Carla Rippey, eine Jägerin nach Sinn in einer Welt voller Bilder

▲ Die Künstlerin Carla Rippey präsentiert ihre Ausstellung „The Intercepted Image “ im Museo Universitario del Chopo. Foto von Marco Peláez.

Fröhliche MacMasters

Zeitung La Jornada, Samstag, 2. August 2025, S. 3

Als Bilderjägerin erkennt die Künstlerin Carla Rippey in ihrer Arbeitsweise den Einfluss eines bestimmten Buches, „The Family of Man“ , das sie als Kind immer wieder ansah und in dem Bilder nebeneinander und von literarischen Texten begleitet werden, um ihnen eine andere Bedeutungsebene zu verleihen .

Irgendwann rettete Rippey dieses Exemplar des Buches aus seinem Elternhaus in Kansas City. Es ist nun Teil der Ausstellung „The Intercepted Image“, die heute im Museo Universitario del Chopo eröffnet wird und seine neuesten Arbeiten zeigt.

Zu den 120 ausgestellten Stücken gehören Graphit- und Farbzeichnungen, Drucke, bearbeitete Fotografien, Collagen , Künstlerbücher, Transparente, Skulpturen und Keramiken.

Der Künstler hatte seit 2016 nicht mehr in Mexiko-Stadt ausgestellt, als das Carrillo Gil Art Museum die Retrospektive Resguardo y resistencia mit Werken aus vier Jahrzehnten ab 1976 organisierte.

Als Tochter eines Fotojournalisten und einer literarisch veranlagten Mutter wuchs Rippey mit Bildern auf. Ihr eigenes Interesse verbindet sie mit dem, was sie in der Außenwelt, aber auch in Büchern und Zeitschriften sah: „Das gedruckte Bild steht ganz in der Tradition von Collagen und Sammelalben. Es gibt Künstler, die weniger aus der akademischen Welt stammen, sondern aus der Tradition der Interaktion mit der gedruckten Welt. Heute wäre es auch die virtuelle Welt. Und von dort aus erfinden sie ihre Bilder.“

Recycling von Werken

Rippey kam 1973 nach Mexiko, nachdem er in Paris und New York studiert und in einigen Universitätsworkshops in Chile Metallgravur erlernt hatte: „Ich begann in den späten 1970er und 1980er Jahren, anhand von Fotografien zu zeichnen und Drucke anzufertigen. Es war die Ära des Neofigurativismus. Die Leute sagten mir, ich würde Fotos kopieren. Dann kam die Kunst der Aneignung (die Verwendung bereits vorhandener Objekte oder Bilder), die von Künstlern wie dem amerikanischen Maler David Salle gepflegt wurde .“

Recycling-Arbeiten „wurden in den 1980er Jahren in Entwicklungsländern immer häufiger praktiziert. Plötzlich stellte sich heraus, dass das, was ich intuitiv tat, wenn es nicht gut ankam, Postmoderne war. Es bestand oft darin, die Fotos zu kommentieren. Ich habe mich in den 1980er Jahren zum Beispiel viel mit erotischer Fotografie beschäftigt, obwohl es sich dabei meist um eine Art Bildkritik handelte oder um das, was die Frau veränderte und identifizierte. Der Kunstkritiker Oliver Debroise sagte, ich hätte sie pervertiert. Im Grunde habe ich das Foto an eine andere Stelle gesetzt als ursprünglich beabsichtigt. Auf diese Weise habe ich ihm andere Bedeutungs- und Intentionsebenen verliehen.“

Grafikdesign lag ihr gut, weil es eher prozessorientiert war. Außerdem: „Da ich nur ein paar Monate auf die Kunstschule gegangen war, um Grafik zu lernen, hatte ich keine Ausbildung als Malerin. Ich konnte weiter Collagen machen oder zeichnen, wie ich es mein ganzes Leben lang getan hatte.“ Sie arbeitete als Grafikerin in der Gemeinschaftswerkstatt Molino de Santo Domingo. Anfangs arbeitete ich lange Zeit nicht mit Figuren, sondern lieber mit Blumen und Pflanzen, weil ich nicht wusste, wohin ich wollte . Als ich ihren Weg entdeckte, begann ich, Frauen aus komplexen Kulturen nachzubilden, wie die indigenen Frauen, die in Mexiko-Stadt als Dienstmädchen arbeiten .

Er fährt fort: „Anfangs nahm ich Pflanzen, legte sie auf die Gravurplatte und entwarf damit ein Design oder erfand etwas aus meinem Kopf, ohne ein Foto zur Hand zu haben. Dann merkte ich, dass es mir mehr Freude bereitete, meine Entwürfe auf einem gefundenen Bild aufzubauen. So begann ich, Archive anzulegen. Viele davon waren wie alte Fotoalben oder viktorianische Erotikbilderbücher. Ich nahm alles mit, was mich ansprach, von überall her .“

Digitale Integration

Mit der Erfindung des Laserkopierens konnte ich meine Bilder dann in Künstlerbüchern mithilfe von Transfers noch viel weiter ausbauen. Um das Jahr 2000 herum begann ich, mit dem Computer zu arbeiten; selbst heute läuft alles, was ich mache, über Photoshop, um Bilder zu rahmen, Farben zu verwalten oder die richtigen Bilder für den Kopierer oder für meine Zeichnungen zu finden. Im selben Jahr begann ich auch, Bilder aus dem Internet herunterzuladen. So bin ich auf die Arbeit gestoßen, die ich hier ausstelle: Röntgenaufnahmen von Händen, die von Raketen zerstört wurden .

Aneignung ist in der Kunst nichts Neues; für Rippey hat sich jedoch die einfache Reproduktion geändert. Viele junge Künstler verzichten sogar auf das Zeichnen, weil es einfacher ist, mit Bildern umzugehen. Es gibt Fair-Use-Gesetze, die die Verwendung fremder Bilder erlauben, wenn sich ihre Bedeutung ändert. Man kann sie in sein eigenes Konzept integrieren oder als Teil eines anderen Bildes verwenden. Generell ist es nicht mehr kriminalisiert .

Die Ausstellerin versucht immer zu erwähnen, wo sie ihre Bilder aufgenommen hat. In ihrem Beitrag über kriegszerstörte Häuser versuchte sie beispielsweise, den Namen des Fotografen zu erwähnen. Manchmal konnte ich mit ihnen kommunizieren. Nelson Morales erlaubte mir, eines seiner Bilder zu verwenden. Ich habe großen Respekt vor Fotografen und ihrer Arbeit .

In einer Welt voller Bilder ist das, was Rippey auf eine bestimmte Art und Weise tut, meine Art, diesem Bombardement einen Sinn zu geben .

Laut Tania Ragasol, der Kuratorin der Ausstellung, war Carla mit der Welt der Grafik und des Zeichnens verbunden; sie arbeitet jedoch auch an Skulpturen, Keramiken und Installationen. Ihre Arbeit ist stets von intensiver Recherche und Reflexion geprägt, sei es auf persönlicher oder globaler Ebene .

„Carla Rippey : The Intercepted Image“ wird heute um 12 Uhr eröffnet. Um 13 Uhr findet im Museo Universitario del Chopo, Dr. Enrique González Martínez 10, im Viertel Santa María la Ribera, eine Diskussion statt. Der Eintritt ist frei.

▲ Von links nach rechts: Stefanie Weiss, Julieta Egurrola, Luis und Marina de Tavira sowie Gabriel Pascual während der Präsentation. Foto: Roberto García Ortiz

Daniel López Aguilar

Zeitung La Jornada, Samstag, 2. August 2025, S. 4

Luis de Tavira brauchte nur einen Satz, um den Geist seines Buches und seines den darstellenden Künsten gewidmeten Lebens zusammenzufassen: „Ich liebe, aber ich möchte mehr lieben .“

Inmitten von Lob, Erinnerungen und einem Raum voller Zuneigung präsentierte er gestern Abend im El Milagro Theater die Neuausgabe von „Das unsichtbare Spektakel : Paradoxe über die Schauspielkunst“, einem Aphorismenband, der von Ediciones El Milagro herausgegeben wurde.

Der Regisseur, Essayist und Pädagoge, dessen Karriere Generationen des mexikanischen Theaters umfasst, sprach in ruhigem und vertraulichem Ton. Er erklärte, sein größtes Privileg sei es gewesen, Zuschauer zu sein.

„Ich war mein Leben lang erstaunt darüber, wie Schauspieler eine künstlerische Realität erschaffen … in der Kunst gibt es nur zwei reale Dinge: den Künstler und das Werk.“ In der Schauspielerei, fügte er hinzu, verschmelzen beide: Die Schauspielerin ist das Werk, und die Figur macht sie zur Schauspielerin .

Vor einem großen Publikum aus Jugendlichen und Erwachsenen erklärte der Autor trotz des seit dem Nachmittag anhaltenden Regens, dass es sich bei dieser Veröffentlichung nicht um einen einfachen Nachdruck handele. „Dieses Exemplar gehört auch denen, die es möglich gemacht haben: Julieta Egurrola, Marina de Tavira und Stefanie Weiss, die heute Abend anwesend sind. Wir haben es gemeinsam geschrieben. Es wurde von den Schauspielern geschaffen, mit denen ich zusammengearbeitet habe.“

Denn genau das ist Theater: Begegnung. Zusammenkommen hier und jetzt, in dieser Gemeinschaft, die weiterhin gemeinsam träumt.

Weiss, Redakteurin und Schauspielerin, erinnerte daran, dass die erste Ausgabe 1999 und die zweite 2003 erschien. „Diese dritte Ausgabe bewahrt das bisherige Erbe und fügt Prologe von Juan Antonio Hormigón und Luis Mario Moncada hinzu.

„Es gibt 365 Aphorismen – einen für jeden Tag – die dazu einladen, sich in Gedanken zu verlieren und unsichtbare Türen zu öffnen.“

Gabriel Pascal, der Moderator der Veranstaltung, betonte, dass diese Ausgabe ohne institutionelle Unterstützung zustande gekommen sei. Sie sei mit den wesentlichen Elementen realisiert worden: Komplizenschaft, Hartnäckigkeit und einer tiefen Liebe zum Theater .

Marina de Tavira drückte ihre Verbundenheit mit dem Text aus: „Er liegt seit 25 Jahren auf meinem Schreibtisch. Im Vorzimmer jeder Figur, im Probenraum, in den Fluren, in meinen Notizbüchern. Immer im Wandel, immer gleich .“ Sie wies darauf hin, dass „Das unsichtbare Spektakel … den Bereich der Schauspielerei übersteigt; es ist ein Leitfaden zum Mysterium der Existenz .“

Er betonte auch die Pädagogik des Bühnenschöpfers als dynamisches Denken: „Jeder Aphorismus ist ein Funke, ein Kompass. Er flüstert mir zu: ‚Du hast meine Ohren, ich bin dein Labyrinth.‘“ Er reflektierte auch über die Gegenwart: „Heute, wo die Medien uns dazu drängen, ein Spektakel unserer selbst zu werden, gewinnt diese Arbeit an Dringlichkeit zurück .“

Julieta Egurrola war kurz angebunden und emotional. Sie erinnerte sich an ihre Begegnung mit De Tavira , als sie noch in der Highschool war. Doch die Worte, die sie nach jedem Auftritt nicht aussprechen konnte, sind immer noch da. Sie gehören uns .

Anschließend forderte er das Publikum auf, seine Lieblingsaphorismen vorzulesen. Die Reaktion ließ nicht lange auf sich warten: Schauspieler, Absolventen und Studenten – viele davon vom Bühnenbildner ausgebildet – feierten mit eloquenten und ergreifenden Passagen die Kunst, die sie verbindet.

Weiss verknüpfte die Ideen des Buches mit aktuellen Kontexten: „Luis argumentiert, dass eine Nation sich selbst durch ihr Theater begreift. Ich denke an die zapatistischen Gebiete, wo das Theater eine Form der Erinnerung und der Projektion eines gewünschten Horizonts ist .“

Luis de Tavira gestand, dass dieser Band von einem mittelalterlichen literarischen Werk inspiriert wurde, das ihn sein ganzes Leben lang begleitet hat: Das Buch der Geliebten und der Liebe von Raimundo Lullio.

Es gibt 365 kurze Dialoge zwischen dem Liebenden und der Liebe. Die Eröffnungssequenz zeigt den Liebenden, der fragt, was er heute tun soll. Die Liebe antwortet: „Lieben.“ Der Liebende antwortet: „Ich liebe schon.“ Und die Liebe schließt mit: „Liebe mehr.“ Dieses Fragment fasst den Kern meiner Arbeit und die Bedeutung dieses gemeinsamen Abends zusammen.

Theater verbindet und schafft Gemeinschaft. Es ruft uns dazu auf, uns selbst im Hier und Jetzt zu finden, unsere Gemeinsamkeiten zu entdecken und diese Verbindung zu stärken. Diese Überlegungen entspringen einer leidenschaftlichen Liebe zur Kunst und zu denen, die sie ermöglichen. Denn was wir als unsichtbares Spektakel bezeichnen, ist im Kern die Verwirklichung einer Liebe, die stets wachsen will.

Zeitung La Jornada, Samstag, 2. August 2025, S. 4

Die Neuausgabe von „Das unsichtbare Spektakel: Paradoxe der Schauspielkunst“ (Ediciones El Milagro) von Luis de Tavira untersucht Angst, Fiktion, Identität, Jugend, Talent und die Zerbrechlichkeit derer, die sich vor anderen bloßstellen, aber auch Zeit, Vision, Erinnerung und Gedanken als Theaterakte.

Einige in der Kopie enthaltene Aphorismen sind:

Dieses Buch ist zum langsamen Lesen geschrieben, da es zu spät in eine hektische Zeit kommt, in der das Denken von der Handlung verbannt wurde, die die Kunst der Handlung sein wollte .

Das Theater braucht viele Jahre, um jung zu werden. Diese Kunst der jugendlichen Maske, die die Betrügereien des Erwachsenenlebens entlarvt, diese andere Maske, mal ausdruckslos, mal undurchdringlich, nur sich selbst gleich: die bittere Erfahrung alles Erlebten .

Die Macht der Fiktion besteht darin, Dinge zu öffnen, um Platz für die Welt zu schaffen .

▲ Effigy Vase II , Öl. 2023. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers .

Fröhliche MacMasters

Zeitung La Jornada, Samstag, 2. August 2025, S. 5

Die Espacio Cultural Gallery in Oaxaca-Stadt zeigt Werke des Malers Demián Flores. Diese Ausstellung fand zeitgleich mit der Eröffnung des Rufino Tamayo Museums für prähispanische Kunst Mexikos vor 49 Jahren statt. Zu den Werken gehören zwölf Lithografien antiker mexikanischer Idole, die auf die über 1.000 archäologischen Fundstücke anspielen, die Tamayo gespendet hat.

Diese Lithografien basieren auf einfachen Zeichnungen einiger Keramiken der Sammlung, die Tamayo anschließend farbig bemalen ließ , bemerkt Demián. Viele der im Museum ausgestellten Gefäße haben ihren ganz eigenen Charakter . In dem Maße, wie die noch erhaltene originale Museografie Tamayos Gemälde nachahmt, absorbieren die bunten Nischen des Museums die Farben, die sie umgeben , und verändern so unsere Sicht .

Flores war von Tamayos grafischen Arbeiten angetan und griff „deren Inspiration auf, um eine eher akademische, fast archäologische Zeichnung derselben zapotekischen Gefäße anzufertigen, die sowohl von der Stätte in Oaxaca als auch aus dem Nationalmuseum für Anthropologie stammen. Eine der am häufigsten vertretenen und bedeutendsten Gottheiten innerhalb des zapotekischen Pantheons ist Cocijo, der Gott des Blitzes, des Regens, der Stürme, des Hagels, der Wolken, des Nebels und des Taus .“ Flores zeichnete persönlich an beiden Stätten.

Cocijo ist der Titel der Serie, die Flores vor über drei Jahren begann und von der ein Teil im Espacio Cultural de Oaxaca ausgestellt ist. Sie umfasst 14 Ölgemälde in verschiedenen Formaten, acht Drucke und eine Keramikarbeit. Ende 2023 zeigte der Künstler einige dieser Werke in seiner Einzelausstellung „A flor de piel“ (Eine Blume aus Haut) , der jüngsten Ausstellung der Galería Casa Lamm.

Flores hatte zuvor an der Figur des Chaac gearbeitet, einer Maya-Version des Cocijo , einem Werk, das in Dialog mit einem gleichnamigen Werk des französischen Künstlers Orlán trat , das 2024 im Museo de Arte Popular ausgestellt wurde. Daraus entstand die Cocijo-Serie, die eine fast archäologische Zeichenarbeit erforderte. Viele der Stücke haben ikonografische Attribute mit der Fledermaus, der Erde, dem Himmel, dem Jaguar und der Schlange zu tun. Als er diese Bilder zusammenbrachte und eine Art Palimpsest schuf – nicht alle davon sind Abbildgefäße von Cocijo – erkannte Flores, dass die Kombination dieser Ikonografien neue Bedeutungen schuf.

Neue Signifikanten schaffen

Zu diesem Zeitpunkt beschloss er, die Zeichnungsserie in Richtung Malerei zu verlagern . Dies brachte ihn dazu, über das nachzudenken , was ihn an der Malerei als zeitgenössische künstlerische Praxis interessierte . Er beschloss, die Malerei von ihren eigenen Elementen her als bedeutungsvolle Form neu zu betrachten . So verdrängte er diese kleinen linearen Zeichnungen als eine Form der Bildstruktur, und diese Linien wurden zu einem Motiv für seine Überlegungen zur Malerei: wie die Linie den Bildraum bestimmen kann .

Laut Flores ist Cocijo seine malerischste Serie, obwohl man beim Betrachten der Gemälde erkennt, dass es sich eigentlich um Linien handelt, die das Sichtfeld konstruieren . Er war auch daran interessiert, „eine Art Antipalimpsest zu schaffen, als würde man die Elemente der Malerei – Linie, Farbe, Raum – zerlegen, um zu nahezu essentiellen Formen zu gelangen.“

Ein Teil der Serie ist auch in Mexiko-Stadt ausgestellt, da die grafischen Stücke im Workshop „La Imagen del Rinoceronte“ in der Innenstadt von Tlalpan entstanden sind.

Der Workshop wird vom Grafiker Humberto Valdez geleitet und ist für junge Menschen, die dort arbeiten und Grafikdesign lernen, kostenlos zugänglich. Täglich kommen zwischen 50 und 60 junge Menschen, berichtet Flores, der dort ein Portfolio mit sechs Drucken erstellt hat. Die Auflage dieser Drucke spendete er, um mit den gesammelten Geldern Materialien zu kaufen.

Die Cocijo- Ausstellung bleibt bis zum 15. August im Espacio Cultural de Oaxaca, Crespo 114, Oaxaca City, geöffnet.

Aus der Redaktion

Zeitung La Jornada, Samstag, 2. August 2025, S. 5

Baja California ist Ehrengast im Los Pinos Cultural Center bei einer Feier, die heute und morgen stattfindet. Dabei präsentiert der Grenzstaat Musik, Tanz, Geschichtenerzählen, Literatur, Gastronomie und eine Kunsthandwerksausstellung – Ausdrucksformen des Meeres, der Berge und der Wüste im Norden des Landes.

Die Yuman, die aus fünf indigenen Gruppen auf der mexikanischen Seite bestehen, werden mit den Aromen geräucherter Gerichte sowie einer Kunsthandwerksausstellung vertreten sein. Die Aktivitäten beginnen um 10:00 Uhr. Gleichzeitig wird die Fotoausstellung „Jaspuypaim: Die Nie Getauften“ für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht, die das Leben und Sterben der Bergindianer einfängt.

Diese indigenen Gruppen sind seit etwa 4.500 Jahren präsent und damit die einzige Gruppe prähistorischen Ursprungs, die Kontakt zu europäischen Kolonisatoren hatte und bis heute überlebt hat. Sie leben in Siedlungen in den Gemeinden Ensenada, Tecate, Rosarito und Mexicali.

Heute und morgen bietet Lizeth Marcela repräsentative mündliche Geschichtenerzählkunst aus Baja California an und leitet außerdem Workshops für Kinder.

Der Tänzer Alejandro Chávez wird zeitgenössische Tanzdarbietungen mit der Choreographie Manuel aufführen, während Jesús Bautista das Rock-Pop-Konzert Me verás subir aufführen wird.

Zwischen 13 und 15 Uhr kommt die Station Nortestación an, wo Bücher von Schriftstellern aus Baja California verschenkt werden. Minerva Velasco wird außerdem eine szenische Lesung von Frida Kahlo: Viva la Vida durchführen.

Am Sonntag um 15:20 Uhr führt die National School of Folkloric Dance Company den Calabaceado-Tanz auf, der seine Wurzeln in der Viehzucht im Norden hat. Im Jahr 2022 wurde der Calabaceado-Tanz zum Kulturerbe von Baja California erklärt.

Die Eröffnung des Kulturfestivals Baja California in Los Pinos auf der Plaza de las Jacarandas findet um 11:00 Uhr statt. Zu den Gästen zählen unter anderem Elisa Lemus, Direktorin des Kulturkomplexes Los Pinos, und Alma Delia Ábrego, Kulturministerin von Baja California.

Die Aktivitäten mit 30 Künstlern, Köchen, Kunsthandwerkern und Kulturförderern im Rahmen der Initiative „Mexico in Los Pinos“ finden an beiden Tagen von 10 bis 17 Uhr am Standort Molino del Rey 252 im ersten Abschnitt des Chapultepec-Parks statt.

Lateinische Presse

Zeitung La Jornada, Samstag, 2. August 2025, S. 5

New York. Das Metropolitan Museum of Art (Met) gab bekannt, dass in der Institution mehr als 200 Originalstücke, darunter Skulpturen und Artefakte, mit Abbildungen der Götter des alten Ägypten ausgestellt werden.

Ab dem 12. Oktober erkundet die Ausstellung „Divine Egypt“ die Spiritualität und religiöse Kunst dieser fernen, aber dennoch faszinierenden und rätselhaften Zivilisation.

Gezeigt werden spirituelle Darstellungen dieser Gottheiten in Tempeln, Heiligtümern und Gräbern sowie die Instrumente, die ihnen im täglichen Gottesdienst Leben einhauchten und so eine Verbindung zwischen der realen und der göttlichen Welt herstellen. Die ausgestellten Werke reichen von monumentalen Statuen bis hin zu kleinen, eleganten Figuren, die 25 der wichtigsten Götzenbilder dieser Zeit symbolisieren, darunter den falkenköpfigen Gott Horus, den löwenköpfigen Sachmet und den großen Schöpfer der Ägypter, Ra, um nur einige zu nennen.

Der geschäftsführende Direktor des Museums, Max Hollein, wies darauf hin, dass die Ausstellung die schönsten Leihgaben einiger der weltweit führenden Institutionen vereint, darunter das Fine Arts Museum in Boston, der Louvre in Paris und die Ny Carlsberg Glyptotek in Kopenhagen, obwohl mehr als 140 dieser Objekte dem Met selbst gehören, wie er anmerkte.

Die Galerie betonte, dass eines ihrer bedeutendsten Stücke eine Statue des Gottes Amun aus massivem Gold sei, die eine Nachbildung einer göttlichen Barke schmücken werde, eines Schiffstyps, der die Hauptgottheit eines Tempels transportierte.

Mit dem Ziel, die Art und Weise zu untersuchen, wie die Könige und das Volk des alten Ägypten ihre Götter erkannten und mit ihnen interagierten, bietet jeder Ausstellungsabschnitt eine umfassende Gelegenheit, einen Einblick in das Denken und die Spiritualität einer der beständigsten und fortschrittlichsten Zivilisationen der Geschichte zu geben.

Die Ausstellung unterstreiche den tiefen Sinn für Kontinuität und Erneuerung, mit dem die Ägypter die großen Mysterien von Leben und Tod angingen und ihre Antworten im visuellen und symbolischen Reichtum ihrer religiösen Kunst verankerten, so das Met abschließend.