbst ihn dazu brachte, seine Bestimmung zu akzeptieren.

„Aufgrund meines christlichen Glaubens hatte ich keine positive Einstellung zum DJ-Dasein, da ich es mit einer drückenden Atmosphäre verband“, sagt der Musiker und erinnert sich, dass es ein Schicksalsschlag war, der ihn ans DJ-Pult brachte und ihm Tag für Tag bewies, dass der Künstler wirklich für Stimmung sorgt.

Wie würden Sie Ihre erste Verbindung zur Musik beschreiben?

Ich bin dankbar dafür, in Cartagena geboren zu sein, denn der musikalische Reichtum dieser Stadt spiegelt sich in mir wider. Ich bin in einem Arbeiterviertel aufgewachsen, wo die Musikkultur sehr präsent war, mit den berühmten Picós, nichts weiter als einer Soundanlage, die die Leute zu Hause haben und mit auf die Straße nehmen, um laute Musik zu hören. Und in meiner Kindheit hörte ich nur pure Salsa. Ich glaube, dort habe ich angefangen, mich musikalisch zu nähren, von Joe (Arroyo), von afrikanischer Musik, aber auch von Disco.

Was meinst du damit, dass einer deiner Onkel DJ ist?

(Lacht). Ja, wir haben immer zusammen im Haus unserer Familie gelebt, und ich habe Erinnerungen an die zehn Jahre, in denen ich mich mit Vinyl, Freestyle, Scratching und der ganzen Welt der Schallplatten beschäftigt habe. Er hat in Clubs in Bogotá gespielt, und eines Tages, als ich dort Türsteher war, musste ich wegen höherer Gewalt das Set beenden, da ich der Einzige war, der seine Musik kannte, denn die Kunst des DJings erfordert musikalisches Wissen und Feingefühl.

Als ich aufwuchs, hörte ich nur Salsa. Ich glaube, da begann ich, mich für Musik zu interessieren, für Joe (Arroyo), afrikanische Musik, aber auch für Disco.

Ich beendete das Set und zufällig war jemand im Publikum, der gerade einen neuen Club eröffnete und einen jungen DJ brauchte, der in sein begrenztes Budget passte. Also sagte ich zu und so fing ich an. Das war 2009 und bis heute habe ich keine Sekunde aufgehört zu spielen.

Warum sollte DJing als Beruf angesehen werden?

Ich liebe die Kunst des Auflegens und betrachte sie als Beruf, denn wie ein Ingenieur oder ein Arzt muss auch ein DJ trainieren und sein Wissen anwenden, um sich in seinem Angebot für die Öffentlichkeit täglich weiterzuentwickeln.

Worum geht es in Ihrem Projekt „The Howard Project“?

Der Schwerpunkt liegt auf elektronischer Musik, wie Disco House. Ich nehme lateinamerikanische und karibische Rhythmen und mische sie mit Disco- und House-Musik. All dies mit einer Produktion, die Instrumente wie Saxophon, Geigen und viel Schlagzeug kombiniert. Hinzu kommt der Gesang zweier Sänger, einer sehr melodisch, der andere eher urban und Freestyle-orientiert.

Wie läuft es bei dir beim Live-Spielen?

Ich liebe Herausforderungen und habe mich deshalb nicht nur auf das Spielen an der Konsole beschränkt. Für den Live-Auftritt habe ich Songs von Künstlern wie Carlos Vives, Juan Luis Guerra und sogar Bacilos – ein sehr breites Spektrum – verwendet und sie gecovert, damit die Musiker ein einzigartiges Produkt schaffen, das den Leuten gefällt. Die Leute singen also „My First Million“, aber gemischt mit lateinamerikanischen Rhythmen, Cumbia, Salsa, aber auch mit House und Freestyle, was die Energie wirklich auf ein neues Level hebt.

Was ist Ihre neue Herausforderung?

Ich arbeite derzeit daran, meine ersten eigenen Songs zu veröffentlichen und die Welt für meine Musik bekannt zu machen. Ich befinde mich in der Übergangsphase vom DJ zum Künstler.

Wie war es, Teil der Tomorrowland Academy zu sein?

Es war eines der magischsten Dinge, die mir je passiert sind. Es gab einen Wettbewerb, bei dem DJs Videos einsenden konnten, in denen sie ihr Können zeigten. Als Preis gab es ein Studium an der Tomorrowland Academy und einen Auftritt beim Festival. Ich wurde Zweiter und konnte zwar studieren, aber nicht auftreten. Das hat mich sehr getroffen, weil ich dachte, ich hätte etwas präsentiert, das nicht zu dem passte, was sie suchten. Ich beschloss, verschiedene Genres zu mischen, obwohl Tomorrowland ein Festival ist, das sich auf elektronische Musik spezialisiert. Daraus habe ich gelernt, die Dinge so gut wie möglich zu machen. Und das hat mir wehgetan, aber im Moment bin ich sehr glücklich darüber.

Jetzt arbeite ich daran, meine ersten eigenen Songs zu veröffentlichen und der Welt meine Musik näherzubringen.

Was ist musikalisch angesagt bei Live-Erlebnissen?

Ich habe das Gefühl, dass dasselbe Publikum vom DJ eine musikalische Überstimulation verlangt, mit maximal zwei Minuten pro Song, in denen es quasi einen Anfang, eine Mitte und ein Ende geben muss. Und das bedeutet, dass ich mir in fünf Minuten einen Remix von fünf oder sechs Songs anhöre, während beispielsweise in den 1990er-Jahren oder zu Beginn des Jahrhunderts ein einzelner Merengue bis zu sieben Minuten dauern konnte.

Warum, glauben Sie, passiert das?

Ich führe das auf soziale Medien und Streaming-Plattformen wie Spotify und YouTube zurück, wo Hits und rasante Songs dominieren. Ich versuche immer, mit Mixes zu spielen, die es den Leuten ermöglichen, den Song zu genießen, ohne darüber nachzudenken, was als Nächstes kommt. Meine persönliche Herausforderung besteht darin, die Leute dazu zu bringen, vier Minuten lang denselben Song zu genießen.

Passiert das Gleiche in der Elektronikszene?

Nein. Ich glaube, bei so vielen Festivals und Nischenveranstaltungen passiert das Gegenteil. Ich habe das Gefühl, dass Leute und Publikum, die elektronische Musik mögen, die Essenz der Songs genießen und länger als zehn Minuten bleiben können. Ich denke, die Szene erlebt gerade eine sehr gute Zeit.

Ich habe das Gefühl, dass dasselbe Publikum vom DJ eine musikalische Überstimulation verlangt, mit maximal zwei Minuten pro Song, in denen es quasi einen Anfang, eine Mitte und ein Ende geben muss.

Welches Lied repräsentiert Ihrer Meinung nach Sie?

One More Time von Daft Punk. Ich erinnere mich, dass mich schon als Kind das animierte Video zu diesem Song am meisten fasziniert hat, und seitdem ist er einer meiner Lieblingssongs. Das Beste daran: Er ist ein Hit, kommt nie aus der Mode und wird von allen Generationen geliebt. Außerdem wurde er mit Samples aus der Disco-Musik der 1970er Jahre erstellt. Wenn ich mir einen zweiten Song aussuchen könnte, wäre es „Gimme! Gimme! Gimme!“ von Abba.

Wo kann man ihn live spielen hören?

Ich arbeite derzeit an zwei Standorten: in Monaco, Bogotá und einem weiteren Standort namens Capote. Sie finden mich auch auf meinen Social-Media-Kanälen @djvictorhoward auf Instagram.